O SOM DA MÚSICA

O SOM DA MÚSICA - ÍNDICE DE SEÇÕES

2009-05-06T10:22:00.000-07:00

TEXTOS MAIS RECENTES:

- Motörhead dá dá aula de rock’n roll pesado em seu 17º álbum de inéditas; leia entrevista (na íntegra)
- Sem irmãos Cavalera, Sepultura finaliza disco inspirado em “Laranja Mecânica” (na íntegra)
- Lobão faz show elétrico após a turnê do projeto “MTV Unplugged”
- Marcelo D2 incrementa sua mistura de rap com samba com novos elementos no álbum "A Arte do Barulho"
- Novo Guns N’ Roses apela ao marketing negativo para indicar crise da indústria do disco
- Bloc Party é mais experimental em seu terceiro disco de inéditas
- Licença poética em alegorias do Radiohead na música "Weird Fishes (Arpeggi)"
- Folk tatibitate de estréia em disco mostra Mallu Magalhães crescendo em público
- Versão de Skowa & A Máfia para "África Brasil (Zumbi)" é uma das melhores releituras de Jorge Ben
- Gutter Twins promete músicas inéditas em shows intimistas na Europa em 2009
- The Cure reafirma a identidade de seu pop britânico oitentista em inspirado disco de inéditas
- Punk demais para o progressivo, progressivo demais para o punk

ENTREVISTAS REALIZADAS EM 2008 (Incompleto):

(Somente textos feitos de janeiro a setembro deste ano)
- Mathias Farm (MILLENCOLLIN)
- Mikkey Dee (MOTÖRHEAD)
- LAURIE ANDERSON
- JULIETA VENEGAS
- O RAPPA
- DALE CROVER (MELVINS)
- Ana Resende (CANSEI DE SER SEXY)
- Marcelo Fróes e Dado Villa-Lobos (RENATO RUSSO)
- Dinho Ouro Preto (CAPITAL INICIAL)
- Alex González (MANÁ)
- HERBIE HANCOCK
- MACY GRAY
- MAX CAVALERA (CAVALERA CONSPIRACY e SOULFLY)
- Mike Clark (Suicidal Tendencies)
- SEPULTURA (sobre o álbum "A-Lex")
- GILBERTO GIL
- Juan Campondónico (BAJOFONDO)
- Geoff Tate (QUEENSRYCHE)
- Doug Aldritch (WHITESNAKE)
- Markus Grosskopf (HELLOWEEN)
- ADRIANA CALCANHOTTO
- Tico Santa Cruz (DETONAUTAS)
- DARRYL JENNIFER (BAD BRAINS)
- SÉRGIO DIAS (MUTANTES)
- ZAKK WYLDE (OZZY OSBOURNE / BLACK LABEL SOCIETY)
- Zac Farro (PARAMORE)
- STEVE ALBINI (SHELLAC)
- NEY MATOGROSSO
- ANA CAROLINA
- Ryan Richards (FUNERAL FOR A FRIEND)
- FERGIE
- Daniel Kessler (INTERPOL)
- SEBASTIAN BACH
- SEBASTIAN BACH (AXL ROSE)
- ROGER GLOVER (DEEP PURPLE)
- ROGER GLOVER (“SMOKE ON THE WATER”)
- Bob Bryar (MY CHEMICAL ROMANCE)
- Verdine White (EARTH, WIND & FIRE)
- Simple Plan
- TOM ZÉ

LISTA INCOMPLETA DE SHOWS EM 2008 (Somente resenhas de janeiro a setembro):

XXVIII. Bob Dylan (Primeiro show em SP)
XXVII. Bob Dylan (Segundo show em SP)
XXVI. Ozzy Osbourne
XXV. Deep Purple
XXIV. Iron Maiden
XXIII. Herbie Hancock
XXII. Megadeth
XXI. Fergie
XX. Rod Stewart
XIX. Chuck Berry
XVIII. The Go-Team e outros
XVII. Melvins, Hives e outros
XVI. Maná
XV. Macy Gray
XIV. Queensrÿche
XIII. Whitesnake
XII. Joss Stone
XI. My Chemical Romance
X. Sean Kingston

Resenhas de DVDs (Somente textos de 2008 – de janeiro a setembro)
VII. ARNALDO ANTUNES – "Ao Vivo em Estúdio"
VIII. KEANE - "Keane Live"
IX. OASIS - "Lord Don't Slow Me Down"
X. SCORPIONS - "Live at Wacken Open Air 2006"
XI. NXZERO - "62 Mil Horas Até Aqui"
XII. R. KELLY - "Live: The Light It Up Tour"
XIII. NEY MATOGROSSO - "Inclassificáveis"
XIV. JOHN LEGEND - "Live From Philadelphia"
XV. OLIVIA NEWTON-JOHN E ORQUESTRA SINFÔNICA DE SIDNEY - "Ao Vivo Na Sidney Opera House"
XVI. CIDADE NEGRA - "Diversão"
XVII. VÁRIOS - "Funk In Video"
XVIII. JUSTIN TIMBERLAKE - "FutureSex/LoveShow"
XIX. NELLY FURTADO - "Loose: The Concert"
XX. CHICO BUARQUE - "Essencial"
XXI. PARALAMAS E TITÃS - "Juntos ao Vivo"
XXII. SIBA E A FULORESTA - "Toda Vez Que Eu Dou Um Passo O Mundo Sai Do Lugar"
XXIII. GENESIS - "When In Rome 2007"
XXIV. ZZ TOP - "Live From Texas"
XXV. FUNK BROTHERS - "Live in Orlando"

Resenhas de CDs (Somente textos de 2008 – de janeiro a setembro)

XXVI: ENTERRO - "Nunc Scio Tenebris Lux"
XXVII: DONNA SUMMER - "Crayons"
XVII: USHER - "Here I Stand"
XIX: LEO JAIME - "Interlúdio"
XXX: RINGO STARR - “Liverpool 8”
XXXI: AGNOSTIC FRONT - "Warriors"
XXXII: MARIAH CAREY - "E=MC²"
XXXIII: RENATO RUSSO - "O Trovador Solitário"
XXXIV: URBAN TOTEM - "Urban Totem"
XXXV: CAROLE KING - "Tapestry"
XXXVI: RPM - "Revolução! RPM 25 Anos"
XXXVII: ALANIS MORISSETTE - "Flavors of Entanglement"
XXXVIII: CÁSSIA ELLER - "Raridades"
XXXIX: SUPERGRASS - "Diamond Hoo Ha"
XXXX: DETONAUTAS - "O Retorno de Saturno"
XXXXI: TRILHA SONORA DO FILME "Meu Nome não é Johnny"
XXXXII: NXZERO - "Agora"
XXXXIII: CHICO BUARQUE - "Essencial"
XXXXIV: THE CURE - "4:13 Dream"
XXXXV: MALLU MAGALHÃES - "Mallu Magalhães"
XXXXVI: BLOC PARTY - "Intimacy"

XXXXVII: GUNS N’ ROSES – “Chinese Democracy”
- MARCELO D2 - "A Arte do Barulho"

OBS: AINDA FALTA EU COMPILAR MAIS MATERIAL ESCRITO EM 2008

Também pretendo colocar aqui neste blog boa parte do que já publiquei como jornalista de música, inclusive material novo. O complicado é que parei de catalogar o material por volta de 2000, mas depois publiquei muita coisa interessante que preciso caçar em meus arquivos. Por volta de 2001/2002, cheguei a criar um site onde disponibilizei bastante coisa do meu acervo. Tirei o site do ar momentaneamente pois queria fazer um novo leiaute, com novidades, mas acabei deixando pra depois, em função das demandas do dia-a-dia. E recentemente descobri que o meu principal CD de back-up estava danificado.

Portanto, preciso fazer uma verdadeira busca em meus arquivos em casa para poder organizar meu arquivo de repórter, principalmente as versões integrais de entrevistas com a galera gringa (Mark Arm e Steve Turner (Mudhoney), John Spencer, Andy Cairns (Therapy?), Dave Mustaine (Megadeth), Blaze Bailey (ex-Iron Maiden), Scott Travis (Judas Priest), Nebula, Coal Chamber, Staind e mais um monte de coisas que nem lembro no momento, pois não trabalhei somente com o segmento rock e pop-rock do jornalismo de música. Também tenho várias entrevistas bacanas que devem aparecer por aqui, inclusive alguma coisa que sequer cheguei a publicar em algum lugar (por exemplo: Marcelo Yuka, Rodolfo Abrantes, Raimundos fase Éramos Quatro, Marcelo Nova, Plebe Rude fase Erre ao Contrário, Lobão fase MTV Acústico, Nação Zumbi fase Radio S.A.M.B.A. etc.).

Fora isso, também há o caso de matérias e entrevistas minhas sobre cultura geral que considero interessantes até mesmo em segmentos distintos aos de rock e cultura pop, pois durante algum período cheguei a cobrir Carnaval, Rodeios, Micaretas, Fórmula 1 e etc. Então vamos ver se consigo adaptar esse material por algum viés que não seja o de forçar a barra do perfil deste O SOM DA MÚSICA e também se atualizo aos poucos meu arquivo, pois dá uma baita trabalheira catalogar e disponibilizar tudo em um único espaço na web. Até lá, vou disponibilizando por aqui o que for encontrando...

SEÇÕES/ÍNDICE DE TEXTOS

- RODOVIAS EM PAPIRO CIBERNÉTICO
I. Era uma vez... um gênero chamado rock'n roll
II. Hiper-Realidade ao pastiche coletivo
III. Noite Escura pro Dia Nascer Feliz
IV. Combate Rock
V. Punk demais para o progressivo, progressivo demais para o punk

- RAPIDINHAS
I. The Gutter Twins em formato intimista
II. Lobão faz show elétrico após a turnê do projeto “MTV Unplugged”
III. Rock'n Riot - Ron Asheton forever

- FRAGMENTOS DE MONOLITO
I. Lenda Futura / Californicação
II. Soldado Quebrado Menino / Com Deus ao Nosso Lado
III. Perdido em Hollywood / Cheira à molecagem
IV. Nós Somos os Mortos / Caiu a Ficha
V. Aberrações famintas, meu chapa / Desordem todos os dias
VI. Nós / Mais Uma Vez
VII. Tratado de Vida / Inocência / De Forma Alguma
VIII. Canção para Woody / Canção para Bob Dylan
IX. Medo / Pequeno Sabe-Tudo / Vida Selvagem Adolescente
X. O Diâmetro de um Círculo / Nós Somos os Homens Famintos / O Risonho Gnomo / Sujo e Levemente Detonado
XI. Minha Renda / Poder, Sorriso, Fama / Controle Total
XII. Jingle / Beladona
XIII. Depois da Chuva / Aurora no Subúrbio
XIV. Azure / Lava / Sonata ao Luar
XV. Ambos Mundos / Pai / O Velho e O Mar
XVI. Eclipse / Luna / Sol
XVII. Mudanças / Rapaz Maluco Aladino São de Mente / Vencer
XVIII. Tijolo por tijolo / Zelig / Peixe Vivo / Peixes de Briga
XIX. O Velho e O Mar / Peixes de Briga
XX. Asa Preta / A Voz do Morro / Tambores / Luz da Salvação
XXI. Marcianos invadem a Terra / Life on Mars? / Verve / Cactus
XXII. A Vida é Doce / O Doce da Vida
XXIII. Borges / Loteria da Babilônia
XXVI. A Violência Travestida faz seu Trottoir / Além dos Outdoors
XXVII. Cho Seung Song / Face da Morte
XXVIII. Lo Vale Della Luna
XXIX. Herói da Classe Trabalhadora / Sossega-Leão / A grande destruição sulista das sensações do momento / Idiotas Comandam
XXX. Lua da Colheita / Cores Vivas (Primeira Parte)
XXXI. Vivendo e não Aprendendo / Flores em Você
XXXII. Inflado e Consumido / Polícia do Karma
XXXIII. Hesitante / Desarmar / Esta Noite, Esta Noite / Aqui não Há Motivo / Trinta e Três / Ser Fiel ao Seu Amor
XXXIV. Navio de Cristal / Passeio à luz do luar / Meu Amor Selvagem / Domingo Tristonho / Voyeur / Rainha da Estrada / O amor se esconde
XXXV. Deita, madame / Canção de amor
XXXVI. Culto de Amor
XXXVII. Eu sei que vou te amar
XXXVIII. Cores Vivas (Versão Integral)
XXXIX. Amor de Índio / Viver com Você
XXXX. Oh, meu amor
XXXXI. Na Minha Vida
XXXXII. Mulher
XXXXIII. Dias de Luta e Glória
XXXXIV. Devaneios Oníricos
XXXXV. Se não Fosse por Você

- A IMAGEM DA MÚSICA - SEÇÃO NOVA
I. Séries de Sonhos
II. Presunção Metafórica
III. Love Song
IV. Stand Inside Your Love
V. Heaven
VI. I Just Want You
VII. U23D (U2)
VIII. Glass: Retrato em 12 Partes (Philip Glass)

- ÁLBUM DE RETRATOS - MINHA AUTOBIOGRAFIA NÃO-AUTORIZADA
I. Novembro de 1987
II. Meados de 1989
III. Dois Dias, Dois Anos
IV. That 70's Show
V. The Denial Twist

- AFORISMOS BOTEQUINENSES
I. Identidade
II. Espantando os malas
III. Mensagem subliminar no vinil / Donna Bella / Ojeriza

- JUKEBOX
I. Blowin' in the Wind
II. Rock'n Roll Lullaby
III. Broken Boy Soldier
IV. Series of Dreams
V. Let's Stay Together
VI. Canção da Torre Mais Alta
VII. Belos e Malditos
VIII. “África Brasil (Zumbi)”
IX. "Weird Fishes (Arpeggi)"

CANHOTO DE INGRESSO
I. Atonalismo Punk
II. Sacarose Pop
III. Da Garagem Universal, o Rock'n Roll mais Vira-Lata
IV. Concertos para a Juventude
V. O Rock não Errou
VI. Padroeira Punk
VII. Em Ritmo de Festa
VIII. Eufooria Burocrática
IX. Rock é Rock Mesmo
x. 20 Anos Sem Raul

- CANÇÕES PARA APRENDER E CANTAR:
I. Herbert Vianna
II. Thomas Pappon
III. Philippe Seabra
IV. Clemente

- DE ORELHADA:
I. Rockstória via Sacerdotisa Punk
II. Éden Retroativo
III. Punch sem Estresse
IV. Pop Bem-Formatado
V. O Segundo Solo
VI. Barulho e Sensibilidade Pop
VII. ARNALDO ANTUNES – "Ao Vivo em Estúdio"
VIII. KEANE - "Keane Live"
IX. OASIS - "Lord Don't Slow Me Down"
X. SCORPIONS - "Live at Wacken Open Air 2006"
XI. NXZERO - "62 Mil Horas Até Aqui"
XII. R. KELLY - "Live: The Light It Up Tour"
XIII. NEY MATOGROSSO - "Inclassificáveis"
XIV. JOHN LEGEND - "Live From Philadelphia"
XV. OLIVIA NEWTON-JOHN E ORQUESTRA SINFÔNICA DE SIDNEY - "Ao Vivo Na Sidney Opera House"
XVI. CIDADE NEGRA - "Diversão"
XVII. VÁRIOS - "Funk In Video"
XVIII. JUSTIN TIMBERLAKE - "FutureSex/LoveShow"
XIX. NELLY FURTADO - "Loose: The Concert"
XX. CHICO BUARQUE - "Essencial"
XXI. PARALAMAS E TITÃS - "Juntos ao Vivo"
XXII. SIBA E A FULORESTA - "Toda Vez Que Eu Dou Um Passo O Mundo Sai Do Lugar"
XXIII. GENESIS - "When In Rome 2007"
XXIV. ZZ TOP - "Live From Texas"
XXV. FUNK BROTHERS - "Live in Orlando"
XXVI: ENTERRO - "Nunc Scio Tenebris Lux"
XXVII: DONNA SUMMER - "Crayons"
XVII: USHER - "Here I Stand"
XIX: LEO JAIME - "Interlúdio"
XXX: RINGO STARR - “Liverpool 8”
XXXI: AGNOSTIC FRONT - "Warriors"
XXXII: MARIAH CAREY - "E=MC²"
XXXIII: RENATO RUSSO - "O Trovador Solitário"
XXXIV: URBAN TOTEM - "Urban Totem"
XXXV: CAROLE KING - "Tapestry"
XXXVI: RPM - "Revolução! RPM 25 Anos"
XXXVII: ALANIS MORISSETTE - "Flavors of Entanglement"
XXXVIII: CÁSSIA ELLER - "Raridades"
XXXIX: SUPERGRASS - "Diamond Hoo Ha"
XXXX: DETONAUTAS - "O Retorno de Saturno"
XXXXI: TRILHA SONORA DO FILME "Meu Nome não é Johnny"
XXXXII: NXZERO - "Agora"
XXXXIII: CHICO BUARQUE - "Essencial"
XXXXIV: THE CURE - "4:13 Dream"
XXXXV: MALLU MAGALHÃES - "Mallu Magalhães"
XXXXVI: BLOC PARTY - "Intimacy"
XXXXVII: GUNS N’ ROSES – “Chinese Democracy”
XXXXVIII: MARCELO D2 - "A Arte do Barulho"

- NA CABECEIRA:
I. Noites Tropicais, Nelson Motta (Ed. Objetiva)
II. Renato Russo de A a Z (Ed. Letra Livre)

- ENTREVISTÃO
I. Noite Ilustrada (Lobão)
II. Nem tudo o que reluz é purpurina, santa (Brian Molko - Placebo)
III. Felinni (Thomas Pappon e Cadão Volpato)
IV. Simple Plan
V. Verdine White (EARTH, WIND & FIRE)
VI. Bob Bryar (MY CHEMICAL ROMANCE)
VII. ROGER GLOVER (DEEP PURPLE)
VIII. ROGER GLOVER (“SMOKE ON THE WATER”)
IX. SEBASTIAN BACH
X. SEBASTIAN BACH (AXL ROSE)
XI. Daniel Kessler (INTERPOL)
XII. FERGIE
XIII. Ryan Richards (FUNERAL FOR A FRIEND)
XIV. ANA CAROLINA
XV. NEY MATOGROSSO
XVI. STEVE ALBINI (SHELLAC)
XVII. Zac Farro (PARAMORE)
XVIII. ZAKK WYLDE (OZZY OSBOURNE / BLACK LABEL SOCIETY)
XIX. SÉRGIO DIAS (MUTANTES)
XX. SÉRGIO DIAS (MUTANTES)
XXI. DARRYL JENNIFER (BAD BRAINS)
XXII. Tico Santa Cruz (DETONAUTAS)
XXIII. ADRIANA CALCANHOTTO
XXIV. Markus Grosskopf (HELLOWEEN)
XV. Doug Aldritch (WHITESNAKE)
XVI. Geoff Tate (QUEENSRYCHE)
XVII. Juan Campondónico (BAJOFONDO)
XVIII. GILBERTO GIL
XIX. SEPULTURA (sobre o álbum "A-Lex")
XXX. Mike Clark (Suicidal Tendencies)
XXXI. MAX CAVALERA (CAVALERA CONSPIRACY e SOULFLY)
XXXII. MACY GRAY
XXXIII. HERBIE HANCOCK
XXXIV. Alex González (MANÁ)
XXXV. Dinho Ouro Preto (CAPITAL INICIAL)
XXXVI. Marcelo Fróes e Dado Villa-Lobos (RENATO RUSSO)
XXXVII. Ana Resende (CANSEI DE SER SEXY)
XXXVIII. DALE CROVER (MELVINS)
XXXIX. O RAPPA
XXXX. JULIETA VENEGAS
XXXXI LAURIE ANDERSON
XXXXII. Mathias Farm (MILLENCOLLIN)
XXXXIII. Mikkey Dee (MOTÖRHEAD)
XXXXIV. Sepultura ("A-Lex" na íntegra)
XXXXV. TOM ZÉ

- MINHA BANDA PODE SER MINHA VIDA
I. "Não ouse tentar domar este cavalo selvagem..."
II. The Vira-Lata Tapes volume 961
III. Andaluz Aurora Demos - The Anti-Baleias Tapes
IV. O Fogo a Volver o Nascente Eterno
V. Dinossauros Juniores
VI. Peixes de Briga
VII. Zelig
VIII. Under the Red Sky
IX. Verve
X. A Doce Vida
XI. ANDALUZ AURORA DEMOS DOWNLOADS
XII. Lo Vale Della Luna
XIII. Cores Vivas
XIV. Pão, Circo & Canções-de-Ninar
XV. Masquerade
XVI. Andaluzia
XVII. Andaluz Aurora (Promo CD)
XVIII. Jingle / Beladona - MIXES CASEIROS

- ARQUIVO DE REPÓRTER
- Uma Elegia à Estética Punk
- As Rachaduras no Concreto vinte anos depois
- A Doce Vida do Deserdado
- Raiva e Esperança

- MY SPACE AT MYSPACE.COM
- Mask (March 7, 2007)
- Brick by Brick (March 6, 2007)
- Heal The World (January 13, 2006)
- Old Man (January 11, 2006)
- One by One (January 05, 2006)
- (Have you ever been to) The Electric Ladyland (August 10, 2005)
- On the Beach (August 09, 2005)
- Best of you (July 29, 2005)
- Series of Dreams (June 26, 2005)
- The Top (June 01, 2005)
- Lyric (May 31, 2005)
- One More Time (May 29, 2005)
- Wild Is the Wind (May 28, 2005)
- As the night goes by (May 26, 2005)
- Irrelevant Thoughts (May 23, 2005)
- Dream On (April 18, 2005)
- New Day Rising (April 17, 2005)

- JORNALISMO PSICÓTICO
- Abominações Unidas
- Macunaímas Filhos-da-Pátria
- Violência Gera Violência
- PumpKings

- LIVRO DOS SONHOS
- balzac

SEÇÃO AINDA INÉDITA

- PÁGINA EM BRANCO, SILÊNCIO QUE É MÚSICA...

Confira aqui também meu Baú de Repórter (Trabalho em andamento).
MySpace aqui também.
Textos novos e mais música em breve também no MySpace!

Textos de Marcus Marçal, exceto quando ressaltado. Todos os direitos reservados ao autor. Não é permitida a reprodução deste texto de forma alguma sem permissão prévia, seja em sua forma integral ou parcial. Por favor, contate-me antes via email.

CANHOTO DE INGRESSO XXIV: Show de Marcelo Nova e Os Panteras é ponto alto de homenagem a Raul Seixas em SP

2009-05-06T09:39:00.001-07:00

O cantor Marcelo Nova e o grupo Os Panteras protagonizaram o ponto alto da homenagem a Raul Seixas realizada neste domingo (3), na edição 2009 da Virada Cultural, evento cultural realizado em diversos pontos da capital paulista. O tributo “20 Anos Sem Raul” aconteceu no palco Estação da Luz e contou com uma maratona de 20 shows durante 24 horas, onde um diverso elenco de artistas releu toda a discografia de Seixas: de “Raulzito e Os Panteras” (1967) até “A Panela do Diabo” (1989), disco gravado em parceria por Nova e Seixas.

Marceleza e os Panteras tocaram temas pinçados do roteiro do show “A Panela do Diabo” -- a despedida de Raul Seixas dos palcos e originalmente encenado antes mesmo do lançamento do disco. O cantor baiano morreria dois dias após a obra chegar oficialmente às lojas.

A performance foi o destaque desta programação especial pois contou com parceiros-chave na trajetória de Raul – Nova foi o último parceiro musical de Seixas, enquanto o trio de músicos baianos veteranos formado por Eládio Gilbraz (guitarra), Mariano Lanat (baixo) e Carleba (bateria) foi o primeiro grupo musical profissional a acompanhá-lo.

Secundado por dois músicos novatos, respectivamente na guitarra solo e teclados, Os Panteras entrou em palco pouco depois das 16h30. E embora Raul Seixas tenha originalmente gravado seu último disco juntamente com Nova e a banda A Envergadura Moral, o trio veterano releu fielmente os arranjos eternizados em disco, ainda que qualquer ensaio sequer tenha sido realizado, conforme o líder do Camisa de Vênus comentou durante o evento.

Antes mesmo da entrada de Marceleza ao palco, o quinteto abriu o espetáculo com “Você ainda pode Sonhar” (versão para “Lucy in the Sky with Diamonds, dos Beatles”) e “Prelúdio”, temas populares entre os fãs mais fiéis de Raulzito.

Em seguida, Marcelo Nova se juntou aos demais músicos no clássico da velha guarda do rock’n’ roll “Be-Bop-A-Lula”, tema de Gene Vincent, e cantou temas inesquecíveis para quem acompanhou os estertores da carreira de Raul, tais como “Rock’n Roll”, “Carpinteiro do Universo” e “Século XXI”. Os músicos foram acompanhados pelo coro de um público devoto que, em grande parte, virou a noite celebrando a obra de Seixas. Muitos deles sequer demonstravam cansaço com a maratona, apesar de um ou outro pinguço a dormir como bebê-bado no meio da multidão, como convém à tradição raulseixista.

Nova também remontou à platéia seus primórdios de roqueiro jovem em Salvador e lembrou que Os Panteras foi o primeiro grupo de rock’n roll que ele viu ao vivo na vida, ainda na adolescência. Com o habitual senso de humor satírico, comentou que, na ocasião, ficou fulo da vida, pois os colegas são alguns anos mais velhos e comiam todas as menininhas que ele almejava desfrutar. Mas hoje, roqueiro veterano, Marceleza até agradeceu apropriadamente aos integrantes do grupo. Afinal, o tempo passou, muita estrada rolou e o líder do Camisa tira sarro ao afirmar que “comeria três bucetas” após o show só por causa desses caras.

Picardia raulseixista intacta

A biografia de Seixas, assim como a de Nova, seu único e legítimo sucessor na linhagem histórica do rock baiano, é marcada pelo bom humor. Assim, a picardia não poderia ficar de fora do cardápio: Marceleza chegou a declarar em tom jocoso que o nome original de “Pastor João e a Igreja Invisível” era “Pau no C* de XdXr MXXXdX” – e foi aplaudido entusiasmadamente pela audiência. (N.R.: Agradecimentos a Sue M. por disponibilizar o vídeo na Internet; ASSISTA).

A impagável “Muita Estrela Pra Pouca Constelação”, primeira parceria de Seixas e Marceleza, também foi um dos destaques do show. Vale lembrar que, apesar da memória afetiva de Nova remontar folcloricamente ao momento em que conheceu um ainda adolescente Raulzito nos anos 50, o momento histórico que propiciou a dobradinha entre os dois ícones do rock baiano só aconteceria em meados dos anos 80, na ocasião de uma apresentação do Camisa de Vênus no antigo Circo Voador/RJ: Raul Seixas estava na casa e foi convidado a se juntar ao antigo grupo de Nova para cantar sua clássica “Ouro de Tolo”, cuja releitura oficial a cargo da banda baiana está registrada no álbum “Correndo o Risco” (1986).

O clima saudável de celebração nostálgica era inevitável. E, assim como no programa do show original realizado há mais de 20 anos, a clássica “O Rock das Aranhas” encerrou o roteiro do espetáculo.

Foi uma apresentação memorável, com a maioria dos elementos que marcaram a despedida de Raul Seixas dos palcos. Afinal, sua última turnê apenas exacerbou elementos de destaque de sua discografia, espetáculos onde se podia rir e chorar com a mesma intensidade.

A homenagem a Raul ainda prosseguiu com uma jam session com outros artistas, mas o simbólico grand finale com a apresentação de Marcelo Nova e Os Panteras não poderia ser mais apropriado. Afinal, o encontro amarrou dois momentos distintos da carreira de Seixas: o início, o fim e o meio...

E numa época em que seu contemporâneo Caetano Veloso, um dos mais notórios desafetos de Raul desde os primórdios na Bahia, afirma que “não se inspira mais em mulher alguma, pois sua musa hoje é Lobão” e ainda usa a batida fórmula do placebo de rock em sua obra, a eternidade do legado de Raul Seixas ecoa atemporal na lembrança dos fãs e no revisitar dos clássicos que consolidaram nossa noção bastarda de rock’n roll à moda brasileira. Afinal, como sabemos, ROCK É ROCK MERMO!

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Rapidinhas 3: ROCK'N RIOT - Ron Asheton Forever

2009-01-06T13:24:00.000-08:00

Pioneiro de gerações e gerações de guitarristas de rock troglodita, Ron Asheton foi encontrado morto nesta terça-feira (6) em sua casa em Ann Arbor, nos EUA. O barulho que tirava de seu instrumento foi um dos maiores emblemas musicais do rock “forever young”, eternizado em seu trabalho com a banda The Stooges, que integrou junto a Iggy Pop e seu irmão Scott Asheton.

Falar da importância do sujeito para a música é chover no molhado. Ron Asheton dispensava apresentações. Portanto, segue abaixo uma resenha “ma non troppo” que fiz do show dos Stooges, realizado no Rio de Janeiro no final de 2005.

Em tempo, aproveito para voltar a chamar atenção ao disco “The Weirdness” (2007). Fantasiada à moda “Please Kill Me”, a unanimidade burra malhou o disco, pois esperava reedição de “The Stooges” (1969) e “Fun House” (1970) ou mesmo um bissexto “Raw Power” (1972), como se o tempo não corresse ligeiro e o rock não contemplasse a velhice e sua própria finitude.

Portanto, com o desaparecimento de Ron Asheton e sua guitarra troglodita elementar, o rock fica menos barulhento, mais chato e previsível.
Salve, Asheton!

O rock'n roll mais vira-lata
http://stratosonico.blogspot.com/2006/07/canhoto-de-ingresso-iii.html

Eles já foram uma das formações mais perigosas na história do rock. Personificavam na presença de seu frontman o que poderia haver de mais débil, violento, transgressor e ultrajante na história do rock em plena pasmaceira do ideário hippie a descer ladeira abaixo, enunciando a década de excessos de toda sorte em vias de se configurar. Punk precoce por intermédio da perversão vingativa de uma “starlet primadonna” morrisoniana a zoar com a cara da inteligência futura da América, detonado pelo desencanto de um moleque branquelo a atrever meter-se em meio ao bluesmen velhos-de-guerra como se fosse um deles.

No decorrer de uma inocente saudação a uma solene entidade jamaicana, a faísca de uma idéia inovadora que revolucionaria a música surge quase como efeito de uma possível seqüela. Dali em diante a música jovem nunca mais poderia ser a mesma, tamanha a cicatriz na face bebê Johnson do que ainda poderia haver de genuína inocência na música pop.

E se as turnês do Doors em alguns momentos representaram o que havia de mais verdadeiro de caos e desordem, a partir da aparição destes quatro patetas de Detroit no cenário, a cultura roqueira ganha contornos musicais equivalentes ao vandalismo intrínseco às suas reações mais recônditas em relação ao conformismo e às convenções sociais do estabelecido.

Em outras palavras, ao passo que era cada vez mais assimilado pelo senso comum, o submundo rock’n roll tornava-se cada vez mais arisco, inconseqüente, destrutivo e gratuito, uma resposta e tanto à "assimilação" da estereotipia hippie caricatural. Rock’n Riot!

O mesmo visionário que catou os Doors, propiciou aos Stooges seu primeiro registro em disco, embora com uma abordagem mais classuda, esta oriunda da perspectiva de um artista vanguardista produzindo o disco, epômino e lançado em 1969. Resultado: um dos LPs mais atemporais a eternizar o calor roqueiro em registros fonográficos.

A desordem musical e comportamental segue adiante em shows caóticos em tudo quanto é buraco e em conseqüente LP chamado Fun House (1970), homenagem ao pardieiro onde vivia a família Pateta, no qual o primitivo vandalismo musical do quarteto ganha contornos ainda mais radicais com a inserção de novos elementos a sua elementar musicalidade troglodita, ganhando espaço até para tendências jazzistas em meio à barulheira que lhes é peculiar.

Tanta atmosfera caótica resulta em um precoce encerramento das atividades. Não era por menos: no que o MC5, contemporânea formação complementar ao caos pateta, tinha de politizado, os Stooges carregavam tintas em uma demencial explosão de distúrbio ao gênero que um comportado poodle chamado Elvis, cagão a comer na mão de milico aposentado, ousou um dia personificar a uma era conservadora.

E é no legado redivivo desta musicalidade que se baseia a reencarnação em palcos dos Stooges, mais de vinte anos depois de sua dissolução – ainda que a primeira reencarnação tenha tomado a remanejada forma de Iggy & the Stooges em Raw Power (1973), avalizada por David Bowie e trazendo um dos irmãos Patetas trocando sua guitarra personalíssima pelas tramas de um contrabaixo mais sinuoso a complementar o histriônico heroísmo guitar de um músico de caráter pra lá de duvidoso: o mesmo line up figurado até setembro de 1974, ocasião do último show da segunda parte da história da banda, ainda que protagonizada por seu vocalista, munida de um repertório natimorto de teor menos cáustico, porém mais musical – com direito até à inclusão de um piano boogie woogie na formação – nocaute performático encontrável no semipirata Metallic K.O. (a vir à tona somente em 1977), incomodamente verossímil documento sobre o quão ultrajantes eram os Stooges nesta segunda fase.

Mais de vinte anos depois, a lenda rediviva é anunciada como principal atração de um festival estrangeiro. Iggy Pop já passara por todos os altos e baixos inimagináveis possíveis e encara até uma bem-sucedida carreira-solo desde seu enésimo e definitivo retorno da sarjeta com a ajuda de David Bowie por intermédio de seu disco best seller, Blah Blah Blah (1986), caracterizado por um pop eletrônico por excelência pautado por sintetizadores.

A turnê seguinte, do álbum Instinct (1988), chega ao Brasil trazendo o Iggy Pop de antes domando seu demonismo químico que quase o levara à vala comum por tantas vezes, confira uma das faixas do disco 4 do Box Nights of the Iguana (fala, Jonathan) e saiba do que se trata, mas a aparição da lenda foi suficiente para deixar seqüelas e cicatrizes comportamentais por onde passou.

A partir daí, a carreira solo de Iggy se consolidou de maneira inédita. Fosse com discos mais ou menos inspirados, mas todos trazendo pelo menos algum clássico, importantes para o entendimento de sua trajetória biográfica, ou ainda com apresentações demenciais do estado mais bruto que o rock’n roll maracujá enrugado poderia ainda se manifestar.

Acompanhado por novatos que são tão escória quanto Iggy o era e ainda é, suas performances musicais nunca foram tão intensas, a ponto de nos fazer até justificar se não teria sido mais bacana um show solo de Iggy com sua banda The Trolls em vez da aparição com os verdadeiros e calejados pais da matéria.

A maior entidade garageira inconstestável enquanto instituição roqueira, seu novo álbum em elaboração deverá significar um passo adiante à própria linhagem ruidosa de blues punk garageiro que eles inauguraram. A ser produzido por um velho tradicional e notório retratista de esporros sonoros como o é Steve Albini (sim, aquele que melhor compactou o poderio sonoro do Nirvana em disco, por exemplo) e também por um novato afeito a velharias sonoras, mas sem mofo passadista como Jack White, o novo disco tem tudo para colocar as coisas em seu devido lugar.

Verdade que o show, histórico por razões que não precisam ser enumeradas, primou mais pelo re-visitar de um arquétipo sonoro da memória afetiva roqueira do que necessariamente por uma respeitosa tradição sonora que, em tese, deve ser sempre colocada em xeque. No entanto, o show propriamente dito foi suficiente para ficar na lembrança de todos os presentes. Seja pelo apelo passadista aos roqueiros veteranos, seja via apelo performático de Iggy Pop no caso de uma incauta perspectiva roqueira novata.

Tanto é verdade que o que teve de gente acometida por medonhos encostos de chacrete, inclusive “autoridades” no assunto underground no Rio. Um certo sobrinho do J.T. não há de me deixar mentir: como eu, também estava envergonhado pela reação de uma figura “amiga” respeitável que, Don Juan de traveco deslumbrado por assistir in loco uma de suas associações prediletas mais essenciais para sua formação roqueira, começou a demonstrar seus dotes de “dançarina de axé”.

E por falar em travestismos de ordem musical também vale ressaltar que o que fica de herança pateta aos jovens fãs da Boa Charlotte é a possibilidade de se fazer rock’n roll desafiador com parcos recursos, desde que imprescindível seja a vontade de soar cru e autêntico.

E nem todo o roteiro de canções se resumiu à velharia anti-hippie. Prova disso são as quatro canções de safra recente dos Stooges: “Dead Rock Star”, “Loser”, “Little Electric Chair” e “Skull Ring” (2003), notoriamente razão de ser da reunião dos remanescentes vivos da formação clássica. Estas não fazem feio em meio aos standards máximos garageiros. O roteiro foi mais ou menos o mesmo apresentado no DVD Stooges Live In Detroit, já lançado no Brasil.

Outro ponto alto da nova reencarnação dos Stooges se deve à participação de Mike Watt, baixista de técnica impecável e referência do indie rock americano por sua vasta contribuição à música independente do país, seja com o Minutemen, Firehose, empreitadas-solo ou mesmo as eventuais colaborações com terceiros as quais já integrou. Não são para qualquer um a oportunidade e o privilégio de tocar com seus mentores, menos ainda ser tratado de igual para igual, definitivamente.

Parte do métier pop brasileiro que integrava os bastidores assistia à aula de rock ao lado do palco, até entre estes Buzz Osbourne, guitarrista dos Melvins e do Fantomas, um dos mais aplicados seguidores da linhagem da guitarra troglodita iniciada por Ron Asheton.

Este, junto ao seu irmão batera Scott, deixou claro que não é só de vigor e espírito juvenis que se faz um bom barulho roqueiro. Pai da matéria, ele guiou o caos instrumental com sua guitarra econômica, sem que esta deixasse de ser poderosa. O mesmo vale para os batuques tribais de Scott Asheton, elementares em sua essência explosiva. No entanto, pouco disso seria válido sem a presença de Iggy Pop.

Coroa quase sessentão, porém com forma e pique invejáveis a qualquer moleque roqueiro, é a nitroglicerina que fez das peripécias do quarteto original história. Prova incontestável de que o rock’n roll contempla a velhice em pleno século XXI (fala, Marceleza) e crooner de primeira grandeza, na linhagem popular capitaneada por Frank Sinatra, o que se confirma nos momentos mais intimistas de sua trajetória como artista solo, é no palco que apresenta sua faceta mais selvagem, a ponto de ter sido homenageado com uma caricatura impagável de animal roqueiro do personagem Piggy no semi-obscuro filme Get Crazy, “fábula” pop oitentista sobre o fechamento do legendário templo do rock Filmore East e celebração ao cenário musical protopunk, de comportamento incendiário inédito em situações absurdas que sucumbiu com a iminência da nauseabunda década de oitenta. Não é difícil imaginar o impacto da performance de Iggy Pop até mesmo entre aqueles desavisados que nunca ouviram falar dele.

Enfim, o show do quinteto em palco, a despeito das equivocadas expectativas de parte da imprensa obviamente não apresentou nenhum número oriundo de seu terceiro álbum, Raw Power (1973). Escroto foi saber que dois profissionais de um dos maiores jornais do país não fizeram direito o dever de casa e evidenciaram seu despreparo ao externalizarem expectativas do tipo, sendo o Iggy & The Stooges circa 72 uma entidade musical completamente distinta dos Stooges originais agora rebatizados Iggy & The Stooges por uma mera questão de hierarquização de popularidades.

Não foi à toa um deles ter sido chamado de cuzão, como atestou o próprio Iggy na única entrevista após o show publicada por uma revista nacional. Enfim, o show do quinteto, que também contou com participação do saxofonista Steve Mackay, só não foi melhor porque pecou pela previsibilidade, fator que a atração seguinte do festival, o Sonic Youth, tratou de consertar.

Entretanto, atribuir qualquer demérito a um show de uma lenda rediviva como são os Stooges é reclamar de barriga cheia. E há um burburinho sobre uma possível vinda de Iggy Pop solo ao Brasil ainda em 2006, aí sim a nova geração de roqueiros alternativa receberia batismo suficiente para deixar de lado a rotineira musicalidade pelega e a bundamolice pop, distante da inócua assepsia comum aos vencedores do show de calouros.

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ENTREVISTÃO 45: Tom Zé lança o álbum "Dança-êh-Sá ao vivo: O Fim Da Canção" gratuitamente na Internet

2009-01-06T13:23:00.000-08:00

Ainda ando compilando material que publiquei em 2008. Essa aqui acabei de achar. Logo mais posto minha lista de melhores do ano...

18/06/2008 - 17h44
Tom Zé lança o álbum "Dança-êh-Sá ao vivo: O Fim Da Canção" gratuitamente na Internet
http://musica.uol.com.br/ultnot/2008/06/18/ult89u9224.jhtm
MARCUS MARÇAL
Da Redação

Em parceria com a gravadora Trama, o cantor e compositor Tom Zé lança o disco "Danç-Êh-Sá Ao Vivo: O Fim Da Canção" nesta sexta-feira (20). O disco é uma versão ao vivo de "Dança-Êh-Sá: Dança dos Herdeiros do Sacrifício" (2006) e inaugura oficialmente o Álbum Virtual, onde os internautas poderão baixar gratuitamente obras musicais por tempo limitado no site oficial do novo projeto do selo.

Em entrevista ao UOL realizada nesta quarta-feira (18), o artista baiano falou sobre o lançamento e suas perspectivas sobre os novos caminhos da música no panorama digital pautado pelas novidades tecnológicas. A idéia surgiu com a gravação de um show do cantor, realizada nos estúdios da gravadora Trama no final de 2007, em parceria com o Canal Brasil. Segundo a assessoria da Trama, todos os futuros lançamentos da gravadora seguirão este modelo. Os próximos lançamentos virtuais da gravadora serão a reedição do primeiro álbum do grupo Macaco Bong, "Artista Igual Pedreiro", e um disco de inéditas de Ed Motta, em julho e agosto, respectivamente.

Da mesma forma que seu contemporâneo Gilberto Gil, Tom Zé lança mão da rusticidade para encarnar o astronauta libertário que retratou em "2001", antiga parceria sua com o grupo Os Mutantes, inspirada no filme "2001: Uma Odisséia no Espaço" (1968) do cineasta Stanley Kubrick. O cantor faz analogia com a obra do cineasta para definir o atual rumo de sua carreira com o lançamento do álbum virtual. "Sinto-me como se saísse da Idade Média diretamente para uma estação orbital, como no filme de Kubrick", diz Tom Zé sobre o lançamento de álbum virtual na Internet.

Um dos artistas mais prolíficos e criativos do cenário da música popular brasileira, Tom Zé ressalta as novidades de seu novo álbum, rechaçando quaisquer possibilidades de estagnação criativa ao reeditar material antigo. "As canções estão praticamente irreconhecíveis, completamente modificadas na medida em que tocamos e encontramos novas soluções musicais e metamorfoses para esses temas. Fizemos uma nova edição, ao vivo, do meu disco lançado em 2006. As canções têm os mesmos nomes, mas neste álbum também incluímos 'Xiquexique', uma composição minha em parceria com José Miguel Winsnik", destacou.

"Dança-Êh-Sá: Dança dos Herdeiros do Sacrifício" foi originalmente inspirado na resposta obtida com jovens brasileiros por meio de dados aferidos em pesquisa realizada pela MTV em 2005, que revelou tendência coletiva ao hedonismo, consumismo e irresponsabilidade social. Obra de um artista que sempre pautou seu trabalho pelo uso criativo e inteligente da palavra, Tom Zé remontou aos primórdios da humanidade e nossa herança africana oriunda de teorias antropológicas, para elaborar um disco um álbum sem letras, endossando o ponto-de-vista de Chico Buarque, que há alguns anos proclamou o fim da canção.

"Também fiquei perplexo com o resultado e, em contrapartida ao pessimismo generalizado, resolvi peitar o desafio de criar um disco sem letras, de acordo com os anseios da juventude, que revelou não se importar muito com o aspecto lírico de álbuns de música. A pesquisa da MTV me levou a algo que não tem nada a ver com a etimologia dicionarizável da canção e assim ingressei em um universo pós-canção", explicou.

Mas o compositor mantém o otimismo e esperança, conforme declarou. "Somos um país jovem e somos herdeiros da África, em função da miscigenações e toda uma variedade de questões. Isso é fato, pois quando nossa juventude se apresenta em países nórdicos, por exemplo, todos se impressionam justamente com nossas conexões com o continente africano, por esse caldo cultural infusório", avalia.

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IMAGEM DA MÚSICA VIII: Filme celebra os 70 anos de Philip Glass e mostra bastidores da ópera "Waiting for the Barbarians"

2008-12-31T16:04:00.000-08:00

24/03/2008 - 12h17
http://musica.uol.com.br/ultnot/2008/03/24/ult89u8755.jhtm
MARCUS MARÇAL
Da Redação

O filme "Glass: Retrato em 12 Partes" (2007), do cineasta australiano Scott Hicks, comemora os 70 anos do compositor norte-americano Philip Glass e documenta em 12 partes sua biografia e os bastidores da elaboração da ópera "Waiting for the Barbarians" ("Esperando pelos Bárbaros"). Baseada no livro de J.M. Coetzee, a ópera mostra "a história de um homem capturado em uma terrível e absurda jornada, sendo sua revolta um antídoto para as mazelas de seu mundo e o que dá sentido a sua existência", conforme definição do próprio artista no documentário.

O filme participa da competição internacional do festival "É Tudo Verdade", na categoria longa ou média-metragem, que acontece no Rio de Janeiro (27/03 a 06/04) e São Paulo (26/03 a 06/04), com extensões em Bauru (10 a 13/04), Brasília (14 a 20/04) Recife (17 a 20/04) e Caxias do Sul (24 a 27/04). Veja serviço ao final da página.

Durante dezoito meses, Hicks teve acesso ao cotidiano de Glass e também registrou preparativos de suas turnês por três continentes, relevando sua intimidade por meio de depoimentos de familiares, amigos e testemunhos dos cineastas Woody Allen, Martin Scorsese e Godfrey Reggio, para quem o músico já compôs trilhas sonoras.

As primeiras partes do documentário de pouco menos de duas horas --"One Day at the Office" ("Um dia no escritório"), "Downtown" ("Centro da Cidade"), "Summer in New Scottia" ("Verão em Nova Scottia") e "Snapshots" ("Instantâneos") -- mostram a faceta frugal do compositor, que cozinha, brinca com os filhos pequenos e remonta aos primórdios de sua trajetória musical e familiar. Um dos momentos mais memoráveis remete aos tempos em que Glass realizava shows improvisados em acampamentos e galerias de arte sem a acústica apropriada para a execução de suas obras sofisticadas. Ao relembrarem uma dessas ocasiões, compositor e amigos riem de um professor de música a esbravejar equivocadamente que seu trabalho não era música.

Os capítulos seguintes --"Riding to Work on Mars" ("Viajando para trabalhar em Marte"), "A Door into Another World" ("Uma porta para outro mundo"), "Einstein on the Beach" ("Einstein na Praia") -- atentam à importância de sua música, espécie de refúgio no qual o artista consegue melhor expressar seus sentimentos e individualidade. Mostram cenas do compositor trabalhando em seu Looking Glass Studios, em Nova York, e de sua mulher, Holly Glass, se impressionando com o fato de o marido nunca tirar folga. Trechos relembram as divertidas elaborações de trilhas sonoras para filmes como "Koyaanisqatsi" (1982) e "Kundun" (1997), entre outros. E uma das cenas mais interessantes mostra Glass assustando um concentrado Woody Allen durante a produção do longa "Cassandra's Dream" (2007), do qual o compositor chegou a lançar CD autoral com os temas da trilha em janeiro de 2008.

Nos intervalos da realização de um recital solo em Melbourne, na Austrália, o artista relembra com ternura a rigidez dos conselhos de uma antiga professora de piano, imprescindíveis ao desenvolvimento de sua técnica e que o tornaram um compositor, na acepção mais plena do termo. O mestre da música indiana Ravi Shankar também compartilha da intimidade de seu antigo assistente Philip Glass no filme.

Em "The Foggy Field" ("O Campo Nublado"), o compositor segue para a Brooklyn Academy, nos EUA, onde acompanha os preparativos para a execução de sua "Sinfonia nº 8" (2005). Ao ler a partitura da peça, o artista se indaga sobre as origens da música e surpreende ao responder que ela vem do submundo -- o que importa é se a ouvimos ou não. Pois uma vez imaginado um tema musical que precisa ser transcrito à pauta, Glass confessa se sentir impelido a buscar as partes seguintes de suas composições -- o que torna todo o processo de elaboração musical um verdadeiro mistério, segundo suas próprias palavras. Por esta razão, não é à toa o diretor mostrar o músico sorrindo como criança, ao se deparar com outra complexa obra realizada.

A nona parte, "The Spirit Within" ("O espírito interior"), mostra o compositor buscando uma vida mais saudável e o aprimoramento com as conexões espirituais que propiciam sua arte, por meio de práticas orientais como a yoga -- o que leva os mais próximos a tacharem-no de budista involuntário. Glass foi iniciado nos rituais orientais pelo poeta beat Allen Ginsberg e chegou a conhecer o Dalai Lama nos anos 70 -- desde então é defensor da causa tibetana. Também aparece em um lugarejo perto de Santa Fé, no México, onde conversa sobre as origens das tradições xamânicas com um nativo, que o denomina como um aprendiz sempre aberto ao conhecimento.

As partes finais do documentário - "Rehersing Barbarians" ("Ensaiando Bárbaros"), "The Underlying Passion" ("A Paixão Velada") e "The Opening Night" ("A Noite de Abertura") -- mostram tudo o que envolve a conclusão da ópera, em âmbito profissional e pessoal. Também ressaltam a importância da sincronia entre música e cenografia para a realização do projeto, com o qual promove digressões sobre o bem e o mal. Ou melhor, "Música soturna para uma história obscura", conforme definição do próprio Philip Glass, que também empreende reflexões sobre a psicoacústica, ao declarar que existe um espaço entre o que se ouve e aquilo que se pensa que ouve.

Sua mulher fala das dificuldades do casal, tamanho o envolvimento do marido com o trabalho, e afirma que sua arte é hoje mais profunda do que toda sua obra pregressa. Pois música é a terapia do artista, sua melhor forma de comunicação e o lugar onde ele se realiza. Glass endossa o comentário ao afirmar que seu interesse por música é estritamente pessoal.

Obra notável ao concatenar música, teatro e artes visuais, a estréia de "Waiting For the Barbarians" em Erfurt, na Alemanha, mostra o compositor cumprimentando os envolvidos com uma produção. Além da satisfação pessoal de ver a realização de mais um ambicioso projeto pessoal bem-sucedido, o final do filme apresenta Glass em frente ao mar, em um atípico momento de descanso.

Um dos compositores mais inovadores do século 20, Philip Glass é referência da vertente musical do movimento artístico Minimalismo, inaugurada por La Monte Young nos anos 60 nos EUA. Prolífico, se notabilizou pela composição de obras orquestrais, óperas, concertos e trilhas de filmes. Músico erudito, já trabalhou com nomes do rock e música eletrônica como Aphex Twin, Tangerine Dream, John Williams, entre outros.
________________________________________

GLASS: RETRATO EM 12 PARTES
É TUDO VERDADE - 13º Festival Internacional de Documentários

SÃO PAULO
Quando: 30/03, domingo, às 17h
Onde: Cine Sesc (r. Augusta, 2075)
Quanto: Grátis
Informações: 0/XX/11/3087-0500

RIO DE JANEIRO
Quando: 03/04, quinta-feira, às 20h30
Onde: Centro Cultural Banco do Brasil (r. Primeiro de Março, 66)
Quanto: De R$ 4 a R$ 8 (Cinepasse válido por 30 dias) Informações: 0/XX/21/3808-2020

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JUKEBOX X: "Pobre Paulista"

2008-12-31T15:13:00.000-08:00

"Pobre Paulista"

Moro em São Paulo há quase um ano. Mudei-me para cá com minha mulher no início de 2008 e, contabilizando minha chegada à cidade no início de dezembro do ano passado, confirmo meus 365 dias vividos na cidade. Maior cidade da América Latina porque há de convir à impessoalidade fria dos números das estatísticas do IBGE, entre outros...

Passei boa parte do meu ano trabalhando pra caralho! Dentro e fora do imenso aquário que é a redação do grande portal onde desempenhei tarefas a fim de acumular meus honorários. Gostava bastante de trabalhar por lá, mas aquilo me deu uma ilusão do que seria esta cidade. Acordava mais ou menos ao meio-dia, tomava banho, almoçava e seguia para a redação, onde passava umas dez horas diárias dentro do “aquário” -- fora plantões e corriqueiras horas extras.

A maior parte do meu excedente foi passado em shows e eventos externos. Tudo isso era uma espécie de anestésico em meio ao corre-corre frenético que acaba por consumir muita gente, que se vira para acumular o que vai gastar posteriormente em médicos e remédios. Enfim, é dessa forma que a lusitana roda e a multidão segue seu rumo.

Minha primeira impressão, na condição de futuro imigrante, da cidade foi assustadora! Minha primeira noite solitária na noite da cidade, cuja vida noturna é privilégio de uma minoria mais abastada, foi medonha.

Minha mulher estava no Rio organizando coisas para a mudança. Eu vim antes para correr atrás de trabalho e estava apto para aceitar qualquer função que me valesse alguns trocados ao final do mês.

Depois de passar o dia inteiro perambulando para lá e para cá a pé pelas principais avenidas, vi em minha caixa de e-mail um convite para um evento voltado a profissionais do entretenimento.

Não era lá grande coisa, mas me atrevi a aceitar o convite e conferir o que iria rolar. O que eu teria a perder a uma altura daquelas do campeonato? O interessante é que o mundo começou a desabar, pluviometricamente falando, enquanto eu me encaminhava de metrô ao local do evento, próximo ao Terminal Rodoviário do Tietê. Aquilo me parecia quase um convite ao arrego: “deixa de onda e volte para o Rio”, eu evitava pensar nisso.

Uma coisa que eu reparei logo de cara em São Paulo. O nível de pobreza e de deformação social aqui é muito mais avassalador do que jamais verifiquei em rincão algum de interior onde porventura eu tenha passado algum tempo.

É notável só de você se aventurar a pedir informação a algum transeunte.

No Rio de Janeiro, cidade onde vivi muito tempo, as classes baixas são dotadas de uma especialização na sobrevivência. Os mais fodidos na vida são suficientemente safos ao ponto de não deixarem que sua condição social impregne demasiadamente. A galera fica esperta de tanto se ferrar, você sabe… Isso virou até clichê do bom malandro carioca de um idealizado e eternizado Rio de Janeiro que não existe mais.

Talvez a praia seja, de alguma forma, niveladora de diferentes condições sociais --vá saber. E esse nivelamento se dissemina por outros quinhões onde aconteçam interações sociais -- tornando as diferenças menos gritantes. Não digo que elas inexistam, mas tornam-se levemente aniquiladas no dia-a-dia. Isso torna as relações humanas naturalmente mais calorosas.

Aqui a condição social segrega, delimita feudos de forma mais veemente. O magnata circula pela cidade de helicóptero, enquanto as redes viárias desaguam como podem o fluxo absurdo de gente que vai e vem...

CONTINUA...

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A IMAGEM DA MÚSICA VII: Novo filme do U2 transporta espectador a uma apresentação virtual da banda na turnê "Vertigo"

2008-12-31T14:51:00.000-08:00

19/08/2008 - 15h10
http://musica.uol.com.br/ultnot/2008/08/19/ult89u9557.jhtm
MARCUS MARÇAL
Da Redação

"U23D", o novo filme do grupo irlandês U2, utiliza tecnologia 3D digital para colocar o espectador em posição privilegiada em um "show virtual" da banda.

O filme será lançado em 29 de agosto em salas de cinemas com tecnologia 3D pelo Brasil e registra a turnê "Vertigo" (2005-2006), em apresentações realizadas em São Paulo (Brasil), Buenos Aires (Argentina), Santiago (Chile), Cidade do México (México) e Melbourne (Austrália).

Na excursão, o grupo formado em 1976 por Bono Vox (voz e guitarra), The Edge (guitarra, violão elétrico e teclados), Adam Clayton (baixo) e Larry Mullen Jr. (bateria) divulgou o álbum "How to Dismantle an Atomic Bomb" (2004). No decorrrer dos 85 minutos de "U23D", o grupo apresenta um repertório de 14 números que inclui músicas recentes, como "Vertigo", "Sometimes You Can't Make it On Your Own" e "Love and Peace or Else", e clássicos, como "New Year's Day", "Sunday Bloody Sunday" e "With or Without You", entre outros.

Catherine Owens e Mark Pellington foram os diretores de "U23D". A qualidade impecável do material serve como paliativo para os fãs da banda, que não tiveram a oportunidade de assistir à última passagem do U2 pelo Brasil em fevereiro de 2006. Apesar de não igualar a experiência de assistir um show da banda ao vivo, o filme cumpre bem a missão de quem deseja ver a banda em cima do palco no conforto das salas de exibição.

Com os óculos que serão entregues nas sessões do filme, os espectadores vão ter a sensação de assistirem ao show do U2 próximos do palco.

O filme faz jus à cinematografia do U2, uma banda que há muitos anos tem ligação particular com o cinema, seja na produção de trilhas sonoras, filmes e vídeos como "Live At the Red Rocks" (1983), "Rattle and Hum" (1988) e "U2: Elevation 2001 Live from Boston (2001)", entre outros.

Veja o repertório apresentado pelo U2 em seu novo filme:
"Vertigo"
"Beautiful Day"
"New Years Day"
"Sometimes You Can't Make it On your Own"
"Love and Peace or Else"
"Sunday Bloody Sunday"
"Bullet the Blue Sky/The Hands that Built America"
"Miss Sarajevo"
"Pride (In the Name of Love)"
"Where the Streets Have no Name"
"One"
"The Fly"
"With or Without You"
"Yahweh"

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ENTREVISTÃO XXXXIV: Motörhead dá aula de rock’n roll pesado em seu 17º álbum de inéditas; leia entrevista (na íntegra)

2008-12-18T14:28:00.000-08:00

O Motörhead confirmou mais uma turnê brasileira, a ser realizada em abril de 2009. Aproveitando o embalo, achei aqui nos meus arquivos a íntegra da matéria que publiquei no UOL em setembro, aqui neste link, com declarações do baterista Mikkey Dee.

Gostei bastante do “Motörizer”. A minha opinião é essa desde que o disco foi liberado para audição na Internet, no blog do “Headbangers Ball” da MTV norte-americana. Além do mais, os shows da banda costumam ser sempre muito bons, pois o Motörhead é uma banda clássica e influenciou muita gente fodona do rock’n roll.

Motörhead dá aula de rock’n roll pesado em seu 17º álbum de inéditas; leia entrevista
MARCUS MARÇAL
Da Redação

“Motörizer”, o novo álbum do grupo britânico Motörhead, é uma aula de rock’n roll básico. Em seu 17º disco de inéditas, a banda dá uma roupagem atual ao som pesado com o qual se notabilizou em álbuns clássicos como “Overkill” (1979), “Bomber” (1979), “Ace of Spades” (1980) e “Iron Fist” (1982), entre outros.

Junto ao Ramones e os Stooges, o Motörhead é um dos melhores exemplos de como o rock’n roll pode soar poderoso com poucos acordes e muitos decibéis. E, embora seja uma banda com décadas de estrada marcadas por excessos de todo tipo, o Motörhead ainda impressiona pelo vigor de seu repertório novo, uma constante em seus 33 anos de existência.

De Columbus, Ohio (EUA), o baterista Mikkey Dee falou ao UOL sobre o novo disco e os planos do grupo. Junto aos álbuns “Inferno” (2004) e “Kiss of Death” (2006), “Motorizer”’ retrata de forma adequada o que o Motörhead representa atualmente, conforme destacou o músico. “Nossos três últimos discos de estúdio salientam a versatilidade de nossa música, dentro do que se espera da banda. Não é fácil manter o padrão de qualidade com o qual o Motörhead se notabilizou, mas não é algo que pensemos muito a respeito. Simplesmente escrevemos nosso material novo e considero que estamos à altura do que se espera da banda e sua história”, avalia.

“Motörizer” contém onze faixas distribuídas em aproximadamente 40 minutos, com variedade musical suficiente para representar diferentes facetas do Motörhead --do punk ao metal, com destaque para as nuances de hard rock e blues. Por essa razão, o baterista opta por destacar o disco como um todo, a despeito de predileções pessoais ou maior apelo comercial de “músicas de trabalho” e outros procedimentos protocolares da indústria fonográfica.

“Acho que não seria válido destacarmos qualquer tema do disco em especial, pois ele é suficientemente variado dentro das referências com as quais a banda se popularizou. E ‘Motörizer’ tem todo tipo de música --desde canções lentas, rápidas ou mesmo gêneros variados. No entanto, é a mistura desses elementos característicos de nossa história que faz este álbum o melhor retrato do que o Motörhead é hoje em dia”, destaca.

Veteranos do rock pesado
Desde sua criação em 1975, a banda é capitaneada por Lemmy Kilminster (baixo e voz) e foi a primeira a misturar heavy metal e punk rock, até então estilos antagônicos. Uma das figuras mais legendárias da história do rock’n roll, o baixista é também a alma do Motörhead. Na ativa desde 1992, a atual formação da banda também conta com Phillip Campbell (guitarra), além de Mikkey Dee. Eles compõem um trio básico de rock, como preza a tradição do gênero e a história de bandas como Cream, Jimi Hendrix Experience e Nirvana, entre outros.

Hoje Lemmy tem 63 anos de idade e é um dos poucos veteranos do rock’n roll a quem podemos chamar de “lenda viva” sem que isso soe como clichê ou eufemismo, conforme endossa o baterista do Motörhead. “Somos amigos há muito tempo, antes mesmo de minha entrada à banda. É como uma ‘família’, com todos os prós e contras que essa palavra carrega naturalmente. A vida de Lemmy é realmente como um livro aberto e não saberia destacar qualquer aspecto de sua personalidade que possa ser desconhecido dos fãs. Ele é exatamente o mesmo animal do rock dentro ou fora do palco.”

Dee também aproveita para falar da dinâmica criativa do grupo e comenta faixas do novo disco como “Runaround Man”, “English Rose”, “Time is Right” e “The Thousand Names of God”: “Lemmy é o responsável pelas letras e temos muita confiança em seu trabalho. Ele é muito criativo e geralmente faz uso de muito sarcasmo e até mesmo maldade em suas composições. Isso às vezes não funciona no primeiro momento, mas aí damos nossa opinião e Lemmy faz os devidos ajustes”, explica.

No decorrer das décadas, o Motörhead também se notabilizou por não ser uma banda chegada a efeitos camuflados, conceitos complicados ou mesmo tentativas de se adaptar às mais novas tendências musicais. Segundo Mikkey Dee, essa é uma das principais razões para a longevidade da banda e sua influência para tantos outros artistas por todo este longo período em atividade. “Menos é mais em se tratando desta banda. Se hoje complicássemos muito nosso trabalho com aparatos de produção, isso seria ruim e indigno à história do Motörhead. É justamente a simplicidade da obra que inspira tanta gente interessante. E no que isso nos diz respeito, esse é apenas modo como nos expressamos e fazemos nosso trabalho”, avalia.

Parte de “Motörizer” foi produzida no “606 Studios”, em Los Angeles, EUA. O estúdio pertence a Dave Grohl, líder do Foo Fighters e notoriamente um grande fã da banda. Considerado um dos músicos mais simpáticos e prestativos do universo roqueiro mainstream, Grohl se notabilizou por inúmeras participações em projetos alheios (Backbeat Band, Queens of the Stone Age, Cat Power, entre outros) e eventualmente chega a oferecer seus préstimos de baterista para suas bandas prediletas, como aconteceu com o Led Zeppelin, por exemplo.

Segundo Mikkey Dee, o Motörhead chegou a pensar convidar Grohl para uma participação no disco. Mas, apesar da oportunidade e proximidade entre ambos, o encontro não aconteceu. “Certamente seria uma experiência divertida para todos nós, mas Dave estava ocupado com o Foo Fighters e cuidando de seus assuntos particulares”, comentou.

Planos de turnê sul-americana
Motörhead tem muitos fãs no Brasil e já se apresentou diversas vezes no país. A primeira foi em 1989 e um dos shows, realizado no Maracanãzinho, se tornou legendário devido a uma confusão generalizada na platéia. O show foi gravado para um programa especial da extinta Rede Manchete e exibido nacionalmente posteriormente. Desde então, o grupo retorna regularmente ao país, contando sempre com uma audiência cativa. A mais recente passagem aconteceu em 2007.

Mikkey Dee declarou que o Motörhead tem planos de voltar ao Brasil no primeiro trimestre do ano que vem. “Estamos pensando nisso e a turnê deve acontecer em fevereiro ou março de 2009. O Brasil sempre está em nossos planos, pois nós amamos o país e a América do Sul em geral. É sempre divertido quando nos apresentamos por aí”, destaca.

Como exemplo da fúria da audiência da banda em nosso continente, o músico remonta a outro episódio memorável da penúltima turnê sul-americana do grupo, ocasião em que seu público se mostrou indomável durante um show na Argentina em 2004. “Destruíram o palco e todo o nosso equipamento. Nosso público simplesmente queria mais de nós naquela apresentação e na ocasião, particularmente, não pudemos suprir às expectativas daquele show em particular. Mas isso não é algo que se espere de uma banda como o Motörhead, então hoje é apenas mais um incidente em nossa história --mesmo porque já voltamos para a América do Sul na turnê seguinte e foi uma ótima experiência”.

Documentário
Um documentário sobre a vida do líder do Motörhead está sendo finalizado, com previsão de lançamento para 2009. "Lemmy: The Movie" conta a história de Lemmy Killminster desde os anos 60 até os dias de hoje e inclui entrevistas com integrantes do Motörhead, colegas e fãs como Slash, Dave Grohl, Mick Jones (The Clash), Alice Cooper, Steve Vai e o superstar de luta livre Triple H, entre outros.

Dirigido por Greg Olliver e Wes Orshoski, o filme foi registrado em alta definição e Super 16mm, mas não é um projeto da banda. Segundo Mikkey Dee, o trio apenas liberou acesso da equipe de filmagem aos bastidores das turnês do Motörhead durante dois anos. "Não conhecemos os caras e particularmente não temos muito a adiantar sobre este trabalho. Os caras da equipe de filmagem simplesmente nos seguiram em nossas turnês pelo mundo e, do pouco que sei, o filme está 90% pronto", conta;

Um acordo de distribuição ainda não foi assinado, mas um vídeo promocional pode ser visto na no site oficial do documentário. O trailler contém imagens da banda em cena e alguns segmentos em que Lemmy Kilmister testa alguns amplificadores de baixo em volumes ensurdecedores e conta piadas impróprias para menores.

Antes de formar o Motörhead, Lemmy foi roadie de Jimi Hendrix e tocou no Hawkwind no início dos anos 70. Foi recrutado para exercer a discreta função de baixista do grupo britânico de art rock por apenas seis meses, mas acabou conquistando espaço na dinâmica criativa do Hawkwind, grupo que integrou por dois anos e com quem participou do processo criativo de temas dos discos “In Search of Space” (1971), “Doremi Fasol Latido” (1972), “Space Ritual” (1973), “In the Hall of the Mountain Grill” (1974) e “Warrior on the Edge of Time” (1975). Devido a problemas com a lei, foi expulso do grupo e batizou sua nova banda com o nome de uma composição sua para o Hawkwind: “Motorhead”.

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ENTREVISTÃO XXXX: Sem irmãos Cavalera, Sepultura finaliza disco inspirado em “Laranja Mecânica”

2008-12-03T13:48:00.000-08:00

No final da tarde de 7 de agosto, o Sepultura recebeu a imprensa para falar de “A-Lex”, seu décimo segundo álbum. Na ocasião, pudemos ouvir o disco em primeira mão, no último dia de mixagem, e no dia seguinte apareci na redação com o texto abaixo. Como o material era bastante extenso, a editoria optou por cortar trechos da matéria que foi ao ar em seguida aqui neste link.

Como o Sepultura lançou o disco para audição na Internet nesta semana, fucei meus arquivos e achei a versão integral do texto, que você lê logo abaixo. Na ocasião, os integrantes da banda falaram detalhadamente sobre o novo disco, do Cavalera Conspiracy e até da possibilidade de reunião da formação clássica do Sepultura, em comemoração aos seus 25 anos em 2009.

Sem irmãos Cavalera, Sepultura finaliza disco inspirado em “Laranja Mecânica”; leia entrevista
Marcus Marçal
Da Redação

Grupo brasileiro mais importante de rock pesado, o Sepultura finalizou a mixagem de seu novo álbum, “A-Lex” (“Sem Lei”, em latim). A banda recebeu a imprensa nesta quinta-feira (07/08) em num estúdio na zona oeste de São Paulo para apresentar o disco em primeira mão e falar sobre sua produção, durante o último dia do processo de mixagem do material novo.

Assim como em “Dante XXI” (2006), seu álbum anterior baseado no livro “A Divina Comédia” (de Dante Alighieri), o Sepultura também se inspirou em um clássico da literatura neste novo disco. Seu conceito foi inspirado em “Laranja Mecânica” (“A Clockwork Orange”, de 1962), livro do escritor inglês Anthony Burgess, que conta a história do personagem Alex De Large --um fictício adolescente de quinze anos, amante de música clássica (principalmente a “Nona Sinfonia de Beethoven”), sexo e violência extrema. Sua história também foi adaptada para o cinema pelo diretor Stanley Kubrick em 1971 e hoje é um clássico tanto do cinema quanto da literatura.

Primeiro disco sem irmãos Cavalera
É o primeiro disco do Sepultura sem a participação dos irmãos Cavalera, Max (voz e guitarra) e Iggor (bateria), que formaram a banda em 1984 junto a Jairo Guedz (guitarra) e Paulo Jr. (baixo) -- apenas este último faz parte da formação atual do grupo. Movido por problemas pessoais e profissionais, Max saiu da banda no final de 1996, no auge do sucesso internacional do Sepultura, enquanto o baterista debandou após as gravações de “Dante XXI”. Paralelamente ao Soulfly, banda oficial de Max, Iggor toca com o irmão em um novo projeto musical em comum: o Cavalera Conspiracy (Depois eu caço a íntegra da minha entrevista com o Max).

Atualmente a formação do Sepultura é capitaneada por Andréas Kisser (guitarrista da banda desde 1987) e também conta com Derrick Green (vocalista desde 1998) e Jean Dolabella (bateria), que participa pela primeira vez das gravações de um disco da banda.

“A-Lex” é o 12º álbum do grupo e ainda não tem data de lançamento definida, mas o Sepultura pretende lançá-lo até o final do ano. O disco chegara às lojas brasileiras pelo selo Music Brockers e no exterior sairá pela gravadora SPV. No momento, o grupo ainda se decide entre quatro opções de capa, enquanto o material em áudio é masterizado.

Andreas Kisser fala sobre a escolha do livro para conceituar o novo trabalho do Sepultura. “Foi bom privilegiarmos nossa intenção criativa no livro porque essa limitação acaba surtindo um efeito contrário: quanto menos você tem, melhor fluem as suas idéias. Além disso, foi interessante para nós misturarmos intencionalmente diferentes linguagens como música, cinema e literatura. Queiramos ou não, toda música tem seu conceito: seja dor-de-corno, satanismo ou qualquer coisa que seja. Então achamos muito mais interessante trabalharmos nosso imaginário relacionado a um futuro sujo, sem lei e caótico como o de ‘Laranja Mecânica’ do que propriamente nos inspirarmos em alguma tendência do heavy metal. O disco foi feito rapidamente, pois assim que o conceito foi definido, nós mergulhamos na obra e escrevemos as músicas aleatoriamente”, explicou.

Junto aos demais álbuns autorais da banda com Green nos vocais, “Against” (1998), “Nation” (2001), “Roorback” (2005) e “Dante XXI” (2006), “A-Lex” mostra o Sepultura em plena evolução de sua linguagem musical. O grupo dá prosseguimento ao heavy metal misturado ao hardcore e outras tendências agressivas que notabilizou sua formação clássica (1987-1996), em discos importantes como “Schizophrenia” (1987), “Beneath the Remains” (1989) e “Arise” (1991).

Clima relaxado nas gravações
Gravado e mixado nos estúdios Trama e Mega, “A-Lex” apresenta 18 faixas distribuídas em aproximadamente uma hora de música. Intencionalmente, a banda optou por trabalhar em um repertório estruturado com poucos refrões e solos, conforme comentou o baterista Jean Dollabela. “Foi um processo natural, pois as músicas surgiram a partir de improvisações em estúdio durante três meses. Além disso, nós procuramos fugir dos clichês de estrutura de composição e não nos preocupamos com riffs, refrões e coisas do tipo. Assim, o repertório novo funciona melhor como um todo, pois se trata de um álbum conceitual.”

Este clima relaxado durante a produção resultou em um disco heterogêneo e coeso, que deve ser apreciado do início ao fim, afinal a soma de suas diferentes faixas representa um conceito bem alinhavado estruturalmente, conforme enfatizou o vocalista Derrick Green. “Você pode ouvir o disco inteiro de uma vez só. Trabalhamos bastante e ficamos muito satisfeitos com o resultado. Todos nos já passamos por frustrações em determinado momento de nossas vidas e acho que retratamos de forma adequada todas as coisas que aconteceram com Alex nessa história.”

E “A-Lex” faz jus à história do Sepultura, banda de heavy metal mundialmente importante em meados dos anos 90, ao mesmo tempo em que incorpora novidades à sonoridade característica do quarteto.

Dialeto Nadsat
Para manter um padrão de fidelidade à obra original, até mesmo um dicionário foi especificamente utilizado para a elaboração de algumas letras do novo disco, que utilizam termos do dialeto “Nadsat” (o equivalente a “adolescente” em russo) inventado por Burgess a fim de caracterizar o vocabulário peculiar de Alex. O garoto utiliza gírias do linguajar “cockney”, típico da classe operária britânica e marginais londrinos, misturadas ao idioma russo e dialeto cigano.

Assim como o livro de Burguess, “A-Lex” também é dividido em partes. Cada uma narra diferentes passagens da história de Alex De Large. “Dante XXI” (2006) também era dividido em partes (respectivamente “Inferno”, “Purgatório” e “Paraíso”), formato bem utilizado em âmbito criativo e que caracteriza os rumos da banda atualmente.

Em livro, a versão original de “Laranja Mecânica” é dividida em três partes, formadas por sete capítulos cada. A soma de 21 capítulos simboliza a maturidade humana, da vida adulta a partir dos 21 anos de idade. Porém, diferentemente do original, o Sepultura optou por adaptar o capítulo final do livro, ignorado por Stanley Kubrick em sua versão cinematográfica da obra, como uma quarta parte. E cada uma delas é precedida por diferentes temas instrumentais com o nome do protagonista, a fim de caracterizar as diferentes passagens da história de Alex.

Renovação sonora
Dividida em cinco músicas, a primeira parte do disco retrata a violência extrema, sem limites, do protagonista. Alex lidera uma gangue de delinqüentes juvenis que espanca, estupra, mata e comete todo tipo de atrocidades. Isso é representado musicalmente pela tradicional mistura de metal e hardcore característica do Sepultura, à exceção de fraseados em violão de nylon intercalados por pesada base instrumental na introdução de “We’ve Lost You”.

Após a traição de um de seus companheiros, Alex é preso e condenado a vários anos de cadeia. Liricamente, a repressão do comportamento do personagem é devidamente retratada em trecho de “What I Do”, última faixa da primeira parte do álbum. É quando Derrick Green encarna “A-Lex” gritando a frase “That’s what I do, I do what I like to do! What did I do to deserve this?” – algo como “aquilo é o que eu faço e faço porque gosto! O que eu fiz para merecer isso?”.

Mas os atrativos musicais de “A-Lex” são a segunda e terceira partes do disco, que atestam renovação à proposta sonora característica da banda, ao mesmo tempo em que representam o inferno pessoal vivido pelo personagem do livro de Burguess.

Dividida em seis músicas, a segunda parte mostra a prisão, o delírio induzido pelas drogas e a terapia do protagonista da história pelo “Método Ludovico”. Como forma de atenuar sua pena, Alex aceita submeter-se como cobaia de um “tratamento experimental para refrear seus impulsos destrutivos”, uma espécie de “lavagem cerebral” induzida por drogas e condicionamento psicológico. Green canta “my blood is cold” (“meu sangue é frio”, em português) em “The Treatment”, enquanto o personagem principal é enredado em trama subumana. É a maneira que Alex encontra para pagar suas dívidas com o Estado e a sociedade.

“Metamorphosis” começa com andamento lento e guitarra sem distorção a cargo de Andreas, com uma sonoridade distinta ao Sepultura tradicional. E temas como “Sadistic Values”, “Forceful Behaviour” e “Conform” evidenciam o processo de “transformação” do personagem: de um implacável predador a um apático cordeiro.

Rock orquestral
A terceira parte é dividida em cinco músicas e apresenta o personagem pagando por todos os seus pecados de outrora, uma vez que a “terapia de aversão” lhe provoca repulsa a tudo aquilo que apreciava anteriormente (sexo, violência e música clássica), tornando-o incapaz de reagir a qualquer violência a qual é submetido posteriormente. É como uma espécie de acerto de contas em relação a suas vítimas, Estado, sociedade e antigos comparsas na criminalidade.

Sonoramente, destacam-se os temas “The Experiment” e “Ludwig Van”. O primeiro apresenta influências do grupo britânico Killing Joke (uma das bandas mais importantes do rock de vanguarda do final dos anos 70 e início dos 80, na ativa até hoje), enquanto o último é uma releitura da “Nona Sinfonia de Beethoven”. Neste número, o Sepultura dialoga com orquestra de dez músicos regidos pelo maestro Alexei Kurkdjan, conforme informou Dolabella.

Híbrido de rock pesado e música clássica, “Ludwig Van” encerra a terceira parte da narrativa e é um extenso tema instrumental que mostra o quarteto flertando de forma velada com o heavy metal melódico contemporâneo, porém sem soar enfadonho como boa parte das bandas do estilo. Também representa o auge da tortura psicológica a qual o personagem Alex é submetido, simbolizado por seu desprazer ao ouvir sua música favorita: a “Nona Sinfonia de Beethoven” – o que alude aos questionamentos sobre o livre arbítrio, capacidade de escolha e controle mental levantados pelo livro.

O baterista Jean Dolabella ressaltou que o mais difícil foi trabalhar a parte orquestrada do disco. “Nós não gravamos juntos, mas foi trabalhoso organizar todos os elementos. Apesar da complexidade, foi uma coisa muito legal, pois não soa como uma mera colagem de música clássica e rock pesado. A música flui facilmente”, acrescentou.

Capítulo não retratado no filme
Ao final do livro de Burgess, Alex é abandonado por todos e sua situação se reverte com a ajuda de uma das vítimas de sua crueldade. Domesticado no capítulo XXI, o último do livro, o personagem renuncia à violência dos tempos de juventude, se casa e tem filhos – após ter passado por toda a loucura induzida por drogas, controle de Estado e manipulação de mídia. Assim, torna-se um indivíduo produtivo para o Estado e a sociedade.

Este capítulo não consta no filme de Kubrick, mas a banda o representa com a música “Paradox”, de acordo com a proposta original de Burgess. No entanto, o Sepultura tomou a liberdade poética de separar o último capítulo do livro como uma quarta parte, pois, segundo seus integrantes, trata-se de um trecho importante da narrativa original não aproveitado por Stanley Kubrick em seu filme. Vale ressaltar que “Laranja Mecânica” é mais conhecido por sua versão cinematográfica do que em livro.

Inclusive, a banda realizou um concurso na Internet para que os fãs criassem uma frase inspirada nesse trecho do livro, a ser utilizada em “Paradox”, última faixa do disco. O resultado foi anunciado em junho passado e o brasileiro Lucas Cater foi o vencedor com a frase “The choice to leave freewill behind will lead to a mind-blowing paradox” (“A escolha em deixar o livre arbítrio de lado torna-se um paradoxo enlouquecedor”, em português).

Andreas Kisser declarou que o fã da banda soube destacar devidamente o espírito do capítulo final do livro de Burgess. O músico também chama atenção ao que considera a mensagem final de “Laranja Mecânica”. “No último capítulo, nos questionamos se temos ou não livre escolha. Nós vivemos tão controlados por religião, pecados e nos impõem tantos limites antes mesmo de nascermos – e aí é muito difícil nos libertarmos disso tudo. E todo mundo faz besteira durante a adolescência, pois nós só aprendemos mesmo na base da porrada. Mas, ao passar por todos aqueles experimentos, Alex se torna ainda pior do que era antes e só se cura após uma tentativa de suicídio. O personagem só se torna uma pessoa melhor sem a imposição por parte das instituições que o tentavam controlar anteriormente”, resume.

O Sepultura ainda não sabe quando começa a promover o novo repertório em turnê. Em 23 de agosto, a banda fará um show fechado para membros de seu fã-clube, que ouvirão o disco antes de seu lançamento.

Duas músicas de “A-Lex” – “The Treatment” e “What I Do!” – já são apresentadas em shows recentes do Sepultura, que ainda promove o álbum “Dante XXI”. O quarteto também não tem pretensão de tocar o novo disco integralmente, pois o novo repertório facilmente se adaptará ao material antigo da banda, segundo seus integrantes.

Reunião com os irmãos Cavalera?
O Sepultura completa 25 anos de existência em 2009 e seu ex-vocalista, Max Cavalera, já demonstrou desejo de reunir diferentes formações da banda para comemorar a data. Mas segundo o baixista Paulo Jr., essa reunião é impossível e não acontecerá, conforme comentou: “Entre alguns de nossos fãs mais antigos, existe uma ilusão de que o Max representaria o Sepultura, mas isso não é verdade – tanto é que estamos lançando mais um disco e bastante satisfeitos com o que temos agora. Acho que o Sepultura antigo já deu o que tinha que dar e não pretendo bater novamente nessa mesma tecla, pois já criamos um monstro incontrolável, que está na ativa até hoje”, avalia.

Outro integrante da formação clássica da banda, Andreas Kisser não rechaça esta possibilidade no futuro. “Tudo é possível, mas precisa ser bem feito. Política existe e cada um vai ter sua própria maneira de ver o Sepultura. Mas para mim, que estou na banda desde 1987, o Sepultura era formado apenas por quatro caras que criavam juntos suas músicas, sem interferência externa. E, a partir do momento em que isso seja respeitado, nós poderemos vir a fazer qualquer coisa no futuro. Caso contrário, apenas nos tornaríamos escravos do nome da banda e seu passado, como se bastasse juntar os anéis dos dois irmãos. Até já chegamos a nos falar, mas conversamos sobre outras coisas que não eram propriamente sobre música. Além do mais nos vivemos no presente”, destacou.

Após ser indagado se chegou a ouvir alguma música da nova banda de Max e Iggor, Kisser deu seu parecer sobre o disco “Inflikted”, do Cavalera Conspiracy. “Eu achei um pouco precipitado, pois foi um projeto viabilizado em três ou quatro meses. Rolou uma oportunidade de eles voltarem a tocar juntos e eles fizeram o grupo. Não dissequei o disco, mas achei um pouco óbvio o material”, avaliou.

Já Paulo Jr. alegou ter apenas visto o videoclipe da música “Sanctuary”. “Eu não ouvi o disco do Cavalera Conspiracy. Eu só escutei essa música e dei risada quando vi aquele monstro no clipe. Achei que se parecia um pouco com o que fazíamos na época do álbum ‘Arise”, mas sinceramente não me ligo muito nisso. Não tenho tempo a perder com essas coisas”, desconversou.

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RAPIDINHAS II: Lobão faz show elétrico após a turnê do projeto “MTV Unplugged”

2008-12-03T13:37:00.000-08:00

O cantor e compositor Lobão voltou às guitarras elétricas após a excursão promocional do projeto “Acústico MTV” (2007) em show realizado nesta terça-feira (2) no Studio SP, em São Paulo.

O músico apresentou temas tradicionais de seu repertório como “Universo Paralelo”, “Sozinha Minha”, “Me Chama” e “A Vida é Doce” entremeados a material mais obscuro de sua trajetória em disco, tais como “Hora Deserta” (rebatizada como “A Hora Deserta Bonanza”), “O Homem Baile”, “Tranqüilo” e “Scaramuça”, entre outras.

Lobão ainda faz mais um show na casa paulistana nesta quarta-feira (3), acompanhado de sua nova banda, formada pelos músicos Samuel Fraga (bateria), Eduardo Lima (baixo) e André Luiz Mattos (guitarra).

LOBÃO ELÉTRICO
Onde: Studio SP – r. Augusta, 589 – São Paulo
Quanto: R$ 25
Quando: 3/12, às 23h
Informações: Studio SP

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DE ORELHADA XXXXVIII: Marcelo D2 incrementa sua mistura de rap com samba com novos elementos em "A Arte do Barulho"

2008-11-28T16:34:00.000-08:00

O rapper carioca Marcelo D2 acrescenta novos elementos ao sotaque brasileiro de seu rap no quarto álbum de inéditas de sua bem-sucedida carreira solo. “A Arte do Barulho” apresenta o ex-líder do Planet Hemp transitando veladamente por outras sonoridades distintas da junção de rap com samba que melhor caracteriza sua trajetória individual, tais como funk carioca e levadas afro-brasileiras –- em temas como “Oquêcêqué”, “Minha Missão” e “Meu Tambor”, dentre outros.

Desta forma, prevalece o modo operante do cantor que, a cada disco novo, mexe sutilmente em sua fórmula de fazer rap. Assim não provoca maiores solavancos na receptividade de suas novas empreitadas, enquanto ganha fôlego para planejar sua próxima cartada.

Espécie de Zé Carioca de nosso cenário pop mainstream, D2 também tira proveito da repetição como ferramenta para consolidação de sua "marca" -- apesar de sua espontaneidade calculada já demonstrar certo cansaço, em âmbito criativo.

Rap popular brasileiro
Em “A Arte do Barulho”, você encontra menções a tradicionais elementos da música de D2. Mestre em fazer colagens diversas e sobrepô-las com suas rimas faladas, o cantor se notabilizou por fazer rap sobre bases instrumentais de clássicos esquecidos da MPB desde os primórdios de sua fase solo, marcada por forte apelo populista. Uma canção do Planet Hemp, “Contexto”, já indicava essa tendência em seu trabalho, ainda de forma incipiente, no disco “Os Cães Ladram Mas a Caravana Não Pára” (1996).

Mas aqui D2 prossegue o caminho inaugurado em “A Procura da Batida Perfeita” (2003) e continuado discretamente no nebuloso “Meu Samba é Assim” (2006). Com produção de Mario Caldato, pré-produção de Mauro Berman e finalização a cargo de DJ Nuts, o rapper acelera o andamento de seu novo repertório, mas mantém a leveza de sempre ao pinçar fortes referências do universo carioca -- de seu querido Flamengo (N.R.: ô mau gosto) até às inestimáveis lições de vida aprendidas no subúrbio, durante a juventude.

Tendo sempre em vista a origem pobre, seu discurso populista retrata de forma leve e desencanada a realidade das periferias cariocas. Muitas vezes, o tom de suas mensagens é de quase auto-ajuda e incentivo aos menos favorecidos, não bastasse o rapper um forte baluarte de resistência cultural no Rio atualmente.

Celebração de um Rio idealizado que fica para trás
Lançando mão do legado da Pilantragem da MPB maldita do final dos anos 60, da qual Wilson Simonal (1939-2000) era rei, D2 celebra as coisas boas da vida como um malandro do bem. Apesar do clima de terror implantado pela tríade “polícia, traficantes & milícias”, o cantor celebra a faceta lúdica da história recente de um Rio de Janeiro que aparenta já ter ficado para trás, linchado pela crônica policial: a mulher de responsa, a diversão com os amigos e os baratos de seu dia-a-dia.

D2 conta com parceiros de modus vivendi como Seu Jorge, Roberta Sá, Mariana Aydar, Thalma de Freitas e a funkeira Zuzuca Poderosa. Todos deram particular contribuição ao disco, que conta até mesmo com colaboração de sua própria cria: seu filho Stephan Peixoto, o menino da canção “Loadendo” (2003), é parceiro na faixa “Atividade na Laje”, vale frisar.

Com as crônicas de seu cotidiano em formato de rap carregadas das tradicionais referências ao seu passado pobre, a popularidade de D2 instaurou um padrão de sonoridade contemporânea seguido por muitos aspirantes a pop star com marra de cão pelo Brasil afora. Verdade é que o cantor contou com sua própria inteligência e um pouco de sorte em meio às turbulências de mercado de discos no Brasil, às quais soube atravessar quase incólume, inclusive até ao desmantelamento definitivo de sua banda de origem, o Planet Hemp, em 2005.

Suas duas primeiras empreitadas solo, “Eu Tiro é Onda” (1998) e “A Procura da Batida Perfeita” (2003) foram importantes para a consolidação da marca “Marcelo D2”, no que diz respeito à sua credibilidade na disseminação de uma linguagem musical, carregada de elementos característicos das ruas do Grande Rio – mais até do que o caldeirão fervilhante de referências sonoras de sua antiga banda. (MARCUS MARÇAL)

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DE ORELHADA XXXXVII: Novo Guns N’ Roses apela ao marketing negativo para indicar crise da indústria do disco

2008-11-25T16:35:00.000-08:00

O lançamento do tão aguardado “Chinese Democracy”, primeiro disco de inéditas do grupo norte-americano Guns N’ Roses em 17 anos, atesta a falência dos antigos modelos mercadológicos da indústria fonográfica. O dono da banda, Axl Rose, parece não se incomodar muito com isso e novamente tira proveito do marketing negativo, pois tanto o título (“Democracia Chinesa”) quanto à própria capa do disco fazem alusão ao modo operante dos produtos piratas feitos na China: a arte fuleira, com destaque para uma bicicleta vagabunda, atenta propositalmente apenas a um “sinal dos tempos”, ao contrário da ostentação que se poderia esperar de uma banda de alguma forma ligada ao segmento hard rock.

Em seus tempos áureos, a representação visual do estilo era freqüentemente marcada por carrões, belas mulheres e artifícios do tipo. Mas em tempos do sucateamento do valor mercadológico do fonograma em tempos de uma pressuposta “revolução digital”, o lançamento de “Chinese Democracy” promove reflexões sobre o atual estado dos negócios da música.

Ostentação dá lugar à precariedade
Na ocasião do lançamento dos dois volumes de seu último disco de inéditas, “Use Your Illusion” (1991), o Guns N’ Roses contou com um aparato mercadológico sem precedentes: além do propiciado pela máquina promocional multinacional à serviço da banda, a imprensa noticiou largamente as imensas filas de jovens fãs que esperavam madrugada afora pela abertura das lojas no exterior na data em que o disco começaria a ser vendido, o que ocasionou ao grupo recorde de vendas na ocasião.

E assim como esse lançamento foi um dos melhores emblemas dos “velhos bons tempos”, com a indústria do disco deslumbrada com os picos de vendagem obtidos com o formato Compact Disc em seu apogeu enquanto suporte para música, “Chinese Democracy” retrata outro momento distinto deste mesmo nicho mercadológico. Desta vez, em vez de superar os patamares anteriores de vendagem, o disco foi “o mais ouvido na história” do portal MySpace, após ser liberado gratuitamente para audição na Internet há pouco mais de uma semana.

Seqüência ao hard rock noventista
Apesar do longo hiato sem disco de inéditas, “Chinese Democracy” é, musicalmente falando, um álbum que dá prosseguimento ao hard rock exuberante que a banda realizou na fase “Use Your Illusion” --segundo momento de sua carreira, no qual a gangue musical de vagabundos viciados deu lugar a uma formação megalomaníaca, marcada por egos inflados pelo sucesso, dinheiro e excessos de todo tipo.

A maior parte das músicas do disco novo lembram ao ouvinte a segunda fase do Guns N’ Roses (1991-1994), enquanto outras remetem ao híbrido de rock pesado e música eletrônica de meados dos anos 90 em diante, tais como “Shackler’s Revenge” e “Scraped”.

Canções memoráveis como “Better” e “Catcher In the Rye” acenam ao hard rock melódico setentista de um Aerosmith clássico ou mesmo soam aparentadas a material dos dois volumes “Use Your Illusion” -- caso da faixa-título, “Street of Dreams”, “This I Love”, “I.R.S.”, “Madagascar”, “Prostitute” e “Sorry” (com participação de Sebastian Bach, ex-Skid Row). Estas canções lembram o lado mais extravagante do Guns N Roses, de temas como “November Rain”, “Stranged” ou “Yesterdaze”, porém de forma mais comedida.

Mas nem tudo soa datado: ”If the World” tem acento latino e discreta orientação eletrônica. Soa distinta de qualquer coisa que o Guns N Roses tenha lançado até hoje, assim como “There Was A Time” e “Riad N' The Bedouins” – os melhores registros de novidade no som do grupo atualmente.

Novidades condizentes ao legado da banda
Longe de parecer um dinossauro decadente do rock’n roll, o Guns N’ Roses é atualmente apenas mais uma grande banda que lança disco de inéditas em um mercado morto-vivo regido por novo paradigma tecnológico. Portanto, ignore a unanimidade burra que tacha a formação atual do grupo como mero simulacro do que um dia foi -- não o é, pelo menos enquanto não tenta desastrosamente emular êxitos passados.

Liderado apenas por Axl, o Guns N’ Roses de “Chinese Democracy” atesta que a formação clássica do grupo só teria sentido se os músicos voltassem a fazer rock’n roll sujo e garageiro, como no final dos anos 80. E em se tratando de um dos principais nomes do rock, em termos mercadológicos, o repertório de 14 canções de “Chinese Democracy” cumpre bem sua função, pois acrescenta mais um ítem à discografia do grupo.

Portanto, deixe de lado o preconceito e esqueça as inúmeras piadas às quais este disco protagonizou. “Chinese Democracy” é um excelente trabalho, que atesta a seqüência natural ao que o Guns N’ Roses sinalizava em seus últimos volumes de inéditas. E além do mais, não tenha dúvidas de que este disco vai vender bastante -- mesmo que você não goste ou ser fã do grupo hoje seja demodê (MARCUS MARÇAL).

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DE ORELHADA XXXXVI: Bloc Party é mais experimental em seu terceiro disco de inéditas

2008-11-24T14:17:00.000-08:00

O grupo britânico Bloc Party reforça a tendência experimental de sua música em seu terceiro disco de estúdio. O repertório registrado em “Intimacy” cobre a variedade de nuances musicais que o grupo explorou em seus dois primeiros álbuns de estúdio, “Silent Alarm” (2004) e “A Weekend in the City” (2007), porém enfatiza as experimentações entre rock e música eletrônica oitentista com as quais se notabilizou.

“Intimacy” atesta que o Bloc Party é uma banda que não se acomoda em seus anteriores méritos criativos. Equilibra a tendência roqueira com a faceta experimental que começou a prevalecer em “Weekend in the City”, mostrando que o quarteto é muito mais do que uma reunião de fãs fervorosos do grupo britânico Gang of Four, referência maior do pós-punk que o Bloc Party anunciava em seu promissor álbum de estréia.

Rock de garagem e e-music
Em resumo: a banda faz rock contemporâneo, apropriadamente moderno, com destacada manipulação de elementos eletrônicos -- em alguns momentos as linhas de contrabaixo chegam a ser feitas nas guitarras por meio da utilização de oitavadores. Também se destaca o uso inteligente de sintetizadores, xilofone, bateria eletrônica, sampler e outras engenhocas eletrônicas em canções como “Mercury”, “One Month Off”, “Zephyrus” e “Íon Square”.

Em seus momentos mais explosivos, o Bloc Party soa vigoroso como uma banda de garagem iniciante, mais notadamente em canções rápidas como “Halo” e “Trojan Horse” -- com destaque para a cozinha precisa e bem entrosada do baixista Gordon Moakes e o baterista Matt Tong e o diálogo inteligente entre as guitarras “viajantes” de Kele Okereke e Russell Lissack.

Definitivamente, o Bloc Party não é uma formação musical monocórdia e soa delicada em temas etéreos como “Signs”, “Better than Heaven”, “Ares” e “Biko”. Apesar de comprometer o pique do disco, de forma semelhante ao que acontecia em “A Weekend in the City”, estas canções de andamento lento conferem maior dinamismo sonoro ao disco como um todo -- o que torna as duas empreitadas anteriores do quarteto em estúdio complementares a esta nova coleção de canções (MARCUS MARÇAL).

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JUKEBOX IX: “Weird Fishes (Arpeggi)”

2008-11-21T19:48:00.000-08:00

Esta canção faz parte do primeiro volume do álbum “In Rainbows” (2007), do grupo britânico Radiohead. Como acontece nas melhores canções da banda, a letra é obscura, de difícil entendimento. E a popularidade do quinteto capitaneado por Thom Yorke é uma blasfêmia quanto a qualquer certeza mercadológica relacionada à música, pois atesta que artifícios como refrões e linguagem acessível ao ouvinte comum são verdades “absolutas” que freqüentemente devem ser questionadas.

Tendo em vista um texto musical tão oblíquo como é a letra de “Weird Fishes (Arpeggi)”, me permiti à licença poética de divagar aleatoriamente sobre ela --sem a menor vontade de ser exato em relação ao objeto analisado. OK? Se quiser parar a leitura por aqui, fique à vontade...

Acredite se quiser
Portanto, me perdoem caso eu profira qualquer barbaridade aqui neste espaço. Digamos que, a partir de agora, começa nosso “faz-de-conta”. Ou melhor, leia como se fosse uma piada...

Em seu sétimo disco de estúdio, o Radiohead remontou aos primórdios da vida no planeta para criar uma alegoria textual para uma de suas canções mais belas.

“Weird Fishes” começa com uma marcação básica de bumbo, caixa e contratempo.

Em seguida, os dedilhados de guitarra fazem alusão a uma ambiência aquática. As linhas de baixo pontuam melodicamente a harmonia da canção, como se enfatizassem um movimento subaquático, cuja locomoção sofresse pressão característica do deslocamento das águas.

Pré-história subaquática
A cronologia aleatória da narrativa confunde o entendimento do texto, onde se chega a divagar sobre as paranóicas teorias de abismos estratosféricos ao encontro do horizonte, anteriores à era das Grandes Navegações.

Mas a letra definitivamente faz alusão entre a ambiência terrestre e os primeiros seres vivos. Remete a livros de ciência da sétima série ginasial.

Os peixes esquisitos da pré-história, da Pangéia, se confundem com espermatozóides, pois guardam semelhança com os peixes de formatos esquisitos que perambulam na bolsa escrotal da parcela masculina.

“Por que haveria de eu ficar aqui...? Todos partem se tem oportunidade e esta é a minha chance” – ocasião em que alegoricamente pegariam impulso nas paredes do saco e seguem o fluxo para fora, no jorro da ejaculação. “Eu chego ao fundo e escapo...”

A linguagem rebuscada é demais? Discordo, é simples como um espirro de pica!

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DE ORELHADA XXXXV: Folk tatibitate de estréia em disco mostra Mallu Magalhães crescendo em público

2008-11-17T15:42:00.000-08:00

A estréia em disco da cantora adolescente Mallu Magalhães retrata seu amadurecimento aos olhos do público. Este clichê da indústria do disco é a melhor definição para se caracterizar seu trabalho, conforme se pode ler repetidamente nas mais variadas resenhas sobre o disco em veículos de mídia impressa e Internet.

Com produção de Mário Caldato Jr. (Beastie Boys, Marisa Monte e Marcelo D2, entre outros), “Mallu Magalhães” é um disco independente e dá prosseguimento ao folk tatibitate com o qual a cantora despontou na Internet.

Ponta-de-lança de uma cena folk fake inventada por expoentes da mídia paulistana, sua carreira foi alavancada pelo hype em torno de suas músicas lançadas no portal MySpace. E agora Mallu Magalhães reverencia também em disco suas influências maiores, como o “Bobo boy” Dylan do início dos anos 60 e o country rock da trilha sonora da cine-biografia “Johnny & June”.

Influências de nomes próximos à Magalhães, como Vanguart e Marcelo Camelo, também tangenciam o repertório da jovem cantora em alguns momentos esporádicos.

Tatibitate em excesso
Mas tamanha reverência acaba surtindo um efeito pejorativo, principalmente em canções como “Have You Ever”, “Don’t You Look Back”, “Angelina, Angelina” e no folk repleto de onomatopéias infantis dos underhits “Tchubaruba” e “J1”. Afinal, tamanha fofura também tem limite!

Não bastasse o “dubidoo” pseudo-country, seus músicos também se comportam como se tivessem saído de algum pub chulé de Nashville (EUA) nos anos 60, o que atesta a inocência desta empreitada, adequadamente emoldurada pelo desenho de sua capa, que ostenta um singelo leãozinho. Isso certamente leva os mais velhos a tacharem o vigente “neofolk brazuca” como brincadeira de criança -- é o mesmo efeito adverso provocado pela capa do disco de estréia do Vanguart, que emula as legendárias “The Basement Tapes” (1975) de Dylan & The Band.

Por essa razão, a função de Caldato foi essencial para o bom resultado do trabalho, pois reforça a constatação de que este é apenas o primeiro disco de Mallu e é melhor não criarmos maiores expectativas. E a artista mostra que tem um belo futuro pela frente em canções adultas como “You Know You’ve Got It” e “O Preço da Flor”, que surpreendem pelos bons vocais e as letras inteligentes.

Ainda assim, o repertório de 15 canções eternizadas em “Mallu Magalhães” fica acima da média do pop rock nacional vigente e instiga o ouvinte em relação às futuras empreitadas da artista. Em se tratando de uma menina-mulher de 16 anos e suas canções simplórias, isso já é muito, pois Mallu canta muito bem e parece cada vez mais segura a cada nova aparição. Só precisa perder urgentemente o ranço de caipira norte-americano, o que pega mal para uma brasileira com idade suficiente para lhe garantir o direito ao voto. (MARCUS MARÇAL)

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JUKEBOX VIII: “África Brasil (Zumbi)”

2008-11-14T17:20:00.000-08:00

Muitas releituras já foram feitas para este clássico de Jorge Ben. O próprio cantor e compositor chegou a gravar duas versões diferentes da canção em dois álbuns dentre os mais importantes de sua discografia: “A Tábua de Esmeralda” (1974) e “África Brasil” (1976).

A primeira soa levemente “dopada” em meio à viagem conceitual esotérica do artista na ocasião, enquanto a segunda é repleta do balanço de música afro-brasileira setentista conforme o tom do disco como um todo ao qual ela faz parte.

Artistas de diferentes nichos como Caetano Veloso, Cidade Negra e Andrea Marquee já recriaram a música e obtiveram resultados variados. No entanto, todas elas soam de menor importância se comparadas às originais de Ben...

Ouvi muito Jorge Ben aleatoriamente em rádio AM nos anos 70. Era moleque e lembro que gostava da ginga das músicas e de seu cantar. Soava-me bem simples e direto. Mas não me recordava de “África Brasil” até ouvir a versão que o grupo paulista Skowa & A Máfia lançou em seu álbum de estréia “La Famiglia” (1989).

Zumbi é o senhor das guerras
Naquela época eu estava ainda incipientemente afeito à onda da mistura de funk com metal que então rolava no exterior, embora ainda não fosse pleno conhecedor dos trabalhos deste subgênero que logo ficaria tão em voga no início dos 90 aqui no Brasil. Na época, ainda não dominava a guitarra como gostaria, então a maioria das bandas e artistas que me chamavam a atenção tinha um perfil genérico de misturar levadas dançantes do instrumento com groove peso-pesado de uma cozinha bem entrosada. “Quem tem groove tem tudo”, resumiria outro fã de Ben alguns anos depois, você sabe!

Então por essas e outras razões, eu adorei o som do Skowa & A Máfia. O líder da banda, Skowa, era uma figura relativamente conhecida por seus trabalhos com o grupo Sossega Leão e outros artistas. Se não me engano, ele havia deixado de lado seu principal instrumento, o contrabaixo, para se aventurar como guitarrista band leader deste grupo com ênfase maior no funk rock.

A banda chegou a emplacar música em novela da rede Globo, a impagável “Amigo do Amigo”, e um dos carros-chefe de seu repertório era o underhit “Atropelamento & Fuga”, cover do Akira S e as Garotas que Erraram -- esta chegou a ser destaque em lista de melhores do ano da revista Bizz um ano antes do disco de “La Famiglia” ser lançado. Portanto, boas referências não faltavam...

E foi durante uma entrevista promocional do disco que o grupo concedeu a uma rádio carioca que ouvi pela primeira vez a releitura que eles fizeram para o tema de Jorge Ben.

Batuque afro no centenário da Abolição
Devidamente reverente às versões originais, o Skowa & A Máfia soube recriar conceitualmente a canção, como se esta fosse composta novamente, a partir do zero. Comparativamente, apenas a letra remete ao tema original e sua recriação a cargo do próprio Ben.

A versão do grupo começa com um rápido batuque percussivo de congas, o que me lembra imediatamente a um ponto de macumba em um terreiro ancestral -- condição de resistência reforçada pelas recentes comemorações dos cem anos da abolição da escravatura no ano anterior.

Após um rápido fraseado de baixo, o restante dos músicos adentra ao tema com peso característico de rock pesado sob uma base de funk com batucada afro. Os guitarristas da banda chegam a fazer trinados, como aqueles que o Iron Maiden eternizou na introdução de “Aces High”, mas com a rusticidade de timbre conforme o tema original pede.

Quando Skowa começa a cantar, é como se fosse algum sujeito casca-grossa e cheio de marra, líder de gangue (“A Máfia” é o nome da banda que secunda o cantor), chamando algum filho-da-puta pra porrada, para um devido acerto de contas de séculos. Os versos “Eu quero ver quando Zumbi chegar, eu quero ver. Eu quero ver o que vai acontecer, eu quero ver...” já antevêem a tensão que a música carrega em si em seu DNA histórico.

Em determinado momento ao final da música, o peso da banda de apoio se cala e Skowa canta apenas sob uma base percussiva de congas, reforçando aquele mesmo clima de terreiro de macumba mencionado anteriormente. “Aqui onde estão os homens, há um grande leilão. Dizem que nele há uma princesa à venda, que veio acorrentada junto com seus súditos em carros-de-boi... Aqui onde estão os homens: de um lado a cana de açúcar, do outro lado um imenso cafezal e ao centro senhores sentados vendo a colheita do algodão branco sendo colhida por mãos negras...” Nessa hora, o líder do grupo encadeia melodicamente estes versos com toda a verdade típica de quem realmente acredita no que está cantando. O ouvinte é incapaz de duvidar disso.

Aí é hora de a banda voltar à toda com peso mastodonte, enquanto um coro coletivo que parece carregar milhões de almas penadas do além ganha força à medida que canta os versos, apenas sublinhados melodicamente por Skowa: “Eu quero ver quando Zumbi chegar, eu quero ver! Eu quero ver o que vai acontecer, eu quero ver. Zumbi é o senhor DAS GUERRAS! Zumbi é o senhor DAS DEMANDAS. Quando Zumbi chega, é Zumbi é quem manda...”

Lembro de ter ficado chocado quando ouvi esta releitura pela primeira vez, experiência contextualizada anteriormente pelos integrantes da banda, afro-brasileiros, durante a entrevista, explicando a importância do tema, que fecha o álbum “La Famiglia”, e que, de uma informal jam session, acabou se tornando a música mais forte do disco de estréia da banda.

Disco de vinil em promoção
Assim que o programa acabou, precisei comprar o disco imediatamente e consegui encontrar o vinil em promoção, então recém lançado, em um supermercado --nos tempos em que a indústria do disco ainda se ajeitava para o grande boom de vendagem a partir da popularização do Compact Disc.

Lacrada, a bolacha vinha com os dizeres “Com o sucesso ‘Amigo do Amigo’ da novela...” em um selo colado sob o plástico que protegia o material, mas o disco me chamou ainda mais a atenção, pois uma das fotos do encarte trazia a silhueta de Skowa fumando um charuto, o que me remeteu imediatamente a tal “máfia” que a banda trazia no nome e também ao terreiro de macumba que a sonoridade da releitura de “África Brasil” me lembrava. Sim, eu era --e ainda sou-- um sujeito dotado de bastante imaginação...

Enfim, eu hoje me recordo que escutei bastante aquele vinil, repleto de boas letras sob um instrumental dançante de big band. Mas até hoje me lembro aleatoriamente desta versão, que me vem à mente naturalmente, sem que eu me esforce para lembrá-la. E em se tratando de um clássico tão manjado da música popular brasileira, humildemente eu lanço mão deste texto para lembrar da grandeza desta versão, tão pouco conhecida.

Vale a procura, ainda mais porque o tema foi regravado em uma época em que a obra de Jorge Ben (Jor) não havia se tornado carne-de-vaca, após sua associação com o publicitário Washington Olivetto e o novo boom mercadológico que sua carreira alcançou em quase meados da década seguinte, ocasião em que o compositor foi descoberto por novas gerações.

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RAPIDINHAS I: Gutter Twins promete músicas inéditas em shows intimistas na Europa em 2009

2008-11-13T14:29:00.000-08:00

O duo norte-americano The Gutter Twins fará uma turnê de 16 shows intimistas pela Europa no início de 2009. A excursão “An Evening with Greg Dulli & Mark Lanegan” acontece entre 15 de janeiro e 2 de fevereiro. Começa com uma apresentação em Glasgow, na Escócia, e depois segue pela Irlanda, Inglaterra, Bélgica, Holanda, Alemanha, Áustria, Itália, Espanha e Grécia.

Ao contrário de suas turnês recentes, nas quais contou com uma banda de apoio, a dupla será acompanhada nestas apresentações apenas pelo guitarrista Dave Rosser e preparou um roteiro intimista, intitulado “Stripped Down In the Gutter”, com novos arranjos e músicas inéditas.

Após a turnê, o Gutter Twins sai de cena. Dulli gravará um disco de inéditas do Twilight Singers e Lanegan começará a trabalhar no repertório de seu primeiro disco solo em cinco anos, além de um projeto paralelo com o duo britânico Soulsavers.

Histórico dos “Gêmeos da Sarjeta”
Capitaneado pelos veteranos Greg Dulli (Afghan Whigs) e Mark Lanegan (The Screaming Trees), o Gutter Twins é um dos nomes mais interessantes do rock norte-americano atual. Batizaram a dupla com o equivalente a “Os Gêmeos da Sarjeta” em inglês, em razão do histórico de bad boy característico dos dois no circuito alternativo norte-americano desde o final dos anos 80, cuja temática está presente no trabalho de ambos desde o início de suas carreiras.

Lanegan também é famoso por suas colaborações com outros grupos e artistas. Já trabalhou com Isobel Campbell (Belle & Sebastian) e a banda Queens of the Stone Age, entre outros.

Os dois cantores e compositores começaram a trabalhar juntos na gravação da canção “Number Nine”, do disco “Blackberry Belle” (2003), do Twilight Singers, banda criada por Greg Dulli após o fim do Afghan Whigs. Em retribuição, o ex-líder do Afghan Whigs participou de um disco solo de Lanegan, “Bubblegum” (2004), e excursionou como pianista da banda do amigo.

Em diferentes ocasiões antes da estréia do duo em disco, Dulli e Lanegan fizeram shows sob a alcunha The Gutter Twins e apresentaram repertório variado de diferentes momentos de suas respectivas carreiras, além de material inédito e releituras de repertório alheio. A parceria prosseguiu no EP de covers “A Stitch In Time”, lançado pelo Twilight Singers em 2007, antes de os músicos entrarem em estúdio para registrarem oficialmente seu trabalho em disco.

A dupla lançou em 2008 seu disco de estréia pela gravadora Sub Pop, “Saturnalia”, e o EP “Adoratta”, bela coleção de releituras para canções de artistas variados como Primal Scream, Scott Walker e José Gonzales, entre outros.

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DE ORELHADA XXXXIV: The Cure reafirma a identidade de seu pop britânico oitentista em inspirado disco de inéditas

2008-11-12T14:25:00.000-08:00

“4:13 Dream”

The Cure

O grupo britânico The Cure reafirma sua sonoridade tradicional em seu 13º álbum de inéditas. “4:13” não irá desapontar os fãs da banda, pois apresenta o quarteto capitaneado por Robert Smith trafegando por território conhecido.

O som pop de álbuns como “Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me” (1987) e “Wish” (1992) prevalece em canções melodiosas como “The Only One”, “Reasons Why”, “Hungry Ghost” e “Perfect Boy”, mas é nos momentos mais soturnos que a música da banda soa mais vigorosa, em temas como “Underneath the Stars”, “Real Snow White”, “Switch”, “Scream” e “It’s Over”.

No decorrer de 53 minutos do disco, o Cure apresenta uma coleção de canções equiparável as de álbuns clássicos como “Seventeen Seconds” (1980), “Faith” (1981), “Pornography” (1982) e “Desintegration” (1989).

Apesar de não soar desafiador quanto o epônimo álbum anterior lançado em 2004, com produção de Ross Robinson (Korn, Deftones), “4:13” retrata o quinteto em momento inspirado. (MARCUS MARÇAL)

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RODOVIAS EM PAPIRO CIBERNÉTICO V: Punk demais para o progressivo, progressivo demais para o punk

2008-11-11T20:37:00.001-08:00

Considerações sobre "rock setentista"

O ouvinte comum de música pop de hoje é, queira ou não, decerto norteado pelos preceitos niilistas do punk do final dos anos 70. Digo punk do final dos 70, pois a meu ver a acepção do termo também se faz presente em inúmeras manifestações musicais anteriores às convenções da gênese do gênero. Portanto, vale a máxima de que a simplicidade da música é o que importa, algo que certamente dá margem a inúmeras picaretagens.

Enfim, o átomo ou um hipotético componente infinitesimal do punk não é privilégio da musicalidade tosca de três power chords encadeados em uma harmonia chinfrim. Não nasceu com o gênero, pois faz parte de inúmeras empreitadas humanas em diferentes linguagens. Em minha concepção, a centelha que originou o punk também está presente em outras manifestações estéticas até mesmo extramusicais e é um negócio tão comum que a melhor forma de exaltá-la é simplesmente fazer chacota dela mesma.

Há aproximadamente quinze anos, me recordo de uns colegas da cidade onde morava, no interior do litoral fluminense, se esbaldando ao emular a sonoridade e os jargões textuais do punk paulistano do início dos 80. Eu sei: “clones, we’re all”, Alice Cooper já chamava atenção a isso há uns 40 anos. Mas esse tipo de mentalidade castradora em relação à música sempre me levou a refletir a respeito da boçalidade de se compartimentar música em estilos, na condição de músico autodidata que sou e nunca vou deixar de ser.

Sério mesmo: ser músico me levou a não ter preconceito sobre música, que para mim é válida desde que algum, ou mesmo até dois ou mais, de seus componentes mexa comigo de alguma maneira. Pode ser pelo lado cerebral, emocional, comportamental ou o catzo. Como boa parte dos apreciadores de som que se prezam, estilo musical é coisa de menor importância.

Mercado zumbi e seus latifúndios improdutivos
Sei que para alguns, falar isso hoje em dia, em tempos de um mercado morto-vivo subdividido em infinitos nichos estéreis, é quase uma besteira sem tamanho. Mas sinceramente acho que nunca houve uma época tão apropriada para a molecada criativa literalmente desrespeitar toda e qualquer “certeza absoluta em relação à música”.

No entanto, não é bem isso o que rola...

Ainda prevalece o norteamento pelas diretrizes das matrizes hegemônicas como se ainda vivêssemos o deslumbramento à moda “Footloose” do início dos anos 80. E veja bem, isso acontece em uma época em que música cada vez tem menos importância mercadológica.

E apesar de ter eventualmente me engajado de alguma forma no modo operante dessa mesma máquina que hoje caduca, na condição de profissional da comunicação, ainda considero um privilégio nunca ter sido parte realmente integrante dessa leitmotif “midiotizante” que é a música criada para consumo e entretenimento.

Toda essa falação foi para chamar atenção que mesmo muita gente boa que escreve sobre música costuma confundir qualquer musicalidade mais “exuberante” com o tal rock progressivo. Já vi até gente boa tachando uma banda versátil como o Led Zeppelin como expoente do gênero. E achar isso é realmente muita ignorância! É como se qualquer “ousadia instrumental” fosse logo pejorativamente tachada com um estigma de um subgênero que também tem lá suas obras clássicas e seus méritos estéticos.

Digo isso porque ouvi recentemente um colega soltar involuntariamente que o MGMT é afeita ao rock progressivo, pois o show que a banda apresentou na etapa paulista do Tim Festival teria sido repleto de referências daquilo que o senso comum chama de “rock mala”. Ou pior, como se a dupla que capitaneia o projeto fosse composta por exímios instrumentistas.

Qualquer um com o mínimo de conhecimento sabe que isso passa longe de ser verdade, mas muito longe disso, estando os músicos citados mais propriamente próximos ao punk do que ao virtuose mala-progressivo, pois são tão virtuoses quanto um recém alfabetizado acidentalmente alçado à condição de “imortal” da Academia Brasileira de Letras.

Por isso, faço questão de frisar que não curto a utilização desse termo: rock progressivo. Isso hoje me lembra essas bandas chatas de heavy metal contemporâneas, daquelas em que os músicos tocam levadas difíceis em seus instrumentos sorrindo para saírem bonitos na foto o suficiente para angariarem novos alunos. E para mim, música é muito mais do que isso!

“Velho demais para o rock’n roll e jovem demais para morrer...”
Talvez a máxima do Jethro Tull me seja apropriada o suficiente para ilustrar o título deste texto a partir de uma paráfrase. Pois considero que o brasileiro tem exemplos fortes o suficiente para se mostrar um pouquinho mais inteligente quanto a questões como as levantadas por este texto. Falo isso, pois dois discos que são ótimos emblemas do que se poderia tachar de rock progressivo, conceitualmente são qualquer coisa, menos esse subgênero.

Refiro-me aos famigerados discos da fase “progressiva” dos Mutantes: “O A e o Z” (de 1971, porém lançado apenas em 1991), “Tudo foi feito pelo Sol” (1975) e “Mutantes ao Vivo” (1976). Conceitualmente são trabalhos simples: não tratam de mitos, tradições nórdicas ou qualquer patacoada do gênero -- fatores que poderiam caracterizar o estereótipo ou mesmo a caricatura do rock progressivo.

Também é importante lembrar que vivemos em um país que não reflete sobre sua própria história. Portanto, já seria mais do que a hora de a imprensa especializada relegar melhor tratamento a documentos de nossa memorabilia musical. Pois é de uso comum tachar pejorativamente a tal fase virtuose dos Mutantes, como se os camaradas já não fossem exímios instrumentistas em 1965, por exemplo.

Vale lembrar que assim como os Beatles, os Mutantes cresceram em público e naturalmente estariam criativamente estanques se continuassem a se repetir. E nada mais natural que a música da banda se sofisticar com o passar dos anos -- lembremos hoje do ocaso da estrela pop e do sucateamento do valor mercantil dos fonogramas musicais em tempos em que discografias inteiras podem ser acessadas ao simples clique de um mouse.

Além do mais, já estaria mais do que na hora de o consumidor de som reconhecer sua ignorância e insignificância e, pelo menos reconhecer o valor de música real, feita por gente de verdade -- não esses factóides pop que surgem e somem na poeira da história, no vácuo da mentirosa tendência novidadeira de última hora que alça zés-ninguém ao fogo-fátuo de um estrelato medido a conta-gotas.

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ENTREVISTÃO XXXIX: Millencolin toca pela terceira vez no Brasil; leia entrevista com o guitarrista Mathias Färm

2008-10-24T03:59:00.000-07:00

17/09/2008 - 18h28
MARCUS MARÇAL
http://musica.uol.com.br/ultnot/2008/09/17/ult89u9721.jhtm

O grupo sueco Millencolin faz quatros shows em sua terceira excursão pelo Brasil em outubro. Com passagens pelo país em 1998 e 2006, a banda apresenta seu punk pop/hardcore melódico no Rio (9), em Fortaleza (10), São Paulo (11) e Curitiba (12), segundo informação publicada em seu site oficial.

De Örebro, cidade natal do grupo sueco, o guitarrista Mathias Färm falou ao UOL nesta terça-feira (16) sobre a nova excursão. "Será um grande show de rock'n roll. Nossa última turnê no Brasil foi uma experiência divertida e estamos realmente ansiosos por tocar aí. O público daí é insano", destacou o músico.

Mathias Färm também declarou que o Millencolin apresentará um repertório variado para o roteiro das apresentações no Brasil. "Tocaremos músicas de todos os nossos álbuns, misturadas umas as outras em nosso repertório. Serão as favoritas de nosso público, devidamente testadas na estrada", antecipa.

Além de Färm, o Millencolin conta com Nikola Sarcevic (baixo e voz), Erik Ohlsson (guitarra) e Fredrik Larzon (bateria) em sua formação.

A banda foi criada em 1992 e já lançou sete discos de inéditas. Álbuns como "Pennybridge Pioneers" (2000), "Home from Home" (2002) e "Kingwood" (2005) e "Machine 15" (2008) são itens de destaque em sua discografia.

Leia abaixo a entrevista com Mathias Färm, guitarrista do Millencolin:

O que os fãs do Millencolin podem esperar da terceira passagem da banda pelo Brasil?
MATHIAS FÄRM: Será um grande show de rock'n roll. O público brasileiro é insano e estamos realmente ansiosos para tocar aí. Foi demais até mesmo da primeira vez em que tocamos aí, quando éramos uma banda menor do que somos hoje. Mesmo assim, o acolhimento da audiência local foi memorável para nós. Da última vez que nós fomos ao Brasil toda nossa bagagem e equipamento se extraviou no aeroporto, então tivemos que usar material alheio que nos foi emprestado -- guitarras e tudo mais. Foi uma experiência muito estranha. Mas desta vez nós temos a esperança de que isto não tornará a acontecer e assim nossa performance será muito melhor. Nós tocaremos músicas de todos os nossos álbuns, misturadas umas às outras no roteiro do show. Serão as favoritas de nosso público, devidamente testadas na estrada. Certamente será uma experiência interessante e divertida, pois nosso repertório terá várias músicas de discos como "Tiny Tunes" (1993), "Life on a Plate" (1995), Pennybridge Pioneers" (2000), "Home from Home" (2002) e "Kingwood" (2005) -- o que dá um bom apanhado do melhor do que já fizemos. Além disso, também tocaremos duas canções de "Machine Fifteen", nosso último álbum, lançado em 2008.

Milencolin já lançou sete álbuns de inéditas até hoje. Como você destaca a evolução de sua música?
FÄRM: Quando formamos o Millencolin há aproximadamente quinze anos, tudo o que queríamos era tocar punk rock como as bandas do sul da Califórnia faziam --aquele tipo de música que você encontra em vídeos de skate. Acredito que, no decorrer dos anos, desenvolvemos o som do Millencolin e hoje nossa identidade musical se evidencia mais do que qualquer uma de nossas influências. A banda realizou um importante progresso nesse período e hoje estamos bastante satisfeitos com o que fazemos, pois nos divertimos muito tocando ao vivo. Estamos na ativa há muito tempo, ao ponto de influenciarmos outras bandas atualmente -- o que é demais. Para você ter uma idéia: no início da banda, foi realmente muito bacana quando conseguimos nosso primeiro contrato com o selo Burning Heart em 1993. Éramos realmente uma banda muito pequena, assim como o selo. Então calhou de crescermos juntos. Mas, dali em diante, tudo o que conquistamos aconteceu passo a passo e com muito trabalho envolvido nisso. Tem sido uma longa jornada para o Millencolin. E, se tivéssemos que escolher o melhor álbum em nossa discografia, certamente ele sempre será o nosso trabalho mais recente. Particularmente, meus favoritos são "Machine 15" (2008) e "Pennybridge Pioneers" (2000) - este álbum foi uma espécie de passagem de nível para nós. Foi gravado nos EUA e representou uma espécie de novo começo para a banda.

O que "Machine 15" representa para a sonoridade do Millencollin e quais são suas músicas preferidas do disco?
FÄRM: É difícil falar a respeito de "Machine 15" e descrevê-lo de uma maneira objetiva, pois é um trabalho muito recente. Então daqui a dois anos talvez seja mais fácil falar alguma coisa sobre este disco em particular, pois é um álbum muito coeso, com várias canções ótimas. Gosto especialmente da canção "Done is Done", pois nunca havíamos escrito algo parecido e é como se modernizássemos nosso som. Mas eu também aprecio "Broken World", "Who's Laughing Now" e a faixa-título. Essas músicas são as minhas preferidas em "Machine 15" e talvez as toquemos no Brasil. Mas ainda não sabemos exatamente a lista de músicas que apresentaremos, afinal é melhor quando essas coisas são surpresa.

Na cena de rock mainstream atual, o emocore desfruta de uma superexposição que já foi uma vez creditada ao hardcore melódico e à cena californiana em meados dos anos 90. Qual é sua opinião sobre as bandas de punk melódico das paradas de sucesso atuais, especialmente o emocore?
FÄRM: Não estou realmente muito inteirado sobre o que se passa com as bandas mais populares. Mas, em minha opinião, existe muita coisa boa no punk rock contemporâneo. Não estou muito envolvido com o emocore, então para mim é um pouco tedioso. Eu até gosto de My Chemical Romance e Fall Out Boy, mas não sei... Meu interesse maior é por bandas antigas como o Quicksand, que era capitaneada por Walter Schreifels (que também participou de inúmeros grupos de hardcore como Gorilla Biscuits, Rival Schools e Moondog, entre outros). É uma das minhas bandas preferidas e influenciou muitos grupos da atualidade. É um tipo mais pesado de hardcore, com maior ênfase na técnica.

Em sua opinião, o emocore é um fenômeno efêmero no mainstream?
FÄRM: Talvez. Mesmo porque atualmente há muita diversidade musical, além de espaço para todos --uma prova disso é hoje vermos todo tipo de música no mainstream. Mas, no meio musical, as coisas são cíclicas. Por exemplo: o Green Day se tornou grande em 1994 e aproximadamente dez anos depois eles lançaram o álbum "American Idiot" - e aí que voltaram a ser grandes novamente. E assim se fecha um círculo. De qualquer forma, emocore não é um estilo popular aqui na Suécia realmente. É um fenômeno mais restrito aos EUA.

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ENTREVISTÃO XXXVIII: "Menos é mais para o Motörhead", diz o baterista Mikkey Dee, que lança o álbum "Motörizer"

2008-10-24T03:57:00.000-07:00

15/09/2008 - 15h24
MARCUS MARÇAL
http://musica.uol.com.br/ultnot/2008/09/15/ult89u9711.jhtm

"Motörizer", o novo álbum do grupo britânico Motörhead, é uma aula de rock'n roll básico. Em seu 20º disco de estúdio, a banda dá uma roupagem atual ao som pesado com o qual se notabilizou em álbuns clássicos como "Overkill" (1979), "Bomber" (1979), "Ace of Spades" (1980) e "Iron Fist" (1982), entre outros.

Junto aos Ramones e Stooges, o Motörhead é um dos melhores exemplos de como o rock'n roll pode soar poderoso com poucos acordes e muitos decibéis. E, embora seja uma banda com décadas de estrada marcadas por excessos de todo tipo, o Motörhead ainda impressiona pelo vigor de seu repertório novo -- uma constante em seus 33 anos de existência.

De Columbus, Ohio (EUA), o baterista Mikkey Dee falou ao UOL sobre o novo disco e os planos do grupo. Junto aos álbuns "Inferno" (2004) e "Kiss of Death" (2006), "Motörizer" retrata sonoramente o que o Motörhead representa hoje, conforme destacou o músico. "Nossos três últimos discos de estúdio salientam a versatilidade de nossa música, dentro do que se espera da banda. Não é fácil manter o padrão de qualidade com o qual o Motörhead se notabilizou, mas não é algo que pensemos muito a respeito. Simplesmente escrevemos nosso material novo e considero que estamos à altura do que se espera da banda e sua história", avalia.

"Motörizer" apresenta 11 faixas distribuídas em aproximadamente 40 minutos. Apesar da curta duração, o disco contém variedade musical suficiente para representar diferentes facetas do Motörhead --do punk ao metal, com destaque para as nuances de hard rock e blues.

"Acho que não seria válido destacarmos qualquer tema do disco em especial, pois ele é suficientemente variado dentro das referências com as quais a banda se popularizou. E 'Motörizer' tem todo tipo de música --desde canções lentas, rápidas ou mesmo gêneros variados. No entanto, é a mistura desses elementos característicos de nossa história que faz este álbum o melhor retrato do que o Motörhead é hoje em dia", diz.

Veteranos do rock pesado
Desde sua criação em 1975, a banda é capitaneada por Lemmy Kilminster, 63 (baixo e voz), e foi a primeira a misturar heavy metal e punk rock, até então estilos antagônicos. Uma das figuras mais legendárias da história do rock'n roll, o baixista e vocalista é também a alma do Motörhead.

Na ativa oficialmente desde 1992, a atual formação da banda também conta com Phillip Campbell (guitarra), além de Mikkey Dee.

Sobre o processo de composição de faixas do novo disco, como "Runaround Man", "English Rose", "Time is Right" e "The Thousand Names of God", Dee afirma: "Lemmy é o responsável pelas letras e temos muita confiança em seu trabalho. Ele é muito criativo e geralmente faz uso de muito sarcasmo e até mesmo maldade em suas composições. Isso às vezes não funciona no primeiro momento, mas aí damos nossa opinião, e Lemmy faz os devidos ajustes”, explica.

No decorrer das décadas, o Motörhead se notabilizou por ser simples e direta. "Menos é mais em se tratando desta banda. Se hoje complicássemos muito nosso trabalho com aparatos de produção, isso seria ruim e indigno à história do Motörhead. É justamente a simplicidade da obra que inspira tanta gente interessante. E no que isso nos diz respeito, esse é apenas modo como nos expressamos e fazemos nosso trabalho", avalia.

Parte de "Motörizer" foi produzida no 606 Studios, em Los Angeles, EUA. O estúdio pertence a Dave Grohl, líder do Foo Fighters e notoriamente um grande fã da banda. Considerado um dos músicos mais simpáticos e prestativos do universo roqueiro mainstream, Grohl se notabilizou por inúmeras participações em projetos alheios (Backbeat Band, Queens of the Stone Age, Cat Power, entre outros) e eventualmente chega a oferecer seus préstimos de baterista para suas bandas prediletas, como já aconteceu com o Led Zeppelin, por exemplo.

Documentário
Músicos de uma banda com mais de 30 anos de estrada certamente têm muitas histórias boas para contar. E, além do disco novo, os fãs do Motörhead têm muito o que comemorar: um documentário sobre a vida do líder do grupo está sendo finalizado, com previsão de lançamento para 2009. "Lemmy: The Movie" conta a história de Lemmy Killminster desde os anos 60 até os dias de hoje e inclui entrevistas com integrantes do Motörhead, colegas e fãs como Slash, Dave Grohl, Mick Jones (The Clash), Alice Cooper, Steve Vai e o profissional de luta livre Triple H, entre outros.

Dirigido por Greg Olliver e Wes Orshoski, o filme foi registrado em alta definição e Super 16mm, mas não é um projeto da banda. Segundo Mikkey Dee, o trio apenas liberou acesso da equipe de filmagem aos bastidores das turnês do Motörhead durante dois anos. "Não conhecíamos os caras e particularmente não temos muito a adiantar sobre esse trabalho. Os caras da equipe de filmagem simplesmente nos seguiram em nossas turnês pelo mundo e, do pouco que sei, o filme está 90% pronto", conta.

Um acordo de distribuição ainda não foi assinado, mas um vídeo promocional pode ser visto no site oficial do documentário. O trailler contém imagens da banda em cena, além de alguns segmentos em que Lemmy Kilmister testa alguns amplificadores de baixo em volumes ensurdecedores e conta piadas impróprias para menores.

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ENTREVISTÃO XXXVII: Artista multimídia, Laurie Anderson traz seu novo show ao Brasil; leia entrevista

2008-10-24T03:55:00.000-07:00

03/09/2008 - 16h28
MARCUS MARÇAL
http://musica.uol.com.br/ultnot/2008/09/03/ult89u9652.jhtm

A artista norte-americana Laurie Anderson traz ao Brasil seu novo show "Homeland". Em sua terceira passagem pelo país, a cantora se apresentou em Porto Alegre nesta terça-feira (2) e faz outro show na cidade nesta quarta. Em São Paulo, Anderson canta nesta sexta (5) e sábado (6). Casada com o cantor e compositor Lou Reed, Laurie Anderson é uma das personalidades femininas mais importantes da arte de vanguarda contemporânea.

Desde sua estréia no cenário pop com o sucesso "O Superman", em 1981, seu trabalho se notabiliza por engajamento em questões sócio-políticas e não se restringe à música, pois incorpora experimentalismos com arte multimídia e instrumentos tradicionais.

Em seu novo show, a artista de 61 anos faz uma reflexão sobre os excessos tecnológicos da sociedade de informação e discute temas contemporâneos como a guerra, mídia, cultura da vigilância e questões ambientais.

Laurie Anderson falou ao UOL sobre seu novo espetáculo, de Porto Alegre, pouco antes do primeiro dos quatro shows da excursão brasileira, realizado na terça-feira (2). "Homeland" também será o nome de seu décimo álbum, que complementa a ópera "United States 1-4" (1983), espetáculo de oito horas e um dos marcos de sua carreira.

Anderson muda constantemente a formação das bandas que a acompanha no espetáculo "Homeland". No Brasil, a artista será acompanhada pelos músicos Skuli Sverrisson (baixo), Peter Scherer (teclados), Eyvind Kang (viola).

Leia abaixo a entrevista com Laurie Anderson:

UOL - Qual é sua expectativa em relação a esta turnê brasileira?
LAURIE ANDERSON - É a terceira vez que me apresento no Brasil e sei que as pessoas aqui realmente amam música --não apenas fingem que gostam. E isso torna as coisas muito mais divertidas para mim. Esse meu novo show é baseado em muito texto, e espero que a tradução seja boa, pois as letras das músicas serão exibidas em grandes legendas durante o show. Minha banda é formada por músicos que também são compositores e possuem suas próprias carreiras e grupos. Então me sinto afortunada por trabalhar com eles. Desta vez, apresentarei um tipo peculiar de eletro pop com ênfase em samples.

UOL - O que o público brasileiro pode esperar de seu novo show?
LAURIE ANDERSON - Bem, certamente muitas histórias. Realmente espero que a tradução simultânea seja excelente, caso contrário eu estarei realmente encrencada, pois é muito importante o entendimento das letras das músicas neste meu novo show. Eu gostaria de ter usado legendas até mesmo quando me apresentei em Nova York em julho deste ano, porque é comum deixarmos de entender metade das letras quando vamos a um show ao vivo. Não quis colocar muitas imagens e material multimídia em meu novo show justamente porque o mundo já anda complicado o bastante e dessa forma o público pode se ambientar ao espetáculo como se tudo fosse algo como um sonho.

UOL - "Homeland", o nome de seu novo show, é uma referência à expressão "homeland security" (algo como "segurança da terra-natal"), que se tornou popular após 11 de setembro de 2001 nos EUA. Você acha que os atentados marcam o início das "invasões bárbaras", conforme já foi retratado no cinema?
LAURIE ANDERSON - Acho que, embora parte dos norte-americanos espere a chegada dos bárbaros, eles nunca virão. Tem sido uma época muito infeliz nos EUA, e acredito que felizmente acabará em breve, com a possível eleição de Barack Obama. Neste meu novo trabalho, eu tenho tentado descrever um pouco sobre como é esta situação, que não se restringe aos EUA. É sobre viver em um mundo tecnológico onde tudo está à venda, o que não é privilégio dos habitantes do meu país.

"Homeland" também é sobre ver a vida a partir de duas perspectivas diferentes: por intermédio do amor ou da guerra. São dois filtros diferentes com os quais se pode observar o mundo atualmente.

UOL - Você e Lou Reed são dois artistas muito respeitáveis e estão juntos há bastante tempo, certo? Eventualmente acontece de vocês interferem no trabalho um do outro?
LAURIE ANDERSON - Nos casamos há dois meses, em abril deste ano, mas já estamos juntos há 16 anos. Em seu trabalho, Lou é muito mais direto que eu e eventualmente acontece de ele me ver escrevendo e dizer que não consegue entender exatamente o que eu realmente quero dizer. E eu costumo falar: "Bem, são metáforas e acho muito divertido fazer uso delas". Portanto, posso dizer que temos abordagens muito distintas em relação aos nossos trabalhos e por isso mesmo é muito mais excitante para nós, quando conversamos a respeito do trabalho um do outro. Mas, ao mesmo tempo, é como o trabalho de dois advogados que são casados, pois você não precisa explicar muitas coisas sobre sua vida. Então, se você precisa de muitas horas dentro de um estúdio, a outra pessoa entende perfeitamente. E não rola aquela coisa: "O que você está falando? Você vai ficar fora de casa durante doze horas? (risos)". Portanto, seja qual for o lugar em que seu parceiro esteja, você saberá entender o que ele está fazendo.

UOL - "Homeland" pode ser descrito como um novo volume ou atualização para sua ópera "United States I-IV" (1983), que tinha a duração de oito horas?
LAURIE ANDERSON - De alguma forma, sim. Mas não se trata de um espetáculo multimídia. É mais aproximado a um longo formato musical, pois se baseia em muitas histórias e canções, mas contamos com todo o aparato extra-musical que dispúnhamos naquela época.

UOL - "United States I-IV" promovia reflexões sobre os Estados Unidos em 1983, assim como "Homeland" hoje. Você fecha um ciclo com seu novo trabalho 25 anos depois?
LAURIE ANDERSON - Não, nunca! É algo que está em constante transformação e certamente nunca se acaba. Somente tento capturar esses momentos com meu trabalho porque na semana que vem já será algo completamente diferente. Tento apenas que meu trabalho não se pareça com o noticiário, pois não quero abordar os eventos vigentes. Embora eu esteja interessada no que acontece agora, tento escrever coisas que sejam situações recorrentes e não apenas um retrato do momento presente.

UOL - "United States I-IV" e "Homeland" são trabalhos complementares?
LAURIE ANDERSON - É um pouco a respeito disso. Tecnicamente são trabalhos distintos, mas, em termos de conteúdo, sim, são trabalhos semelhantes, com o objetivo de descrever a vida contemporânea em momentos diferentes. Mas meu negócio não é política, no sentido tradicional do termo. Uso essas referências apenas para contar histórias. Não digo às pessoas como elas devem proceder, mesmo porque eu própria nem sei. Veja bem: quando as pessoas falam que artistas deveriam fazer do mundo um lugar melhor, eu não tenho tanta certeza disso porque você precisa se perguntar: "Melhor para quem? Para os artistas? Para o público? Do que você está falando?". Então, na condição de artista, eu apenas tento descrever as coisas e não como consertá-las. Eu sequer tento dizer o que é certo ou errado. É apenas uma descrição e é isso. É assim que a coisa funciona.

UOL - Na canção "Only an Expert", há uma afirmação de que nossos problemas são tão complexos que somente especialistas podem lidar com eles, pois só passam a existir quando esses especialistas afirmam a existência desses problemas. Esta canção é uma evidência de uma ditadura velada em níveis nunca vistos com a qual lidamos atualmente em nosso planeta?
LAURIE ANDERSON - Acho que existe toda uma cultura de "especialistas" e assim as pessoas são encorajadas a dependerem delas. De fato, é como se tratassem os adultos como se fossem crianças, pois você precisa de um especialista para então decidir se você realmente possui algum problema de personalidade. Além do mais, isso incentiva as pessoas a não confiarem em si mesmas. Então o que tento dizer nesta canção é: "confie em si mesmo, esqueça os especialistas". Pois você realmente não precisa desses milhares de experts para todos os assuntos e deveria tentar apenas pensar por si próprio -- esteja você certo ou errado. Eu mesma incluo nisso, quando digo se uma coisa está certa ou errada.

UOL - A música "The Underwear Gods" trata da superficialidade das relações humanas, até mesmo em âmbito íntimo?
LAURIE ANDERSON - Não, é uma canção sobre anúncios de comercial, sobre imagens idealizadas da perfeição que algumas pessoas representam em grandes cartazes publicitários. Não falaria em colapso moral, pois não sou uma pessoa ligada à moralidade. De modo geral, acho que as pessoas se comportam muito bem e um fato só vira notícia quando acontece o contrário. E considero que falência moral é algo muito fácil de se dizer, mas atualmente não estamos vivendo a Segunda Guerra Mundial novamente. E se você se voltar ao passado, verá que já passamos por vários momentos difíceis na história. Como não me afeiçôo à moralidade, portanto você não me verá dizendo coisas do tipo: "o mundo está terrivelmente problemático, então me permita mostrar como consertá-lo". Esse não é o meu trabalho. Como artista, meu interesse está em saber como as pessoas contam suas próprias histórias a respeito do mundo -- embora eu não saiba se são verdadeiras ou não.

UOL - Quais são as canções mais notáveis de seu novo trabalho?
LAURIE ANDERSON - Não sou um crítico, mas, na condição de artista, posso dizer que gosto de todas as músicas, pois não tento avaliá-las. As canções que mais me divirto ao tocá-las são as que me dão espaço para maiores improvisações, pois me é muito interessante mudá-las a cada nova apresentação e trabalhar com diferentes tipos de música. Isso é o que me agrada e decidi que, a cada novo show, haveria novas improvisações para diferentes tipos de música. Assim o espetáculo é sempre novo.

UOL - O cidadão comum norte-americano poderia ser descrito pejorativamente como o típico "sujeito grande e covarde que bate em todo mundo"?
LAURIE ANDERSON - Não, o norte-americano mediano não é assim. Talvez um soldado que queira se mostrar o fortão possa ser esse exemplo pejorativo, mas os americanos não são assim de modo geral. Faço uso de muita ironia quando abordo algum desses tipos em meu trabalho, mas não poderia afirmar que isso descreve a maioria.

UOL - Devido ao aprimoramento tecnológico, você acha que é mais fácil trabalhar com artes visuais e projetos multimídia atualmente?
LAURIE ANDERSON - Sim, mas por outro lado é um pouco mais difícil de você encontrar um estilo individual, pois muitas pessoas trabalham com as mesmas mídias ou softwares como Final Cut Pro, Pro-Tools ou GarageBand. Quando todo mundo usa as mesmas ferramentas, é mais difícil realizar algo de original. Mas acredito que, quanto mais as pessoas se familiarizarem com isso, mais elas poderão se aventurar criativamente. Pelo menos, é o que espero.

UOL - Como é ser uma artista que migrou das paradas pop, com a música "O Superman", diretamente para as salas de concerto?
LAURIE ANDERSON - Gosto de todos os tipos de cenas musicais e não considero que uma possa ser melhor que outra, particularmente. Apresentarei esse show com parte de uma grande orquestra na Holanda e acho interessante transitar por entre diferentes universos artísticos, seja música erudita, poesia ou mesmo em ambiente acadêmico. Eu não pertenço a nenhum desses mundos, apenas passo através deles e o perfil multimídia do meu trabalho apenas reforça essa perspectiva.

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ENTREVISTÃO XXXVI: Parceira de Marisa Monte, mexicana Julieta Venegas canta em SP; leia entrevista

2008-10-24T03:54:00.000-07:00

22/08/2008 - 12h49
MARCUS MARÇAL
http://musica.uol.com.br/ultnot/2008/08/22/ult89u9577.jhtm

A cantora e compositora mexicana Julieta Venegas faz seu primeiro show no Brasil em 28 de agosto, no Auditório do Ibirapuera, em São Paulo, para promover seu mais recente álbum, "MTV Unplugged" (2008). É o primeiro disco ao vivo da cantora, que rearranjou suas músicas antigas entremeadas a algumas inéditas em formato acústico.

Venegas falou ao UOL de sua expectativa quanto à apresentação no país. "Nunca fiz show no Brasil e estou muito emocionada de cantar aqui pela primeira vez. Não tenho muita noção de como será essa experiência, mas chego a me imaginar cantando para a platéia brasileira. Além do mais, o auditório do Ibirapuera é um lugar belíssimo", destacou.

"MTV Unplugged" foi lançado em junho de 2008 e tem como destaques canções pop com acento latino, como "Mírame Bien", "De Mis Pasos", "Como Sé", "Algún Dia" e "El Presente", entre outras. Julieta fala da importância deste trabalho para sua carreira. "Foi-me necessário tentar algo diferente para sair da rotina de gravar álbum de estúdio e excursionar na seqüência. E foi muito interessante fazer um disco que ficasse no meio-termo entre um álbum ao vivo e um disco de inéditas. Gostei muito da experiência", avaliou.

Venegas já lançou cinco álbuns, dos quais vendeu mais de quatro milhões de cópias, e ganhou o Grammy latino de melhor álbum pop em 2007, pelo disco "Limón Y Sal" (2006). Mas no Brasil seu trabalho é mais conhecido pela música "Ilusión", composição de sua autoria que teve um trecho vertido ao português pelos brasileiros Marisa Monte e Arnaldo Antunes. A faixa faz parte do disco acústico e Marisa canta passagens da música em nosso idioma.

A cantora mexicana fala da experiência de trabalhar com esses dois artistas brasileiros. "Gostaria muito de cantar novamente com Marisa Monte, pois foi uma experiência muito boa. E ainda conheci o trabalho de Arnaldo por intermédio dela, ao escutar o disco dos Tribalistas. Gostei muito do material solo dele e de Carlinhos Brown. Adoro o trabalho de Arnaldo: sua voz, letras e música... Tudo é muito lindo", elogiou.

Mas a relação da cantora com o Brasil é mais antiga. Julieta Venegas participou do disco "Unplugged MTV" (2006) de Lenine, na música "Miedo", e fez dueto com Otto na canção "Saudade", que faz parte da trilha do filme argentino "Sólo Dios Sabe" (2006). Lenine e Julieta cantarão juntos novamente a música "Miedo" neste show em São Paulo Paulo, segundo a assessoria da artista.

Artista de formação clássica, Venegas toca piano e outros instrumentos em seus shows. "Comecei na música erudita e só depois passei a compor minhas músicas, ao tocar com grupos de rock. E sempre achei que fico muito limitada ao tocar um só instrumento. No entanto, acho interessante poder utilizar vários instrumentos para fazer arranjos e desenvolver idéias diferentes", explicou.

Julieta Venegas declarou que ainda não planeja um novo disco, pois ainda está muito focada na divulgação de "MTV Unplugged". "Primeiramente, eu terminarei a turnê do disco em dezembro. Só depois eu descansarei e aproveitarei para escrever um pouco. Então decidirei se gravarei um álbum novo em 2009 ou irei descansar por mais algum tempo", arrematou.

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ENTREVISTÃO XXXV: O Rappa fala sobre "Sete Vezes", primeiro disco de estúdio desde 2003; assista

2008-10-24T03:52:00.000-07:00

15/08/2008 - 20h02
http://musica.uol.com.br/ultnot/2008/08/15/ult89u9535.jhtm

O Rappa lança seu sétimo disco, "Sete Vezes", o primeiro disco de inéditas da banda desde "O Silêncio que Precede o Esporro" (2003). A banda recebeu a imprensa em um estúdio da zona oeste paulista na última quarta-feira (13) para falar sobre o novo trabalho.

Com o álbum novo, o grupo dá prosseguimento ao rock mestiço com o qual se notabilizou em discos como "O Rappa Mundi" (1996), "Lado B Lado A" (1999), além de "O Silencio que Precede o Esporro".

Durante o bate-papo com o UOL, O Rappa destacou a integração existente entre seus integrantes, um dos fatores para a realização do disco.

O clima descontraído entre os músicos se reflete no alto astral dos temas do disco, que tratam do cotidiano típico de periferia, em linguagem simples e acessível. Músicas como "Meu Santo Tá Cansado", "Verdade de Feirante", "Fininho da Vida" e a releitura para o tema regionalista "Súplica Cearense" estão entre os destaques do álbum.

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ENTREVISTÃO XXXIV: "É legal as pessoas conhecerem nossa música por causa do Nirvana", diz baterista do Melvins

2008-10-24T03:51:00.000-07:00

24/07/2008 - 15h33
MARCUS MARÇAL
http://musica.uol.com.br/ultnot/2008/07/24/ult89u9408.jhtm

O grupo norte-americano Melvins faz sua primeira apresentação no Brasil em 6 de setembro, no festival Orloff Five, no Via Funchal, em São Paulo. A banda liderada por Buzz Osbourne (guitarra e voz) e Dale Crover (bateria e vocais) é uma das atrações do evento, que também conta com apresentações das bandas The Hives (Suécia), Plasticines (França), Vanguart (Brasil) e DJ Tittsworth (EUA).

O Melvins é considerado um dos pioneiros do rock grunge dos anos 90 pela mistura da faceta grotesca do rock pesado do Black Sabbath com a cômica postura punk dos Stooges. Seus integrantes chegaram a ser uma espécie de tutores de Kurt Cobain, líder do Nirvana morto em 1994, quando este ainda tentava montar suas primeiras bandas de rock.

Criado em 1985, o grupo já lançou mais de 20 discos, em quantidade que seus próprios integrantes não sabem precisar devido a infinidade de EPs, álbuns em parcerias com outras bandas e outros artigos em diferentes formatos --não bastasse o Melvins ser um dos poucos grupos do grunge até hoje na ativa.

Nos intervalos de uma passagem de som para um apresentação na cidade de Bend, em Oregon (EUA), o baterista Dale Crover falou ao UOL na noite dessa quarta-feira (23) sobre o show no Brasil, grandes gravadoras e selos independentes, entre outros assuntos.

Leia abaixo a entrevista com Dale Crover, baterista do Melvins:

UOL - Quais são suas expectativas quanto ao show no Brasil? King Buzzo falou alguma coisa sobre a vinda dele ao país com o Fantômas em 2005?
DALE CROVER - Acho que será nossa experiência mais incrível em todos os tempos. Buzz comentou que os brasileiros são muito loucos, mas muito gente fina. Ele me disse que foi muito divertido. Apresentaremos algumas músicas de nosso novo álbum, "Nude With Boots" e material de nossos discos antigos. Sempre tocamos uma ampla variedade de músicas de diferentes épocas da banda.

O roteiro é de basicamente 16 canções e contém uma música de nosso primeiro álbum, temas de "Stag", material do disco "A Senile Animal" e coisas que ninguém nunca ouviu antes. Todos nós gostamos bastante de "Nude With Boots" porque é um álbum novinho em folha. Mas temos orgulho de todos os nossos discos, não temos qualquer tipo de arrependimento a respeito de qualquer um deles.

Com a entrada do baterista Coady Willys e do baixista Jarren Warren, nossa música está mais caótica atualmente. É uma espécie de caos controlado, se é que podemos ter algum controle sobre isso. Com Jarred na banda, agora temos dois vocalistas principais. E definitivamente exploramos um número maior de harmonias vocais em nossos dois últimos álbuns de estúdio.

UOL - Quantos álbuns o Melvins já lançou até hoje?
DALE CROVER - Eu também não faço idéia (risos)! Parei de contar por algum tempo, pois até para nós mesmos é difícil acompanhar. Podemos dizer que provavelmente há um álbum para cada ano que estamos na ativa, fora compilações, EPs, discos de sete polegadas, livros e todo tipo de coisas estranhas que você pode contabilizar ou não.

UOL - Ao contrário de várias bandas relacionadas ao grunge e a antiga gravadora Sub Pop, o Melvins praticamente ignorou o elemento pop na estrutura de suas músicas. Seria essa uma das razões para vocês estarem na ativa até hoje, lançando álbuns regularmente?
DALE CROVER - Não necessariamente, mas também não saberia dizer exatamente qual é a razão. Somos uma banda muito focada no trabalho duro e musicalmente somos muito motivados --Buzz especialmente. Ele não aprecia a idéia de parar de trabalhar e gosta de sempre seguir adiante, em vez de sentar e esperar... E realmente não podemos nos dar a esse luxo, o Melvins não é uma banda que vende milhões de discos. Até vendemos certa quantidade de discos a cada lançamento, mas precisamos continuar trabalhando para pagar as contas.

UOL - Como você destaca sua amizade e parceria musical de longa data com Buzz Osbourne?
DALE CROVER - Buzz é um cara muito focado, tem muita energia e, se não fosse ele, o Melvins não existiria. Também o considero um guitarrista, cantor e compositor muito subestimado. Acho que ele está no topo em seu campo de atuação, acima de todos os esquisitos. Seu trabalho é sub-apreciado, mas ele é a força principal da banda e é a razão principal de eu estar no Melvins, pois sua música é sempre desafiadora e, principalmente, muito divertida.

UOL - Grunge foi uma cena criada pela indústria musical ou foi algo real incorporado a um cenário idealizado?
DALE CROVER - Na verdade, o grunge foi uma coisa anterior que só aconteceu depois. Originalmente, o apelo daquela área em Seattle dizia respeito a algumas poucas bandas, que estavam enredadas em uma mesma cena musical, mas com diferentes estilos. Esse foi um dos apelos que me levaram a integrar uma banda, ao descobrir essa cena musical que não era conectada à indústria. Quero dizer, havia bandas com perfil quase country, assim como outras soavam brutalmente como heavy metal. Não sei como, mas as pessoas sempre dão um jeito de rotular essas coisas. Mas o que havia de interessante é que diferentes estilos se conectavam em uma coisa só e, de alguma, se perderam pelo caminho. Mas não acho que sejamos conectados às bandas que se tornaram populares e representaram essa categoria. Estávamos à margem disso e fazíamos nossa própria coisa. Mas como éramos daquela área e as bandas de nossos amigos sempre nos mencionavam, acabamos catálogos dentro do grunge, apesar de nunca realmente termos nos sentido parte disso.

Certamente, isso ajudou ao Melvins obter popularidade, então não é uma coisa ruim, pois as pessoas ainda descobrem as particularidades de nosso trabalho em relação ao grunge rock. E acontece até hoje de as pessoas nos conhecerem devido a Kurt Cobain, grunge e seu próprio interesse pela história da música. E isso é demais, pois também somos fãs de música e gostamos de descobrir as raízes musicais e de onde algumas coisas surgiram. É legal saber que os jovens se ligam na música, desejam saber mais sobre de onde ela vem e acabam conhecendo o Melvins. Para nós, isso é bacana, pois talvez sejamos a última daquelas bandas a se manter na ativa até hoje sem interrupção.

Não temos qualquer tipo de arrependimento, quanto a dinheiro ou venda de discos. A maioria daquelas bandas que alcançaram sucesso com o grunge sequer faz discos hoje em dia e nós continuamos. Só não tenho certeza sobre as razões disso.

UOL - Como foi trabalhar com Nirvana e Kurt Cobain, que foi o produtor de "Houdini" (1993)?
DALE CROVER - Não sei se, naquela época, ele tinha alguma noção do que fazia. Ele nos ajudou mais ou menos por algum tempo, mas, infelizmente, seu vício em drogas acabou com ele. Gravei umas demos com o Nirvana, quando eles batalhavam por um contrato e precisavam de um baterista. E eu sempre gostei de tocar com Kurt, nos divertimos bastante e é muito ruim pensar que a situação em que estava o levou à morte, pois não acredito que ele tenha realizado plenamente seu potencial musical -- e isso é algo que a maioria das pessoas sequer pensa a respeito. Sim, ele deixou algumas canções que muita gente gosta, mas provavelmente ainda conheceríamos material ainda melhor composto por ele. Mas isso, nós nunca veremos e ninguém poderá ter idéia do que ele estaria fazendo hoje em dia. Ele era fã de todo tipo de música, assim como nós, e gosto de pensar que poderíamos ter voltado a tocar música juntos em algum momento no futuro. Isso poderia ser infindável, mas infelizmente chegou a um fim. É uma história triste.

UOL - Melvins é a banda que melhor entendeu a faceta grotesca do Black Sabbath, uma de suas principais influências. Você concorda que o senso de humor original do grupo se perdeu no misticismo e demonologia geralmente relacionados ao heavy metal?
DALE CROVER - Sim, certamente. A maioria do pessoal do metal não tem o menor senso de humor. E de modo geral apreciamos o trabalho de bandas que tenham algum componente bem humorado em seu trabalho. Ontem mesmo assisti a um documentário sobre o Who e me dei conta que sempre me interesso por esse tipo de apelo. Pois apesar de serem músicos incríveis, eles não se levam tão a sério. Admiro essa postura. A maioria das bandas se leva a sério demais e não possui senso de humor, o que as torna cheias de si e enfadonhas.

UOL - Nos anos 90, o Melvins lançou três álbuns pela Atlantic Records, "Houdini" (1993), "Stoner Witch" (1994) e "Stag" (1996), que pouco diferem de seus lançamentos independentes. Como foi para uma banda atípica como o Melvins lançar discos por uma grande gravadora?
DALE CROVER - Ninguém ficou mais surpreso do que nós mesmos. Obviamente nosso contrato vigorou enquanto as bandas de Seattle eram populares na esteira do sucesso do Nirvana. Mas estarmos em um selo desse porte nos possibilitou um maior orçamento para a gravação e produção de nossos discos em estúdios bacanas. E temos bastante orgulho desses álbuns, apesar de "Stag" ser o meu preferido. Acredito que, mesmo nesses álbuns, exista um elemento pop que possivelmente tornaria uma de suas faixas um sucesso. No entanto, a maioria das pessoas --especialmente as que trabalham em grandes gravadoras-- teve de se esforçar bastante para entender o tipo de banda que somos. Essas pessoas gostam de categorizar as coisas relacionadas à música, mas não somos uma típica banda de heavy metal, punk ou pop --apesar desses elementos serem parte de nosso som. Nossas influências musicais são bastante amplas e todas essas referências estão incorporadas em nossa banda. Nunca nos restringimos a um tipo de música e não seria possível nos categorizar, pois temos nosso próprio estilo. Agora, que estilo é esse? Eu não faço idéia. É do Melvins (rindo)!

UOL - Desde a associação à gravadora Ipecap Recordings no final dos anos 90, o Melvins nunca lançou tantos discos. É a gravadora que melhor se conecta aos ideais artísticos da banda?
DALE CROVER - Acho que sim, pois o pessoal do selo trata as bandas de forma muito justa. Em se tratando de contrato assinado, eles têm o que melhor funciona para nós. Se fôssemos assinar com uma grande gravadora hoje em dia que tivesse interesse em nosso catálogo anterior, ela estaria licenciada a relançar o material, pois nós somos os detentores das gravações. Não quero dizer que isso é o que faríamos, pois gostamos do pessoal da Ipecap e eles fazem um bom trabalho com nosso material. Mas se o selo fosse comprado por uma gravadora maior, não haveria nada nosso a ser comprado, pois a Ipecap não detém gravação alguma nossa, apenas tem o direito de lançar nossos discos, então está tudo OK.

Outra coisa bacana é que o Melvins e o pessoal da Ipecap possuem o mesmo tipo de formação. A postura com que também trabalhamos desde o início está ligada ao punk rock e, em minha opinião, eles provavelmente entendem nossa banda melhor do que qualquer outro selo ao qual já estivemos associados.

Alguns selos independentes com quem trabalhamos também foram bacanas, mas não relançam nossos discos antigos. Um deles é a Boner Records, que lançou vários de nossos primeiros discos. Outro exemplo é do Amphetamine Reptile que, apesar de ainda estar no ramo de alguma forma, hoje não é hoje um selo, funcionalmente falando.

O pessoal da Ipecap Recordings é sensacional, não importa o que você faça. É uma relação de trabalho bastante confortável e não há muita gente que trabalha no selo. Assim, fica fácil ligarmos para saber como andam as coisas. Além do mais, não questionam a respeito de nada.

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ENTREVISTÃO XXXIII: Cansei de Ser Sexy lança o álbum "Donkey" gratuitamente na Internet; leia entrevista

2008-10-24T03:49:00.000-07:00

15/07/2008 - 17h53
MARCUS MARÇAL
http://musica.uol.com.br/ultnot/2008/07/15/ult89u9366.jhtm

"Donkey", o segundo disco da banda Cansei de Ser Sexy chega às lojas brasileiras em 25 de julho e poderá ser baixado gratuitamente no mesmo dia no site do Álbum Virtual, projeto da gravadora Trama, que lançou o primeiro álbum da banda. Os internautas poderão baixar o disco por tempo limitado, com encarte e capa inclusive.

Criado em 2003 em São Paulo, o CSS é a banda brasileira de maior notoriedade no exterior atualmente. O grupo é composto por Adriano Cintra (baixo e voz), Carolina Parra (guitarra, teclado e vocais de apoio), Lovefoxxx (voz), Luiza Sá (guitarra, cowbell e teclado) e Ana Rezende (teclado e guitarra) e faz pop-rock com boas melodias.

Em entrevista realizada nesta terça-feira (15), Ana Resende falou ao UOL, de Londres, sobre o lançamento do grupo. "A Trama lançou nosso primeiro disco em 2005 e temos uma relação muito boa com o selo. Mas o lançamento de 'Donkey' pelo álbum virtual foi um acordo da Trama com a Sub Pop, responsável pelo lançamento do disco (no mercado internacional). A parte burocrática desses trâmites vai além de nossa vontade, mas foi desejo nosso lançarmos o disco dessa forma aí no Brasil", declarou.

"Donkey", em português, quer dizer "burro" e reflete o estado de espírito do quinteto desde a repercussão de seu trabalho no exterior, marcado pela jornada cansativa de turnê por diferentes países e o desligamento litigioso do ex-empresário. Mas a tensão na dinâmica interna provocou bom resultados no novo álbum, que tem boa orientação roqueira.

Segundo a guitarrista, o título não é um ataque direto ao ex-empresário, ao contrário do noticiado em publicações estrangeiras. Mas parte das letras se refere às turbulências pelas quais o grupo passou durante o período. "Não daríamos tanta importância assim a ele. O nome do disco é uma brincadeira nossa com uma amiga de Londres que tem o hábito de traduzir expressões idiomáticas do português diretamente para o inglês. Mas é o tipo de nome que todo mundo pode entender da forma que quiser. O disco reflete nosso estado de espírito nesse período, mas já superamos tudo e continuamos mais unidos depois de tudo o que passamos", declarou

Antes da gravação de "Donkey", o Cansei de Ser Sexy também sofreu baixa com a saída da baixista Ira Trevisan, que decidiu se dedicar à moda. O grupo se rearranjou internamente: recrutou o baterista Jon Harper para os shows e Adriano assumiu o posto da baixista. A guitarrista fala das mudanças na formação do grupo. "A saída de Ira foi tranqüila. A decisão já havia sido tomada há muito tempo, mas estávamos em turnê e seria difícil fazer as devidas mudanças no meio da excursão. Jon se adaptou ao nosso som, mas é apenas um músico contratado. Não chegou a gravar o disco conosco", disse.

O apelo pop e eletrônico de sua estréia homônima em disco (2005) também dá as caras em "Donkey" e Rezende destaca as diferenças entre os dois trabalhos. "Hoje nossas letras estão mais pessoais do que em nosso primeiro disco e isso pode soar mais sério para alguns. Mas nossa música continua divertida, pois isso faz parte de nossa natureza. No entanto, é um trabalho bastante diferente. Não poderíamos nos repetir, afinal vivemos momentos distintos na elaboração dos dois discos", disse.

"Donkey" é fiel ao som do CSS ao vivo
Rezende afirmou que o primeiro disco CSS tem maior inclinação eletrônica e é mais um experimento de estúdio, pois o grupo não achava que poderia apresentá-lo devidamente em razão da "deficiência de infra-estrutura das casas de pequeno porte para shows de rock no Brasil". A pegada roqueira do CSS surgiu naturalmente com a adaptação do repertório do disco para os shows. E essa sonoridade é mais próxima do material de "Donkey", trabalho concebido para ser apresentado ao vivo.

CSS teve uma rápida ascensão no cenário musical. Apesar da limitação de seus músicos em seus devidos instrumentos no início de carreira, seus shows causaram burburinho na cena paulistana, o que rendeu convite para uma apresentação no Tim Festival em 2004 --época em que a banda virou coisa séria para seus integrantes, segundo a guitarrista.

Ana Rezende dá seu parecer sobre a boa repercussão internacional que a banda desfruta atualmente. "Nossa música fala por si, apesar de o hype criado em torno de nós ter sugerido o contrário. Aqui também rola o boca-a-boca, as músicas tocam no rádio, mas isso acontece devido a fatores artísticos. Sempre demos atenção especial aos nossos shows, as músicas são boas e ficamos dois anos tocando. Aconteceu porque nos dedicamos a fazer as coisas. Temos um senso de humor, mas nos levamos a sério e nos estruturamos como banda desde nossa apresentação no Tim Festival", avalia.

A associação do CSS com a gravadora Sub Pop em 2006 assegurou as conquistas do CSS no exterior. O selo lançou bandas clássicas do cenário roqueiro como Nirvana, Mudhoney e Smashing Pumpkins, entre outras, embora hoje não desfrute da independência plena desde sua afiliação a Warner Music.

Ana Rezende destaca as vantagens obtidas com o contrato com a Sub Pop. "Gostamos de trabalhar com o selo, pois eles respeitam as vontades da banda e não interferem no trabalho de seus contratados. Sempre trabalhamos sozinhos e eles nunca foram ao estúdio ver como trabalhávamos, tanto é que enviamos o disco finalizado ao selo. Há um ambiente muito bom, pois respeitam o espaço criativo das bandas. Acho que não existe hoje selo relevante que não seja subsidiário, pois a Warner, Sony/BMG e Emi dominam o mercado. Mas a Sub Pop ainda anda pelas próprias pernas, pois seus donos detêm 51% do selo e por isso ainda hoje lança bandas que vendem apenas 100 discos, por exemplo. Não somos uma mega banda, nosso perfil é o que chamam de alternativo, mas o bom de estar na Europa é podermos viver de música. Nunca imaginamos que faríamos turnês em lugares tão legais", concluiu.

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ENTREVISTÃO XXXII: "O Trovador Solitário" demonstra boa fase do compositor Renato Russo, diz pesquisador

2008-10-24T03:48:00.000-07:00

14/07/2008 - 14h06
MARCUS MARÇAL
http://musica.uol.com.br/ultnot/2008/07/14/ult89u9353.jhtm

Registros inéditos de Renato Russo chegam às lojas com o lançamento do álbum "O Trovador Solitário". O disco é uma iniciativa do produtor e pesquisador musical Marcelo Fróes, que compilou material gravado por Russo em 1982, aos 22 anos, de forma artesanal, em sua casa, em Brasília, antes de criar a Legião Urbana, no ano seguinte.

"O Trovador Solitário" foi a alcunha com a qual Russo passou a se autodemoninar após o fim de sua primeira banda, o Aborto Elétrico. Antes de formar a Legião Urbana, banda com a qual se notabilizaria anos depois como uma das principais personalidades do rock no Brasil, o cantor fez apresentações solo em Brasília e este CD documenta esse período na trajetória do artista.

O CD é um lançamento do selo Discobertas, com distribuição da gravadora Coqueiro Verde, e contém onze faixas que se tornariam clássicos da música pop brasileira como "Faroeste Caboclo", "Eduardo e Mônica", "Eu Sei", conhecida na época como "18 e 21", entre outras versões embrionárias.

Os registros foram feitos originalmente em um gravador portátil, mas o áudio foi remasterizado para este lançamento em CD. Uma das faixas, "Boomerang Blues", já foi lançada no álbum "Renato Russo Presente" (2003), composição de Renato, que aparece em uma versão finalizada com a participação de integrantes do grupo Blues Etílicos em 2003. "O Trovador Solitário" também apresenta um dueto de Renato Russo e Cida Moreira, em "Summertime", clássico dos anos 30 composto por Du Bose e os irmãos George e Ira Gershwin.

Impasse quanto ao espólio da Legião Urbana
Marcelo Froés falou em entrevista ao UOL sobre o lançamento, por email, com autorização da família de Russo. E destacou que o material talvez demonstre a sua melhor fase como compositor, pois "compunha instintivamente" durante o período. Froés também falou sobre o desentendimento entre os ex-integrantes da Legião Urbana e os detentores do espólio do cantor, polêmica originada com o lançamento do disco "As Quatro Estações Ao Vivo", segundo o produtor material que o próprio Renato vetara o lançamento em 1990.

"Houve muita movimentação por parte dos sobreviventes, para que a família abrisse mão do que era de Renato já em vida. O descontentamento gerou ressentimento e infelizmente o distanciamento mostra que a gravadora também teve muita culpa nisso", declarou. Froés também destaca que a família não moveu processo, mas não aceita o lançamento do disco "As Quatro Estações Ao Vivo" (2004). Segundo o produtor, trata-se de um disco "fake, com instrumentos regravados quinze anos depois, como se soube só depois, e com as falas de Renato limadas da edição", conforme enfatizou na entrevista.

Por outro lado, o ex-guitarrista da Legião Urbana, Dado Villa-Lobos desmente as afirmações de Froés e declarou que esse foi o último disco do grupo. "O trabalho da Legião Urbana sempre foi pautado pelo respeito entre seus integrantes e as questões artísticas do grupo são fechadas", declarou.

Villa-Lobos hoje segue em carreira solo e afirma não entender o julgamento de Froés. Quanto aos procedimentos na produção do disco ao vivo, o músico desmente a versão do produtor. "Nós conhecíamos muito bem o Renato e editamos apenas comentários duvidosos que poderiam ser mal-interpretados a fim de preservar sua imagem. Temos a absoluta certeza de que ele estaria de acordo com os procedimentos-padrão que adotamos na produção do disco. Tínhamos muito respeito entre nós", critica.

Hoje, Villa-Lobos está envolvido com outros projetos musicais e prefere não mais se manifestar sobre o assunto. "O Renato agora está lindo lá no céu e esse é o tipo de projeto que eu prefiro não me envolver. Infelizmente, é um assunto muito chato, pois minha vida seguiu em frente e estou envolvido com outros projetos", disse.

Desde a morte de Russo em 1996, sete discos e dois vídeos póstumos ("Legião Urbana - Acústico MTV", lançado em homevideo em 1999 e "Renato Russo - Entrevistas MTV, de 2007") já foram lançados -- tanto trabalhos solos ou com a Legião Urbana.

Veja entrevista abaixo com o produtor e pesquisador Marcelo Froés:

UOL - O que constitui o material compilado em "O Trovador Solitário"? São gravações reunidas aleatoriamente ou fazem parte, especificamente, de determinadas sessões de estúdio realizadas por Russo antes de formar a Legião?
Marcelo Fróes - O material principal do CD é a fita demo gravada por Renato Russo em 1982, fase em que se auto-intitulava "O Trovador Solitário". Desde o fim do Aborto Elétrico em dezembro de 1980, ele vinha compondo e fazendo shows acústicos sozinho. Os amigos lhe pediam que gravasse as canções, então ele entrou no quarto com um gravador e registrou as demos de nove canções - dentre as quais as longas "Eduardo e Mônica" e "Faroeste Caboclo". Estas nove faixas compõem o material principal do CD, que traz também, como faixas bônus, primeiramente a demo original de "Que País é Este" (composta em 1978); e uma gravação ao vivo de "Summertime" com a amiga cantora Cida Moreira, registrada num show informal no verão de 1984. O CD documenta, portanto, aquela fase pré-histórica do cantor e compositor, antes do estouro da Legião Urbana (1983-1996).

UOL - Qual é o valor histórico das gravações compiladas em "O Trovador Solitário"?
Fróes - Mostrar que, antes mesmo de formar sua segunda banda, Renato já compunha e finalizava clássicos que o mercado fonográfico e a mídia só viriam a conhecer quatro ou cinco anos depois. Para fãs, colecionadores e historiadores da música brasileira, alvo dos lançamentos do selo Discobertas, em parceria com a gravadora Coqueiro Verde, é um grande presente. Além disso, esta fita é histórica; foi uma cópia dela que Herbert Vianna levou para a direção de sua gravadora, que se interessou pelo jovem cantor e compositor folk sem saber que ele estava formando uma banda de rock.

UOL - Russo tinha noção do valor de suas músicas já nessa época?
Fróes - Ele já era uma lenda entre os amigos de geração em Brasília. Suas canções já eram conhecidas da turma. Renato registrava bem suas letras, em cadernos e em papéis datilografados, datados e assinados.

UOL - Vocês pensaram na possibilidade de incluir material solo de Russo, aos moldes voz e violão, posteriores a criação da Legião Urbana como versões embrionárias ou coisas do tipo?
Fróes - É possível, mas isso até já foi feito. O próprio Renato incluiu coisas solo suas em discos da Legião. "Eduardo e Mônica" é praticamente uma versão solo sua, no disco "Dois" de 1986. Depois, mais tarde, quando montou o disco "A Tempestade", ele mandou incluir uma demo solo sua de "1º de Julho", gravada com o produtor Carlos Trilha durante as sessões de seu primeiro álbum solo em 1994. Por fim, no lançamento do CD póstumo "Uma Outra Estação", foram incluídas novas demos solo de Renato para "Marcianos Invadem a Terra" e "Dado Viciado", gravadas só por ele no estúdio da gravadora ainda nos anos 80.

UOL - O material composto na fase "trovador solitário" de Russo demonstra seu amadurecimento definitivo como compositor?
Fróes - Talvez demonstre sua melhor fase, aquela em que ele efetivamente compunha instintivamente. Muitas das canções dos discos da Legião Urbana nasciam de jams intermináveis, montadas em estúdio. Criavam-se harmonias ao longo de meses e só no final Renato vinha com a melodia e com a letra, na hora de adicionar o vocal. "Índios" nasceu assim, e "Sagrado Coração" é o exemplo de uma canção que ninguém jamais poderá cantar. O disco "Uma Outra Estação" traz apenas sua harmonia, uma base sem a melodia da voz de Renato. A letra até está lá, mas ninguém sabe como seria a melodia. Ele nunca colocou voz.

UOL - Antes de morrer, Russo deixou instruções sobre como deveria ser trabalhado seu material póstumo? Ou chegou a conceber, em algum momento, a possibilidade de litígio entre os detentores de seu espólio e os ex-integrantes da Legião Urbana?
Fróes - Renato não deixou instruções específicas, mas a família de todo modo apenas administrou a situação que recebeu. Ele sabia das sobras e, como conhecedor das lendas do mundo pop, e sabedor de sua grandeza, como ícone de uma geração e como grande vendedor de discos, tinha certeza de que as coisas seriam aproveitadas um dia. Ele tinha muitas gravações guardadas em casa e, como passava boa parte do seu tempo em casa, teve tempo de destruir o que não desejava que alguém viesse a conhecer. Quanto à possibilidade de litígio com ex-integrantes da banda, ela já existia e disso os amigos próximos sabiam. Quando Renato registrou a marca Legião Urbana para si no INPI ainda nos anos 80, vendo a briga que rolava na justiça por nomes como Pink Floyd, ele sabia que um dia poderia ter aborrecimento. Mas, de qualquer forma, todos os membros da banda tinham um mesmo empresário e um mesmo advogado e supõe-se que os assuntos da banda fossem pacíficos. Mas não eram.

UOL - Se Russo não chegou a se manifestar quanto a essa possibilidade, como você acha que seria sua opinião a respeito do desentendimento entre a família do cantor e os ex-integrantes da Legião Urbana?
Fróes - Não faço idéia, mas tudo aconteceu simplesmente porque a família recebeu uma situação para administrar e seguiu à risca, principalmente por haver interesse de menor em jogo à época. Ninguém podia sequer transigir. Houve muita movimentação por parte dos sobreviventes, para que a família abrisse mão do que era de Renato já em vida. O descontentamento gerou ressentimento e infelizmente o distanciamento mostra que a gravadora também teve muita culpa nisso. É verdade que Renato sempre bateu de frente com a direção da companhia, mas de qualquer forma as diretorias que passaram por lá depois de sua morte nunca souberam conduzir a situação com imparcialidade, chegando ao cúmulo de tomar partido e de lançar um disco não autorizado em 2004, tudo porque ano após ano a gravadora dependia das vendagens de Renato e de sua banda para fechar suas contas e garantir o emprego dos diretores. Desde então, o assunto Legião Urbana ficou em suspenso e a família ainda aguarda uma postura mais madura da parte de cada um dos que precisam explorar comercialmente o legado da banda, para voltar a tratar daquela realidade que a morte de Renato Russo tornou irreversível. A grande verdade é que nunca mais nada da banda poderá sair, a não ser que efetivamente autorizado por todas as partes interessadas. A família não moveu processo, mas até hoje não aceita aquele lançamento pirata de 2004, quando foi lançado um disco ao vivo que o próprio Renato vetara em 1990. Principalmente porque é um produto fake, com instrumentos regravados quinze anos depois, como se soube só depois, e com as falas de Renato limadas da edição --fruto de uma época em que ainda havia muita arrogância e vaidade no mercado. Hoje espero que estejamos na era da imparcialidade e da transparência.

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ENTREVISTÃO XXXI: "Não nos confundam com a nostalgia do rock nacional, me dá asco", diz Dinho, do Capital Inicial

2008-10-24T03:45:00.000-07:00

11/07/2008 - 10h41
MARCUS MARÇAL
http://musica.uol.com.br/ultnot/2008/07/11/ult89u9343.jhtm

O grupo Capital Inicial lança neste mês o CD/DVD "Multishow ao Vivo", gravado ao vivo em 21 de abril deste ano, em grande evento que reuniu 200 mil pessoas na Esplanada dos Ministérios, em Brasília. A capital federal é terra natal do quarteto formado atualmente por Dinho Ouro Preto (vocal) Yves Passarell (guitarra), Fê Lemos (bateria) e Flávio Lemos (baixo). O material chega às lojas pela Sony BMG e conta com 17 faixas na versão CD e 23 no DVD.

Este é o terceiro registro ao vivo da banda criada em 1982 pelos irmãos Fê e Flávio Lemos após o fim do Aborto Elétrico, grupo seminal da cena brasiliense do final dos anos 70 e início dos 80, liderado por um Renato Russo (1960-1996) ainda adolescente, antes de formar a Legião Urbana. Os demais discos ao vivo do grupo são "Capital Inicial ao Vivo" (1996) e "Acústico MTV: Capital Inicial" (2000), que renovou o público da banda após a reunião de sua formação clássica em 1998.

Segundo o vocalista Dinho Ouro Preto, o disco novo registra fielmente o Capital Inicial ao vivo, conforme falou ao UOL. "Conheço esses caras há 30 anos, tocamos juntos há 25 e hoje nossa convivência é mais tranqüila. Somos uma banda de estrada e fatalmente haveríamos de gravar disco ao vivo algum dia, pois não havia registro de nossas turnês. Então, quando nos consultaram para a gravação deste álbum no início do ano, concluímos que seria possível e era o momento ideal de fazê-lo. Documentamos uma apresentação em arena e, particularmente, gosto muito do perfil grandioso de um show de rock", declarou.

"Multishow ao Vivo" reúne material recente da banda e alguns de seus maiores sucessos, como "Independência", "Fogo" e temas do Aborto Elétrico, imprescindíveis em suas apresentações. "Esse foi o ponto-chave da gravação", afirmou Dinho sobre a mistura. "Demoramos a lançar material com este perfil, pois muitos de nossos contemporâneos lançavam trabalhos ao vivo com material antigo, o que evitávamos gravar, pois não queríamos ser confundidos com essa tendência nostálgica. Várias bandas e artistas participavam de tributos e isso me dava um certo asco, pois tenho 44 anos e ainda me considero muito jovem para homenagear a mim mesmo", declarou.

Com mais de 25 anos de carreira e mais de 12 álbuns lançados com o grupo, o cantor destacou a dificuldade na seleção do repertório para o disco. "O problema é que temos muitas músicas e não poderíamos usar todos os nossos sucessos, como 'Belos e Malditos' e 'Mickey Mouse em Moscou', que tiveram de sair do roteiro, entre outros. Foi difícil montar o repertório, e mesmo alguns singles de 98 para cá ficaram de fora. A idéia era só gravarmos músicas novas e apenas um bis com material antigo. Mas seríamos linchados se deixássemos de fora as canções imprescindíveis em nossos shows", explica.

Inéditas
Duas canções novas fazem parte do disco: "Passos Falsos" e "Dançando com a Lua". Segundo o cantor, a primeira foi composta ao violão e tem um bom riff de guitarra aos moldes de "A Sua Maneira", releitura de "De Musica Ligera", hit do grupo argentino Soda Stereo, e um dos sucessos recentes do grupo.

"Dançando com a Lua" teve o nome inspirado em "Dancing With Myself", hit de Billy Idol, e foi composta pelo vocalista em parceria com Alvin L. "É uma música que trata de um tema batido --abandono, desejo de extravasar-- de forma pouco ortodoxa", contou Ouro Preto. "Acho que é possível escrever sobre essas coisas sem ser banal e isso me lembra muito a minha adolescência quando eu pogava ou dançava até suar para esquecer os problemas, como uma forma de extravasar".

O vocalista afirma que, para se manter viva no decorrer dos anos, uma banda precisa de discos novos e platéias renovadas, se não passa a viver de nostalgia. E desde a volta, o Capital Inicial passa por uma fase bastante produtiva e já lançou quatro discos de inéditas: "Atrás dos Olhos" (1998), "Rosas e Vinho Tinto" (2002), "Gigante" (2004) e "Eu Nunca Disse Adeus" (2007). Também remontou ao punk rock de sua iniciação musical no disco "MTV Especial: Aborto Elétrico" (2005).

Segundo Ouro Preto, os lançamentos revigoraram a popularidade do Capital Inicial. "Nossos discos mais recentes estão diretamente relacionados a nossa longevidade. Um exemplo oposto a isso acontece com o pessoal da jovem guarda, que vive de nostalgia se comparado aos tropicalistas, que nunca deixaram de lançar material novo. E adotamos essa opção para a banda, pois nós continuamos a gravar discos. Assim, as músicas novas tocam no rádio, a molecada nos conhece e nosso público se renova", avalia.

Tributo ao rock de Brasília
Junto à Legião Urbana e Plebe Rude, o Capital Inicial foi uma das principais bandas do rock brasiliense oitentista. O início de carreira foi influenciado pelo punk, mas os registros da primeira fase da banda, até a saída de Dinho em 1993, sempre demonstraram forte ligação com a música pop. No entanto, diferentemente da maioria de seus contemporâneos, o auge de popularidade do grupo aconteceu somente após a reunião de sua formação clássica em 1998.

Em "Multishow ao Vivo" o grupo presta tributo ao rock de Brasília e homenageia nomes locais como Aborto Elétrico, Legião Urbana, Cássia Eller e Raimundos, com releituras de canções como "Fátima", "Música Urbana", "Por Enquanto", "Mulher de Fases", entre outras.

Para o cantor, essa foi a principal razão do disco ter sido gravado em Brasília. "Em relação aos covers, optamos por fazer um tributo à cidade e por isso o disco foi gravado lá. A cidade tem suas peculiaridades e isso se refletiu nas sonoridades das bandas locais. Isso nos ficou muito evidente nos primeiros shows do Capital Inicial em outros estados. Por exemplo, a cena paulista era muito fragmentada em várias dissidências, mas havia unidade na cena brasiliense. Éramos amigos, todo mundo tocava junto e essa unidade é característica do rock de Brasília. Guardadas as devidas proporções, o rock de Brasília é o equivalente da Tropicália na Bahia e do Clube da Esquina em Minas, no sentido da representatividade de uma cidade ou lugar", avaliou.

Para Ouro Preto, o público atual do Capital Inicial é formado por jovens que conheceram a banda em seus discos mais recentes. "O Capital Inicial se mantém fiel ao que faz e a conseqüência disso é a renovação de nosso público. Uma vez criada uma identidade, é mais digno você ser fiel a si mesmo do que propriamente embarcar em modismos. E o Capital Inicial se manteve fiel a sua simplicidade, com letras despretensiosas e de fácil compreensão. Somos fiéis a nossa identidade e temos noção de que nossa platéia muda, pois sempre se renova", afirmou.

Dinho Ouro Preto ficou de fora do Capital entre 1993 e 98, quando foi substituído pelo cantor Murilo Lima, e por isso prefere não comparar o novo disco com "Capital Inicial ao Vivo" (1996). "Como não participei do disco, não sou a pessoa mais adequada a falar a respeito, mas considero que o Capital Inicial estava descaracterizado ali. O grunge nos tirou do eixo e não foi à toa que nos separamos nos anos 80, pois acabamos por nos tornar o 'inimigo' que tanto criticávamos na juventude."

Apesar disso, o cantor reconhece a importância de sua saída para o sucesso da banda após a reunião o final dos 90. "Acho que foi bom passarmos por essa pausa, pois eu lancei discos independentes e o Capital Inicial tentou ser mais pesado do que nunca. Esse hiato nos ajudou a entender qual era a identidade da banda e corrigimos nossos desvios de rota quando voltamos a tocar juntos", avaliou.

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ENTREVISTÃO XXX: "Gostaríamos de tocar no Maracanã algum dia", diz Alex González, do grupo mexicano Maná

2008-10-24T03:44:00.000-07:00

03/06/2008 - 19h29
MARCUS MARÇAL
http://musica.uol.com.br/ultnot/2008/06/03/ult89u9141.jhtm

A banda mexicana Maná volta ao Brasil para promover o CD/DVD ao vivo "Arde El Cielo" com apresentações nesta semana em São Paulo (4 e 5), Rio de Janeiro (6) e Porto Alegre (8). O disco resume o melhor da trajetória do grupo latino em disco e foi gravado durante a turnê de promoção do álbum "Amar Es Combatir" (2006), em Porto Rico, no final de março de 2007.

A banda formada por Fher Olvera (vocal), Alex González (bateria), Juan Calleros (baixo) e Sergio Vallín (guitarra) recebeu a imprensa nesta terça-feira (3), no Credicard Hall, em São Paulo para falar de seu novo disco e da excursão pelo país. Em entrevista exclusiva ao UOL, o baterista Alex González declarou que "gostaria que a popularidade do Maná crescesse, para que a banda algum dia possa tocar no Maracanã", entre outros assuntos relacionados à turnê e o novo disco.

O Maná é um dos nomes mais populares do cenário latino de pop rock. Estreou em disco em com "Falta Amor" (1989) e dentre os destaques de sua discografia constam os álbuns "Cuando Los Ángeles Lloren" (1995), "Unplugged MTV" (1999) e "Revolución de Amor" (2002). Também é famosa a parceria do Maná com Carlos Santana no sucesso "Corazon Espinado", presente no disco "Supernatural", lançado pelo guitarrista em 1999.

Leia abaixo os melhores trechos da entrevista com o Maná.

UOL: A excursão é um marco na trajetória do Maná?
Alex González: A excursão de "Amar Es Combatir" foi assistida por mais de dois milhões de pessoas e já batemos muitos recordes que nós mesmos não esperávamos alcançar: como os três shows lotados no Madison Square, em Nova York, ou os quatro no Staples Center, em Los Angeles, entre outros lugares. E obviamente isso nos emociona muito, mas hoje estamos ainda mais sensibilizados, pois gostamos muito do Brasil. E gostaríamos muito que crescesse ainda mais a popularidade de nosso trabalho --como aconteceu em outras partes do mundo, ao ponto de podermos vislumbrar a possibilidade de fazer shows maiores. Quem sabe um dia no Maracanã? Por que não?

UOL: Quais são as expectativas sobre estas apresentações no Brasil?
González: Esta é a quarta ou quinta vez que o Maná vem ao Brasil. Nossas expectativas são muito boas porque já estão esgotados os ingressos dos dois shows de São Paulo e mais o de Porto Alegre --e no Rio, pelo o que sabemos, já foram vendidos quase todos os ingressos. Estamos nos dando conta de que temos muitos fãs, interessados em nossa música, aqui no Brasil.

UOL: Como será o repertório apresentado pela banda nesta excursão brasileira?
González: Tocaremos muitas canções de discos como "Amar és Combatir", além de temas como "Se No Te Hubieras Ido" e outros sucessos antigos. O show tem duração de mais de duas horas e esperamos que muita gente apareça em nossas apresentações.

UOL: O que o álbum "Amar és Combatir" significa para o desenvolvimento da sonoridade do Maná?
González: É um álbum que mostra uma evolução mais notável a partir do CD anterior "Revolución de Amor", que tivemos oportunidade de promovê-lo no Brasil. É um trabalho muito versátil, com grande variedade musical e lírica. É um disco que pelo visto muita gente aprecia.

UOL: Como foi feita a seleção do repertório do CD/DVD "Arde El Cielo"?
González: Foi um pouco complicado, pois não quisemos fazer apenas um álbum duplo com as canções de turnê. Mas, conceitualmente, este trabalho documenta o que foi a turnê de "Amar es Combatir" e inclui alguns sucessos em formato ao vivo.

UOL: Como vocês descrevem os temas inéditos de "Arde El Cielo": "Si No te Hubieras Ido" e a faixa-título?
González: "Si No te Hubieras Ido" é uma versão para uma canção de um grande amigo nosso, chamado Marco Antonio Solís, um grande compositor mexicano. E a banda teve interesse em apresentar essa canção ao estilo Maná. "Arde El Cielo" é um tema inédito, que seria incluída em "Amar És Combatir", mas não entrou no disco.

Mas como a achávamos uma grande canção, decidimos incluí-la neste novo projeto de disco. "Arde El Cielo" foi gravado ao vivo em quatro noites e fomos escolhendo qual eram as melhores versões das músicas. É um registro fiel de nossos shows e não contém overdubs (regravações em estúdio).

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ENTREVISTÃO XXIX: Herbie Hancock e Macy Gray voltam ao Brasil e fazem show gratuito em SP neste domingo

2008-10-24T03:43:00.000-07:00

26/05/2008 - 17h57
MARCUS MARÇAL
http://musica.uol.com.br/ultnot/2008/05/26/ult89u9097.jhtm

O pianista Herbie Hancock e a cantora Macy Gray promovem seus mais recentes lançamentos --"River: The Joni Letters" e "Big" (ambos de 2007), respectivamente-- em turnê brasileira, que será finalizada com apresentações individuais em evento gratuito neste domingo, 1º de junho, no Espaço Villa-Lobos, em São Paulo.

Antes disso, Macy Gray também se apresenta nesta segunda (26) em São Paulo e no Rio de Janeiro na quinta-feira (29), enquanto Hancock toca no Rio de Janeiro nesta terça (27) e depois toca na quarta-feira (28) em São Paulo.

Hancock e Gray receberam a imprensa em uma coletiva realizada nesta segunda (26) no HSBC Brasil, em São Paulo, onde falaram sobre os atuais rumos de suas carreiras e do show gratuito em São Paulo, entre outros assuntos.

A cantora foi elusiva quanto à possibilidade de os artistas se juntarem ao palco. "Minha expectativa é grande, mas não há nada certo. Talvez apresentemos alguma música juntos, pois já falamos alguma coisa a respeito. Herbie é interessante e definitivamente farei um show diferente, não-programado -- o que vai ser demais. Estou muito animada por cantar para muitas pessoas em um evento gratuito, para pessoas de diferentes estilos de vida. O público brasileiro é muito receptivo à música, o pessoal grita e interage bastante."

Gray estreou em disco com "On How Life Is" (199) e sua música é marcada por um acento moderno de r&b. Sua passagem mais recente pelo país foi em 2004, com shows marcados pela sensualidade de sua voz. No entanto, a cantora deu de ombros ao indagada sobre a possibilidade de se apresentar nua como já fez anteriormente. "Eu tirei minhas roupas no Brasil? Não me lembro disso. Isso tem a ver com seu sentimento e você simplesmente se deixa levar devido à interação com a audiência. Pelo menos, essa é a minha desculpa (rindo). Mas não sei o que poderia acontecer no domingo", brinca.

Herbie Hancock tem uma relação ainda mais longa com o Brasil e sua música. Sua mais recente vinda é ao país foi em 2007 e o pianista destaca sua fascinação pela música local desde a primeira visita em 1968, na ocasião de minha lua-de-mel. "Já vim ao Brasil umas sete ou oito vezes, a primeira vez foi há 40 anos. Naquela época, Eumir Deodato soube que estava no Brasil e trouxe Milton com seu violão. Enlouqueci com a beleza de suas harmonias e sensibilidade e foi o começo de uma longa relação com o país e de uma série de gravações no decorrer dos anos. Milton captura o coração do Brasil, assim como Jobim. Aprendi algumas coisas com Milton sobre harmonias, mas o mais importante é sobre sensibilidade e coração. Isso é o que encontro de mais notável na música e no povo brasileiro", destacou.

Hancock é um dos principais responsáveis pela evolução da linguagem do jazz e sempre apontou novas possibilidades artísticas ao gênero em seus mais de 35 discos. Incorporou novas referências ao jazz por meio de efeitos como wah wah e câmara de eco à sonoridade característica do piano elétrico. Nos anos 60, foi integrante do quinteto de Miles Davis, junto a Wayne Shorter (sax tenor), Ron Carter (contrabaixo) e Tony Williams (bateria). Nos anos 70, montou grupos legendários como Headhunters e VSOP, sempre acompanhado por exímios instrumentistas. Nos 80, apadrinhou o trumpetista Wynton Marsalis e trabalhou em diferentes projetos musicais, inclusive a trilha do filme "'Round Midnight", o que lhe valeu um Oscar.

Para um instrumentista sempre ligado a novas formatações do jazz, acostumado a se apresentar para audiências com faixa etária que vária de dez a 70 anos, o artista dá seu parecer sobre os fatores responsáveis por seu rejuvenescimento. "O futuro do jazz é determinado pela iniciação de novas pessoas no gênero. Caso contrário, o gênero envelhece e morre, como acontece conosco. E jazz tem a ver com a liberdade do espírito humano, que é improvisar - não é sobre competição, mas sobre compartilhar idéias. Nos importamos com a música e não estamos nessa por questões financeiras. O jazz tem uma atmosfera muito ampla, enquanto a música pop é muito restrita, pois se repete o mesmo que se faz em disco. Mas com o jazz é justamente o oposto", compara.

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ENTREVISTÃO XXVIII: Max Cavalera diz que sua nova banda com Iggor serve para exorcizar demônios

2008-10-24T03:42:00.000-07:00

20/05/2008 - 16h43
MARCUS MARÇAL
http://musica.uol.com.br/ultnot/2008/05/20/ult89u9074.jhtm

Os irmãos Max e Iggor voltam a tocar juntos profissionalmente com seu novo projeto musical: Cavalera Conspiracy. Os dois se notabilizaram por seus trabalhos com o Sepultura, um dos maiores representantes da música brasileira contemporânea no exterior, e não tocavam juntos publicamente desde dezembro de 1996 -- quando desavenças de ordem profissional junto a Gloria Cavalera, então empresária do Sepultura e mulher de Max, ocasionou a saída do irmão mais velho da antiga banda e um gradativo distanciamento entre eles.

Depois disso, o Sepultura seguiu em frente com novo vocalista, Derrick Green, e Max montou o Soulfly, banda mais voltada à mistura de metal e hardcore, com pitadas de música étnica de diferentes lugares no mundo -- inaugurando um sub-gênero de rock pesado: o world metal, em referência à world music.

Com o Sepultura, Max gravou álbuns clássicos do metal oitentista nacional como "Morbid Visions" (1986) e "Schizophrenia" (1987). Sua linguagem musical evoluiu com a carrreira internacional, chegando à vanguarda do rock pesado com os álbuns "Chaos A.D." (1993) e "Roots" (1996).

Em âmbito musical, a paz entre Max e Iggor se consolidou publicamente em agosto de 2007, ocasião em que o baterista se juntou ao Soulfly no tributo D-Low Memorial, organizado em homenagem a Dana Wells, enteado de Max morto em 1996. Agora o Cavalera Conspiracy se prepara para uma turnê mundial que começa no continente europeu no final deste mês e pode chegar ao Brasil ainda em 2008.

De Phoenix, nos EUA, Max falou ao UOL sobre seu trabalho com CC e da satisfação de voltar a tocar com o irmão depois de mais de dez anos. "Hoje nossa relação é muito boa: nos telefonamos sempre para conversar. Agora a única coisa que falta é fazermos show no Brasil", declarou. Entre outros assuntos, também falou do novo álbum do Soulfly, "Conquer", que será lançado até o fim do ano e, durante a entrevista, Max deixou claro que continua intacto o discurso curto e grosso com o qual se tornou um dos líderes de banda mais carismáticos da história do rock no Brasil.

UOL - Você e Iggor eram a base do som do Sepultura. Como foi voltar a tocar com ele depois de mais de 10 anos?
MAX CAVALERA - Foi legal pra caramba! Tanto é que na próxima semana começaremos uma grande turnê pelo mundo inteiro. Fazer som com o Iggor é uma coisa que vem desde os primórdios, da nossa infância mesmo --pois antes mesmo de começarmos a tocar, nós já pensávamos em fazer uma banda. Foram difíceis os anos em que passamos separados e não queríamos isso, mas aconteceu e agora é bola pra frente. O mais importante é que retomamos a amizade e a irmandade. Hoje nossa relação é muito boa: nos telefonamos sempre para conversar. Agora a única coisa que falta é fazermos show no Brasil -- o que eu espero que role até o final do ano. Tocar com o Soulfly foi legal, mas acho que, principalmente, voltar a tocar com o Iggor no Cavalera Conspiracy é mais legal ainda. Temos uma longa história desde que começamos a tocar e o Sepultura foi uma das primeiras bandas brasileiras a fazer sucesso no mundo inteiro. Então vai ser demais eu e Iggor tocarmos juntos no Brasil. Não vejo a hora! Até mesmo aqui nos EUA e na Europa, muita gente não nos viu tocando juntos porque parte de nossos fãs é formada por gente muito nova ou então é aquela coisa de o pai ter visto, mas o filho não --mas às vezes acontece de três gerações irem ver meu show. E tem muita gente falando nessa turnê, mesmo porque a ansiedade é maior porque nos apresentaremos juntos. Acho que vai ser legal pra caramba, pois nós tocaremos o CD inteiro, além de alguns clássicos do Sepultura

UOL - Quais são as semelhanças e diferenças entre os projetos com os quais você já trabalhou: Sepultura, Nailbomb, Soulfly e Cavalera Conspiracy?
MAX CAVALERA - A meu ver eles são diferentes, pois o Nailbomb rolou em uma época em que eu escutava bastante Fudge Tunnel e umas barulheiras de rock industrial --razão de eu ter criado o projeto. E o Cavalera Conspiracy é diferente também, pois a minha idéia era trazer aquela parte mais danada da nossa música. Acho o "Roots" fora de série, mas não tem nada a ver copiar o disco e nem ficaria legal, pois é um trabalho impossível de se copiar. Então quis fazer uma coisa que fosse legal para mim e para o Iggor, por ser um regresso àquela época de death e thrash metal do "Arise" e até mesmo do Nailbomb, com aquela mistura de metal e hardcore. Já o Cavalera Conspiracy em disco combina perfeitamente metal e punk - que são os gêneros que nós quatro ouvimos mais. E para mim foi legal essa idéia de se fazer um CD mais nessa área mesmo: agressivo, pesado, rápido - e acho que o Iggor também gostou. Ele tocou pra caramba e nem esperava que fossem rolar tantas músicas rápidas, mas acabei convencendo-o no final. Continuo a fazer minhas experiências com metal, que estão presentes até mesmo no novo álbum do Soulfly, que foi gravado no Egito e será lançado no fim do ano. Mas eu fiz mesmo um regresso: começou no "Prophecy" e "Dark Ages" (álbuns do Soulfly de 2004 e 2005, respectivamente) e continua com Cavalera Conspiracy e o Soulfly novo, que se chamará "Conquer". Tudo é voltado a um som mais porrada e pesado, o tipo de música que escuto mesmo no meu dia-a-dia. Eu fico mais velho, mas cada vez mais eu escuto som porrada. O meu tesão na música está aí mesmo, não é nesses lances de moda e de coisas que rolam aqui nos EUA. Simplesmente eu segui meu caminho e, se você pensar direito, vai ver que não é tão diferente do que já fazia na época do Sepultura. Quando estávamos fazendo o "Chaos A.D." era o auge do grunge, o "Arise" (1991) foi no auge do glam metal do Guns N'Roses e o Sepultura sempre continuou à margem e fazendo seu próprio som. E eu gosto de tocar rápido, gosto de gritar e fazer barulho.

UOL - Chegou a ser noticiado que a banda se chamaria "Inflikted". Que tipo de problemas vocês tiveram com o nome da banda?
MAX CAVALERA - Não chegamos a ter problema, quisemos justamente evitá-lo. Daí nem chegamos a batizar a banda. No começo, só havia a idéia da música "Inflikted" e aí falei com o Iggor para chamarmos a banda com esse nome, pois era legal e diferente. Mas ao fazermos uma pesquisa pela Internet, descobrimos muita coisa com esse nome. Existem website, banda e gravadora e, para evitarmos qualquer dor de cabeça, resolvemos escolher outro nome. Aí pensei em outra sugestão que foi o Cavalera Conspiracy. Foi legal pra caramba, o Iggor gostou e acho que tem mais a ver com um projeto nosso. E aí o nome do disco acabou sendo "Inflikted", pois gosto muito do nome, então é mais ou menos as duas coisas.

UOL - As músicas do "Inflikted" poderiam ser resumidas em torno de algum conceito?
MAX CAVALERA - Não tem muito, não! É um pouco diferente do que eu faço no Soulfly, pois as letras são mais loucas, mais suicidas, baseadas em filmes como "Apocalypse Now" e até mesmo coisas do cinema nacional como "Cidade de Deus" ou "Tropa de Elite", coisas desse tipo. Tem um lado disso aí nas coisas mais pesadas. "Nevertrust" tem uma frase que fala mal do Fall Out Boy e dos garotos emo norte-americanos (risos), da mesma forma que fiz no Soulfly, zoando com o Hootie and the Blowfish. Acho que é legal, no lado mais punk da banda. O Iggor gostou pra caramba, falou do encaixe de vocais feito de forma rápida e percussiva. Por isso eu reafirmo que muito é legal voltar a trabalhar com ele, pois era uma coisa que não fazíamos há muito tempo. Acho o Iggor um baterista fora de série e vice-versa, pois ele também disse que se amarra nos meus riffs e letras. Foi até parecido com um lance que rolou aqui nos EUA com esse filme que ganhou o Oscar, o "No Country For Old Men", que foi feito por dois cineastas norte-americanos que também são irmãos. E eles trabalham dessa forma, um elogiando o outro o tempo inteiro e assim fazem a coisa juntos. Eu e o Iggor fazendo o disco foi assim mesmo: com bastante elogio, raça e tesão para fazer um disco muito bom. E é um álbum único pois, por mais que eu tente fazer um nos mesmos moldes, ele não vai sair desse jeito.

UOL - O Cavalera Conspiracy é uma banda de um só disco ou mesmo o Iggor pode ser incorporado ao Soulfly, pois você já trocou várias vezes de baterista na trajetória com a banda?
MAX CAVALERA - Com o Soulfly acho que não, pois não tem muito a ver. Nós temos trajetórias diferentes. Com o Conspiracy eu acho que tem jeito, sim. Seria legal, mas não planejamos nada ainda e isso é bacana, pois as coisas acontecem uma de cada vez e não temos planos muito grandes atrás. Fizemos o disco, acabou! Legal, e agora o que vamos fazer? Vamos fazer um vídeo? Então fizemos um vídeo lá na França. Depois foi a vez de fazer uma turnê e, quando acabarmos com a excursão, veremos o que fazer: se seria legal fazer logo outro disco ou dar um tempo maior. Não sabemos ainda, faremos o que nos der na telha. Mas para mim é ótimo tocar com o Cavalera Conspiracy para exorcizar uns demônios (rindo), aqueles que não saem no Soulfly.

UOL - O que você destaca no novo álbum do Soulfly: "Conquer"?
MAX CAVALERA - Ainda temos bastante tempo até o disco ser lançado. O álbum foi finalizado na semana passada e estou bastante empolgado. Gravei em Cali com músicos locais, mas na parte do metal eu estou cada vez mais pesado e agressivo desde o "Prophecy" (2004) - o que acho mais legal e interessante de fazer. Além de ser menos ligado a modismo, mesmo porque aqui nos EUA ainda rola aquela coisa tipo Limp Biskit, pois pegaram a moda depois. No início até foi legal quando o Sepultura estava gravando e havia aquelas bandas como o Deftones, mas depois a coisa ficou muito ruim por aqui porque ficou um lance muito ligado à moda mesmo e bandas sem atitude. Então ficou uma coisa da qual eu quis largar a mão, essa parada do nü-metal ou sei lá como eles chamam. O disco foi influenciado pelo Cavalera Conspiracy e foi parecido um pouco com a época em que fiz o "Pointblank" (1994), do Nailbomb, e o "Chaos A.D." (1993) juntos. Pois um disco acabou influenciando o outro de uma maneira legal. Então estou bastante orgulhoso de ter feito dois discos em um ano só. E não prometo fazer isso muitas vezes porque é muita loucura e dor de cabeça. De repente a cada dez anos vale a pena fazer dois discos em um só ano (risos). Eu nem sou muito de elogiar o Soulfly e os mais chegados até sabem que às vezes eu mesmo até falo mal da banda. O Soulfly é uma coisa mais largada, deixo rolar e não implico muito. Mas tem gente que gosta e acho que o novo álbum é um trabalho mais legal que o "Dark Ages". Tem um som melhor porque estamos tocando melhor. O guitarrista, Marc Rizzo, cada vez me impressiona mais. Ele é bastante técnico, mas sem exagerar. E tem música no disco que não tem nem solo de guitarra, pois falei com ele para fazermos uns ruídos diferentes, uns barulhos de avião como faz o cara do Rage Against the Machine. Ele achou legal a idéia e acho que vai ser bom para nós, pois muito solo também enche o saco. Então falei para ele não encher lingüiça (rindo).

UOL - A mídia brasileira deu o devido destaque ao seu trabalho com o Soulfly?
MAX CAVALERA - O Soulfly foi um lance que demorou para nós mesmos nos acostumarmos. E é aquilo: quem entendeu, OK! Mas quem não entendeu, nunca vai entender. O Soulfly é uma banda que tem bastante fãs no mundo inteiro. Tem gente que é até mais fanático por essa banda do que qualquer outra coisa que eu já fiz. Mas é uma coisa que eu entendo pois, desde o início, sabia que não seria uma coisa que as pessoas iriam gostar logo de cara - principalmente saindo depois de um álbum como o "Roots". Foi uma época difícil. Mas o Soulfly é uma banda guerreira e vitoriosa, pois seguiu por caminhos bem difíceis e passou por cima. E estamos no sexto disco, uma coisa que sequer imaginei que chegaria a fazer com o Soulfly --ainda mais em um ano em que fiz dois discos. Se você me falasse há quatro anos que eu faria dois discos em um ano e que um deles seria com o Iggor, eu não acreditaria. Então foi legal, pois 2007 e 2008 estão sendo anos bem legais para mim em termos de música.

UOL - De sua parte, uma volta do Sepultura no momento ainda é uma coisa muito utópica? Existe essa possibilidade?
MAX CAVALERA - Eu acho que até rola, mas não agora, pois seria a pior hora de pensarmos em uma reunião, pois o disco do Cavalera Conspiracy acabou de sair. Mas todo mundo sabe que eu sempre fui a fim de fazer a reunião e que ela contasse até mesmo com outros membros, como o Jairo Guedz, nosso guitarrista das antigas. Vamos ver o que rola, mas não vai ser este ano -- talvez em 2009 ou nos próximos anos. Mas não vou garantir nada porque não quero colocar meu nome na roda. Então eu deixo livre. Se rolar, OK. Vai ser demais! Mas se não rolar é porque não era pra ser.

Então estou deixando para ver o que acontece. Eu não me encontro mais com os outros caras, não conversamos, mas também não temos mais treta ou raiva. É uma coisa assim à parte. Hoje em dia eu sou bem pacifista mesmo, não quero treta com muita gente e quero apenas fazer o meu som. Quero fazer o que eu adoro e não tenho tempo pra brigar com gente assim, pois é uma perda de tempo. E essa reunião com o Iggor foi muito legal porque muita gente não achou que fosse acontecer e isso dá a todos um pouco mais de esperança em relação a possibilidade de uma reunião do Sepultura - se rolar. Mas é impossível eu dizer hoje se vai acontecer.

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ENTREVISTÃO XXVII: Grupo norte-americano Suicidal Tendencies toca em SP neste sábado

2008-10-24T03:41:00.000-07:00

16/05/2008 - 18h57
MARCUS MARÇAL
http://musica.uol.com.br/ultnot/2008/05/16/ult89u9061.jhtm

Um dos principais representantes da mistura entre hardcore e metal do início dos anos 80, o grupo norte-americano Suicidal Tendencies se apresenta neste sábado (17) no Maquinaria Rock Fest, em São Paulo -- após ter tocado em festa fechada na capital paulista na última quarta-feira (14).

O guitarrista Mike Clark falou ao UOL nesta sexta-feira (16), em São Paulo, sobre a expectativa da banda para este show. "Esperamos ficar ensandecidos em cima do palco. Fizemos uma apresentação surpresa há alguns dias e o lugar praticamente explodiu --o que é uma boa indicação. Tocaremos bastante material de nossos discos, pois gostamos de ver o entusiasmo estampado nas faces de nosso público, além dos fãs subindo no palco como se estivessem prontos para o ataque", declarou.

A despeito das diferentes formações ao longo das décadas, o Suicidal Tendencies ainda hoje consegue empreender no palco performances dignas de seus momentos mais luminosos. Além do guitarrista, a atual formação da banda conta com Mike Muir (voz), Dean Pleasants (guitarra), Ron Brunner Jr. (bateria) e Steve Brunner (baixo).

O Suicidal Tendencies chegou a inaugurar uma espécie de segmento dentro do próprio gênero: o skate punk, devido à temática voltada ao esporte. O estilo inspirou até mesmo trabalhos de expoentes do rock nacional noventista como Raimundos e Charlie Brown. Jr., entre outros. A banda lançou álbuns clássicos como a estréia epônima em 1983 e "Join the Army" (1987), dos temas "Institutionalized" e "Possessed to Skate", respectivamente. Com o passar dos anos, aprimorou sua música tecnicamente, sem perder a crueza dos primórdios --sonoridade que se consolidou no álbum "How Will I Laugh Tomorrow When I Can't Even Smile Today" (1988).

Mike Muir se notabilizou por um discurso direto em suas letras, repletas de palavrões e marcadas pela violência e controvérsia, com linguajar tipicamente californiano --ao ponto de a banda ser banida de Los Angeles no início da década de 90, acusada de afiliação com gangues locais.

O guitarrista comenta a repercussão de seus temas polêmicos. "Os conservadores gostam de apontar o dedo na sua cara, julgando os outros e apontando seus defeitos, mas são justamente os que mais fazem coisas erradas. Desperdiçam seu dinheiro com bobagens, botam pessoas na cadeia sem motivo e falam muita besteira, então nossa postura é mandar essas pessoas se danarem. Mesmo porque já nos odeiam suficientemente apenas por causa de nosso nome", reclamou.

No Brasil, o Suicidal Tendencies obteve maior repercussão na esteira do hype de funk metal noventista, com o álbum "Lights... Camera... Revolution" (1990), e também com o projeto paralelo Infectuous Grooves, de Muir e do ex-baixista Robert Trujillo, hoje no Metallica. Este trabalho também influenciou o som do ST, que aumentou as dosagens de experimentalismos em sua música com o álbum "The Art of Rebellion" (1992).

Trujillo foi um dos principais responsáveis pela tendência experimental de seu som e Clark remonta o período em que o ex-baixista fazia parte do grupo. "A época em que Robert tocou conosco foi incrível e ele é como um irmão nosso, sempre no maior alto astral. Ele foi tocar com outros artistas e bandas no período em que demos uma pausa em nossas atividades."

Após a fase experimental, o grupo lançou "Prime Cuts: The Best of Suicidal Tendencies" (1997), compilação de seus temas clássicos, e voltou a fazer um som mais cru em seus álbuns posteriores.

O mais recente trabalho de inéditas do Suicidal Tendencies é "Friends & Family, Vol. 2", lançado em 2001. Apesar do longo hiato, Clark fala da perspectiva um futuro lançamento do grupo com músicas novas. "Já gravamos um álbum novo e pretendemos lançá-lo no final do ano. Ainda não decidimos o nome do disco, pois temos várias opções", pontuou.

Em se tratando de o Suicidal Tendencies ser uma referência do hardcore, o músico dá seu conselho às novas bandas. "As pessoas devem ser elas mesmas, encontrar seu próprio caminho e acreditar nas coisas que fazem de maneira original, pois esta é a única forma de as pessoas colocarem fé em suas ações", ressaltou.

Ao ser indagado sobre as vertentes mais recentes do hardcore no mainstream, Mike Clark deu seu parecer sobre o emocore. "É um tipo de música que não me diz nada, mas não vou mandar essas pessoas se danarem também, pois acredito que as pessoas devam fazer aquilo que quiserem e você pode apreciar ou não. Até aprecio a parte instrumental, mas não digo o mesmo sobre as partes vocais".

MAQUINARIA ROCK FEST
Quando: Dias 17 e 18/05, a partir de 13h
Quanto: De R$ 100 a R$ 120
Onde: Espaço das Américas - r. Tagipuru, 795, Barra Funda, São Paulo
Informações: 0/xx/11/3829-4899

Veja a escalação completa e atualizada do festival:
17/05, a partir de 13h
- Tristania (Noruega)
- Muscaria (Equador)
- Biohazard (EUA)
- Sayowa (BR)
- Suicidal Tendecies (EUA)
- Matanza (BR)
- Sepultura (BR)
- Embrioma (BR)
- Misfits (EUA)
- Motorocker (BR)
- RDP (BR)
- Threat (BR)
- Korzus
- Suns turns Black (BR)

18/05, a partir de 13h
- End of an Era (EUA)
- CPM 22 (BR)
- Fake Number (BR)
- MxPx (EUA)
- Gloria (BR)
- Suicide City (EUA)
- Envydust (BR)
- Massacration (BR)
- Voiced (BR)
- Granada (BR)
- Rock Rocket (BR)
- Forgotten Boys (BR)
- Lotus (BR)
- Dance of Days (BR)
- Hevo 84 (BR)
- Corbe (BR)

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ENTREVISTÃO XXVI: Sem irmãos Cavalera, Sepultura finaliza disco inspirado em "Laranja Mecânica"; leia entrevista

2008-10-24T03:39:00.000-07:00

08/08/2008 - 18h34
MARCUS MARÇAL
http://musica.uol.com.br/ultnot/2008/08/08/ult89u9487.jhtm

O Sepultura acaba de finalizar a mixagem de seu novo álbum, "A-Lex" ("Sem lei", em latim), ainda sem data de lançamento definida. A banda recebeu a imprensa nessa quinta-feira (7) em um estúdio na zona oeste de São Paulo para apresentar o disco em primeira mão.

"A-Lex" é 12º disco do Sepultura e o primeiro sem a participação dos irmãos Cavalera, Max (voz e guitarra) e Iggor, que formaram a banda em 1984 junto a Jairo Guedz (guitarra) e Paulo Jr. (baixo) --apenas esse último faz parte da formação atual do grupo. Os dois irmãos atualmente tocam juntos no Cavalera Conspiracy.

A formação atual do Sepultura é capitaneada por Andreas Kisser (guitarrista da banda desde 1987) e também conta com Derrick Green (vocalista desde 1998) e Jean Dolabella (bateria), que estréia com o grupo em disco, além de Paulo Jr (baixo).

Assim como em "Dante XXI" (2006), álbum anterior baseado em "A Divina Comédia" (de Dante Alighieri), o Sepultura também se inspirou em um clássico da literatura neste novo disco. As canções de "A-Lex" remetem a "Laranja Mecânica" ("A Clockwork Orange", de 1962), livro do escritor inglês Anthony Burgess que conta a história do personagem Alex De Large --um fictício adolescente de quinze anos, amante de música clássica (principalmente a "Nona Sinfonia" de Beethoven), sexo e violência extrema. A história é mais conhecida pelo filme de Stanley Kubrick, de 1971.

Andreas Kisser fala sobre a escolha do livro para conceituar o novo trabalho do Sepultura. "Achamos muito mais interessante trabalhar nosso imaginário em relação a um futuro sujo, sem lei e caótico como o de 'Laranja Mecânica' do que propriamente nos inspirarmos em alguma banda de heavy metal. Assim que o conceito foi definido, mergulhamos na obra e escrevemos as músicas aleatoriamente. O disco foi feito rapidamente", explicou.

"A-Lex" apresenta 18 faixas em aproximadamente uma hora de música. A banda optou por trabalhar em um repertório estruturado com poucos refrões e solos, conforme comentou o baterista Jean Dollabela. "Foi um processo natural, pois o repertório surgiu a partir de improvisações em estúdio durante três meses. Além disso, nós procuramos fugir dos clichês de estrutura de composição e não nos preocupamos com riffs, refrões e coisas do tipo", declarou.

Dialeto "Nadsat"
Para manter um padrão de fidelidade à obra original, até mesmo um dicionário foi utilizado para a elaboração de algumas letras do novo disco, que utilizam alguns termos do dialeto "Nadsat" (o equivalente ao termo "adolescente" em russo, traduzido ao português) inventado por Burgess a fim de caracterizar o vocabulário peculiar de Alex. O garoto utiliza gírias do linguajar "cockney", típico da classe operária britânica e marginais londrinos, misturadas a palavras no idioma russo e dialeto cigano.

Como o livro de Burguess, "A-Lex" também é dividido em partes. Cada uma delas narra diferentes passagens da história de Alex De Large. "Dante XXI" (2006) também era dividido em partes ("Inferno", "Purgatório" e "Paraíso").

Dividida em cinco músicas, a primeira parte do disco retrata a violência extrema, sem limites, do protagonista. Alex lidera uma gangue de delinqüentes juvenis que espanca, estupra, mata e comete todo tipo de atrocidades. Essa violência é representada na mistura de metal e hardcore característica do Sepultura, à exceção de fraseados em violão de nylon em "We've Lost you".

Após a traição de um de seus companheiros, Alex é preso e condenado a vários anos de cadeia. A repressão ao comportamento do personagem é retratada em trecho de "What I Do", faixa que fecha a primeira parte do álbum, quando o vocalista Derrick Green encarna A-Lex gritando a frase "That's what I do, I do what I like to do! What did I do to deserve this?" (algo como "Aquilo é o que eu faço e faço porque gosto! O que eu fiz para merecer isso?").

Mas os atrativos musicais de "A-Lex" são a segunda e terceira partes do disco, que representam o inferno pessoal vivido pelo personagem do livro de Burgess.

Dividida em seis músicas, a segunda parte mostra a prisão, o delírio induzido pelas drogas e a terapia do protagonista pelo "Método Ludovico". Como forma de atenuar sua pena, Alex aceita submeter-se como cobaia de um "tratamento experimental para refrear seus impulsos destrutivos", uma espécie de "lavagem cerebral" induzida por drogas e condicionamento psicológico. Green canta "my blood is cold" ("meu sangue é frio") em "The Treatment".

"Metamorphosis" começa com andamento lento e guitarra sem distorção, uma sonoridade distinta ao Sepultura tradicional. E temas como "Sadistic Values", "Forceful Behaviour" e "Conform" evidenciam o processo de "transformação" do personagem.

Rock orquestral
A terceira parte é dividida em cinco músicas e apresenta o personagem pagando por todos os seus pecados, uma vez que a terapia de aversão lhe provoca repulsa a tudo aquilo que apreciava anteriormente (sexo, violência e música clássica).

Sonoramente, destacam-se "The Experiment" e "Ludwig Van". O primeiro apresenta influências do grupo britânico surgido no final dos anos 70 Killing Joke, enquanto o último é uma releitura da "Nona Sinfonia" de Beethoven em que o Sepultura toca com uma orquestra de doze músicos regidos pelo maestro Alexei Kurkdjan.

O baterista Jean Dolabella ressaltou que o mais difícil foi trabalhar a parte orquestrada do disco. "Não gravamos juntos, mas foi trabalhoso organizarmos as coisas. Não soa como uma mera colagem de música clássica e rock pesado. A música flui facilmente", declarou.

Capítulo não retratado no filme
Ao final do livro de Burgess, Alex é abandonado por todos e sua situação se reverte com a ajuda de uma das vítimas de sua crueldade. Esse capítulo não consta no filme de Kubrick, mas a banda o representa com a música "Paradox", de acordo com a proposta original de Burgess.

O Sepultura tomou a liberdade poética de separar o último capítulo do livro como uma quarta parte porque é um trecho importante na narrativa de Burguess que Stanley Kubrick não aproveitou em seu filme.

Kisser falou sobre o que considera a mensagem final de "Laranja Mecânica". "O capítulo final é quando nos questionamos se temos ou não livre escolha. Vivemos tão controlados por religião, pecados, e nos impõem tantos limites antes mesmo de nascermos. Aí é muito difícil nos libertamos disso tudo. E todo mundo faz besteira durante a adolescência, pois nós só aprendemos mesmo na base da porrada. Mas, ao passar por todos aqueles experimentos, Alex se torna ainda pior do que era antes e só se cura após a tentativa de suicídio. O personagem só se torna uma pessoa melhor sem a imposição por parte das instituições que o tentavam controlar anteriormente", conclui.

O Sepultura ainda não sabe quando começa a promover o novo repertório em turnê. Em 23 de agosto, a banda fará um show fechado para seu fã-clube. Duas músicas de "A-Lex", "The Treatment" e "What I Do!", já estão sendo apresentadas em shows recentes do Sepultura, que ainda promove o disco "Dante XXI".

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ENTREVISTÃO XXV: Gilberto Gil quer experimentar possibilidades da tecnologia com novo disco, "Banda Larga Cordel"

2008-10-24T03:38:00.000-07:00

14/05/2008 - 18h53
MARCUS MARÇAL
http://musica.uol.com.br/ultnot/2008/05/14/ult89u9054.jhtm

Em seu novo disco, o ministro da Cultura Gilberto Gil reafirma a influência da tecnologia em sua música. Produzido pelo ex-Mutantes Liminha, "Banda Larga Cordel" mistura Internet e artesania cordelista em seu título e aborda poeticamente relações entre arte e tecnologia.

Em entrevista coletiva virtual nesta quarta-feira (14), o cantor e compositor de 65 anos declarou que este foi o único modo de abarcar a totalidade de temas em um só conceito. "Hoje é bem diferente de tempo atrás. Vivemos uma época mais estimuladora e com grande impacto na criação e rearranjo de idéias, em função das possibilidades atuais de copy & paste para a criação poética, além da velocidade e acessibilidade na propagação de informações. E com todas as referências de recombinações, abertura e a quantidade de faixas, o máximo que eu poderia fazer é juntar as diferentes canções sob o título 'Banda Larga Cordel'. O título é o máximo de amarração que poderia dar a esse repertório", declarou.

"Banda Larga Cordel" é o primeiro disco após o fim de antigo contrato com a Warner, que comercializará o material em diferentes formatos. Temas como inclusão digital, Creative Commons, Software Livre são assuntos recorrentes na pauta do ministro e também tangenciam sua música. E em se tratando de trabalho autoral de um ministro da cultura, o lançamento abre precedente para discussões relacionadas às questões da comercialização de fonogramas e autoralidade, entre outras.

A faixa-título é a mais politizada canção do álbum e estimula a política de inclusão digital, em função das amplas possibilidades de comunicação propostas pela tecnologia. Dentre as 16 faixas do disco, também se destacam o samba minimalista "Formosa" e "La Renaissance Africaine", canção sobre o abandono do continente africano e, segundo o artista, "a última fronteira da exploração e do colonialismo". Outro tema forte de "Banda Larga Cordel" é "Não Tenho Medo da Morte", no qual tece reflexões sobre "a consciência de finitude de sua vida e dimensão de eternidade".

Defensor do Creative Commons
O cantor declarou que pretende oferecer seus fonogramas para uso público, disponibilizando áudios das canções, trechos instrumentais, gravações alternativas que não entrarem no disco, para que as pessoas possam reprocessá-lo do modo que queiram, à medida que também cheguem novos produtos ao mercado. E destacou a adaptação da cena tecnobrega paraense como bom exemplo no uso dos novos formatos permitidos pela tecnologia atualmente. "Esse pessoal sabe se articular de forma auto-suficiente. Usam palcos ambulantes, em função da mobilidade de instalação e movimentação local. Com os computadores, aproveitam a rapidez na difusão de informações na Internet, além de gravarem seus shows, editarem e venderem discos --com a produção endossada por rádios que veiculam seus trabalhos. Assim exploram realidades e territorialidades novas, lançando mão de novas maquinarias", disse.

O ministro deu seu ponto de vista em relação a questões como remuneração, liberdade e autonomia, comuns ao cenário musical atualmente. "Há uma tendência real da fragmentação do poder político e das vantagens econômicas distribuídas entre um número maior de agentes. Os selos independentes já são metade do mercado nacional, levando em consideração os já-consolidados. As majors atuam na logística como redistribuidoras e acredito que tudo isso ainda será dividido futuramente com a micropulverização do empreendedorismo e organização de mercado", disse.

Assim pretende instaurar discussões sobre novas categorias de autoralidade, em função da abertura de um espaço para a experimentação, melhor representado por uma interrogação, conforme opinou a respeito das atuais tendências de distribuição e remuneração de música. "Isso faz parte de um experimentalismo gradual e necessário para que possamos avaliar o funcionamento dessas novas possibilidades. Não seria prudente eu radicalizar em todas as formas de distribuição, ainda ligadas de certa forma a antigos funcionamentos. Acho adequado utilizarmos a tecnologia com moderação, para não tomarmos um porre de abertura que não daria em nada. Prefiro usar com moderação."

Mas a inclinação à tecnologia aparece muito antes em seu trabalho. Gravações suas como "Cérebro Eletrônico" e "Futurível" já abordavam questões sobre possibilidades futuras em 1969, temas eventualmente recorrentes em posteriores lançamentos do cantor.

Como personalidade importante na linhagem histórica da música popular brasileira, Gilberto Gil também divagou sobre o futuro possível da arte cordelista hoje em dia. "Não sei se será possível uma computadorização do cordel ou mesmo até que ponto as associações de trovadores nordestinos lidam com o impacto da tecnologia atualmente em sua produção e vida cotidiana."

O artista também disse não saber como a prática antiga do nordeste brasileiro se adaptará aos padrões atuais tão vinculados à tecnologia. "Não sei como o cordel se adequará ao hipertexto, mas os prosadores podem optar por desaparecer, assim como aconteceu com os Maias, e isso pode acontecer em função dos novos formatos e suportes. Até lá, acredito que eles continuarão como sempre, pois muita gente ainda hoje descobre o prazer leitura com a literatura de cordel e talvez a prática fique como um fetiche ainda por algum tempo e nunca perca suas características tradicionais", especula.

Em julho, Gil promove o disco em turnê no exterior e só se apresentará no Brasil a partir de agosto. Sua banda é formada por Arthur Maia (baixo), Alex Fonseca (bateria), Claudio Andrade (teclados), Gustavo de Dalva (percussão), Sergio Chiavazzolli (guitarras) e seu filho Bem Gil (guitarra).

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ENTREVISTÃO XXIV: "Seria pedante nos responsabilizarmos pela evolução do tango", diz fundador do Bajofondo

2008-10-24T03:37:00.001-07:00

13/05/2008 - 18h27
MARCUS MARÇAL
http://musica.uol.com.br/ultnot/2008/05/13/ult89u9050.jhtm

Em sua terceira turnê brasileira, o octeto argentino-uruguaio Bajofondo se apresenta nesta quarta-feira (14) no Via Funchal, em São Paulo, e depois toca em Porto Alegre na sexta (16). Formado em 2001, o grupo se notabilizou pela mistura de tango e música eletrônica, com pitadas de rap e pop-rock e outras manifestações de música latina tradicional, como a milonga e o candombe.

Como aconteceu com os pioneiros do "Gotan Project", sua sonoridade também foi tachada de "tango eletrônico", mas seus integrantes preferem denominá-la atualmente como uma versão pós-eletrônica do gênero, devido à menor utilização de programações eletrônicas e uma maior atenção à música tradicional da região do Rio da Prata.

Junto a Gustavo Santaolalla (guitarra, percussão e vocais), Juan Campodónico (programações, sampler e toca-discos) é um dos principais responsáveis pela identidade musical do grupo. O compositor falou ao UOL de Montevidéu, no Uruguai, sobre as apresentações do Bajofondo no país, em que destaca temas de seu mais recente álbum de estúdio, "Mar Dulce" (2007), além de material inédito.

O Bajofondo é ainda formado por Martin Ferres (bandoneon), Luciano Supervielle (piano, toca-discos e programação), Veronica Loza (voz e VJ), Javier Casalla (violino), Gabriel Casacuberta (contrabaixo) e Adrian Sosa (bateria). O grupo já passou pelo Brasil em 2003 e 2007 e, em sua discografia, também constam os álbuns "Bajofondo Tango Club" (2002), "Supervielle" (2004) e "Bajofondo Remixed (2006).

UOL - Quais são as expectativas em relação à terceira passagem do Bajofondo pelo Brasil?
Juan Campodónico: Da última vez que viemos ao Brasil, promovemos o álbum "Mar Dulce", mas nesta turnê também tocaremos músicas inéditas. Esse material é no estilo Bajofondo, mas possui orientação maior à música cantada. Particularmente, sou fanático pela música brasileira. Comecei a escutar todos os discos de bandas como Titãs e Legião Urbana --só depois eu voltei no tempo para ouvir o trabalho de Gilberto Gil, Caetano Veloso e todos os artistas da Tropicália. Essas viagens ao Brasil foram muito ilustrativas, pois me mostraram o lugar onde essa música se originou --no que diz respeito a situações sociais e geográficas. Sempre que visito o país, volto com muitas informações e é uma experiência riquíssima do ponto de vista pessoal --ainda mais porque sempre volto para casa com muitos discos de novidades locais. Sobretudo porque, a meu ver, o Brasil é uma das grandes potências do mundo, em âmbito musical. E agora o Bajofondo tem a oportunidade de mostrar sua música em grandes turnês pelo mundo, com passagem por todas as capitais européias, além de tocar em lugares interessantes como São Paulo --o que é uma experiência muito bonita.

UOL - A música do Bajofondo é erroneamente tachada como "tango eletrônico" por ser uma expressão particular e contemporânea de world music proveniente da Argentina e Uruguai?
Campodónico: Bajofondo é mais do que um grupo musical tradicional. A meu ver, é uma aliança entre músicos e um estilo de música. Eu e Gustavo nos juntamos em 2001 e começamos a planejar esse projeto como uma experimentação. Nosso primeiro álbum é como uma experiência de laboratório de produção e utilizamos referências relacionadas ao passado da música do Rio da Prata, mas também com um quê de atualidade. O próprio nome de nosso primeiro disco, "Bajofondo Tango Club", já esclarecia um pouco do que se tratava nossa música: com referências ao tango e à música latina muito genericamente, ao mesmo tempo em promove conexões com o que acontece hoje em dia nos clubes. Fomos associados a outros trabalhos similares dessa corrente chamada "tango eletrônico" e sentimos que a definição não correspondia à totalidade de nossa música. Não fazíamos apenas tango ou música eletrônica, pois diria que, em nosso trabalho, há outras referências de música contemporânea --como rock, rap, pop-- a partir de nossa perspectiva particular de mundo típica do Rio da Prata. Por outro lado, também não fazemos apenas uma abordagem de tango, mas também pesquisamos outras manifestações de música tradicional como a milonga e o candombe. Por essa razão, não achamos correto que nossa música seja associada à corrente de tango eletrônico, apesar de termos essas referências em nosso som. Preferimos que as pessoas definam nosso trabalho como música contemporânea do Rio da Prata, pois representa para o mundo o lugar onde estamos -- uma música muito universal com intenção de ser entendida no mundo globalizado.

UOL - O Bajofondo é responsável por manter viva a linguagem tradicional do tango argentino, ao modernizá-lo com referências contemporâneas?
Campodónico: Acho que não. Creio que o tango incorpore muitas manifestações e seria muito pedante afirmar isso -- comparavelmente à hipótese de um grupo brasileiro chamar a si próprio a responsabilidade de manter o samba vivo. E isso não procede, pois o samba é uma coisa muito ampla e com muita história, além de representar uma tradição musical a sua própria maneira. Mas, ao mesmo tempo, o samba e o tango são formas musicais muito contemporâneas e se consolidaram na América, um continente novo, onde se misturaram europeus e africanos. Além dos vários ingredientes que os constituem, ambos são gêneros muito novos para o mundo. Quero dizer: o tango é como a música brasileira ou a música afro-norte-americana, pois --por mais que nos sejam músicas tradicionais-- são manifestações muito recentes para o resto do mundo, repletas de conexões e muito vivas no que diz respeito à capacidade de gerar novas sonoridades o tempo todo. E o tango nunca parou de se transformar permanentemente no decorrer dos séculos, portanto não poderíamos nos responsabilizar por sua evolução. O gênero está vivo e nós queremos explicitar com nosso trabalho uma tradição particular da região do Rio da Prata, ao mesmo tempo em que também utilizamos referências mais globalizadas como a house music, rap ou rock. Tentamos salientar referências à peculiar manifestação musical típica da parte do mundo onde vivemos, pois nos parece que essas coisas precisam ser defendidas em todos os sentidos --no que diz respeito à manutenção da tradição e à criação de novas possibilidades musicais.

UOL - O que você destaca na evolução da linguagem musical do tango atualmente?
Campodónico: Há muitas formas, mas a última grande manifestação vanguardista do gênero foi capitaneada por Astor Piazolla (1921-1992). No entanto, do ponto-de-vista dos músicos mais tradicionais, sua música não poderia ser chamada de tango. Mas se concebermos as coisas a partir de nossa perspectiva atual, a música de Piazolla está viva e faz parte de uma tradição do tango. Guardadas as devidas proporções, isso também aconteceu conosco, pois continuamos fazendo tango porque nossa música tem uma alma oriunda do gênero, mas não se restringe a isso. Em termos gerais, a partir do começo do século, começou a ganhar força, um movimento de volta ao passado, a fim de se promover a recuperação de antigas referências em distintas manifestações artísticas --tanto no tango mais tradicional, da velha escola e coisas intermediárias-- diferentemente de se promover um pastiche de rock, blues e jazz. E assim desenvolvemos uma maneira própria de expressar nossa musicalidade, característica de uma determinada região do planeta. Mas a mistura se dá naturalmente, pois também escutamos músicas de outros lugares.

UOL - O tango é um gênero mais ligado à tradição do que à evolução de sua linguagem musical?
Campodónico: Creio que a história do tango se divida em muitas etapas e alguns artistas estão mais envolvidos com determinadas facetas do gênero. É um estilo musical com muitas glórias passadas -- dos anos 20, de Gardel nos anos 30, das grandes orquestras nos anos 40 e daí em diante. É uma música que se desafoga em várias vertentes, com uma linguagem musical muito particular e genuína de uma idiossincrasia que se realiza em uma sonoridade única.

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ENTREVISTÃO XXIII: Turnê brasileira do Queensrÿche terá músicas de todos os discos; diz vocalista

2008-10-24T03:36:00.000-07:00

04/05/2008 - 16h38
MARCUS MARÇAL
http://musica.uol.com.br/ultnot/2008/05/04/ult89u9003.jhtm

O Queensrÿche apresentará uma seleção de suas principais músicas em sua terceira excursão pelo Brasil. A turnê começa no dia 8 de maio no Rio e depois segue para Belo Horizonte (10), Curitiba (15) e São Paulo (16). Formada em 1981, hoje a banda conta com Geoff Tate (voz), Scott Rockenfield (bateria), Eddie Jackson (baixo), Michael Wilton e Mike Stone (guitarras).

O grupo norte-americano já lançou dez trabalhos de estúdio, além de coletâneas e registros ao vivo, com os quais obteve gradativa repercussão, à medida que desenvolvia um refinado rock pesado, pontuado de art rock setentista e amparado em recatado virtuosismo.

Essa sonoridade colocou o quinteto em posição singular no cenário metálico do período oitentista, época em que a então nova onda do metal britânico paulatinamente cedia espaço às influências de punk e hardcore, que fundamentaram a vanguarda do gênero em meados dos anos 80, protagonizada pelo thrash metal.

Nos intervalos da gravação do próximo álbum do grupo, ainda sem nome, o vocalista Geoff Tate falou ao UOL de Seattle, nos EUA, sobre a atual turnê do grupo e também de suas expectativas em relação a mais uma vinda ao país. "Estamos ansiosos para tocar e apresentaremos uma seleção com material de vários álbuns diferentes. Nossa animação é grande, pois é a terceira vez que tocamos no Brasil e faremos um show de cerca de duas horas. Como já lançamos vários álbuns de estúdio, é realmente muito material que podemos apresentar e por isso mudamos bastante nosso repertório. Pinçamos duas ou três músicas de cada um de nossos discos", declarou.

A primeira vinda ao Brasil foi em 1991, para participar da segunda edição do festival Rock In Rio. O Queensrÿche se apresentou em uma noite memorável, que teve ainda shows de nomes como Guns'n Roses, Judas Priest, Megadeth, Sepultura e Lobão. O grupo promovia o álbum "Empire" (1990) e, chancelado pela boa repercussão do clipe da balada "Silent Lucidity" na recém-criada MTV Brasil, deixou de ser um nome restrito aos iniciados no rock pesado. "Foi uma experiência muito interessante tocarmos no Brasil pela primeira vez em um festival daquele tamanho, além de um grande honra dividirmos o palco com várias bandas grandes de rock pesado. A audiência brasileira é maravilhosa, e estamos bastante felizes em retornar ao país", destacou o vocalista, que ainda voltaria com o grupo pela segunda vez ao Brasil, para promover o álbum "Hear in the Now Frontier" (1997).

Disco conceitual para 2009
O Queensrÿche está na ativa há 27 anos e sempre empreendeu novas experiências com sua música, mantendo o perfil clássico de uma banda de rock pesado tradicional. Atualmente o quinteto grava seu disco novo de inéditas --que será concluído em setembro, ao final do verão nos EUA. Segundo o cantor, será um álbum conceitual, com lançamento previsto para o primeiro trimestre de 2009.

"Não podemos adiantar muito a respeito, mas é um comentário baseado em questões sócio-políticas vigentes. Gostamos de elaborar álbuns conceituais e abordar grandes temas controversos no formato de histórias", antecipou.

Após a turnê atual e antes do lançamento do próximo álbum em 2009, o Queensrÿche ainda fará na Europa, em junho, apresentações de um espetáculo com aproximadamente três horas de duração. No show, a banda apresentará integralmente as duas partes dos álbuns "Operation: Mindcrime" (1988 e 2006, respectivamente), considerados pontos altos da discografia da banda. O cantor comentou que a empreitada contará com uma apresentação teatral, marcada pela participação de atores, exibição de vídeos em telões e também pelos altos custos necessários para a realização de uma produção desse porte.

Ainda assim, Geoff Tate revela desejo de trazer a nova turnê ao país. "Adoraríamos levar nosso novo show ao Brasil futuramente e talvez possamos encontrar algum produtor que se interesse. Pois, se a excursão atual for bem-sucedida, poderemos voltar ao país com este show. Seria fantástico", especulou o vocalista do quinteto.

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ENTREVISTÃO XXII: Whitesnake traz ao Brasil a turnê de "Good to Be Bad", primeiro álbum de inéditas em 11 anos

2008-10-24T03:23:00.000-07:00

22/04/2008 - 13h49
MARCUS MARÇAL
http://musica.uol.com.br/ultnot/2008/04/22/ult89u8950.jhtm

O grupo britânico de rock pesado Whitesnake volta ao Brasil em maio para promover seu novo álbum: "Good To Be Bad" (2008), o primeiro de inéditas em 11 anos, desde "Restless Heart" (1997). Nesta quarta excursão pelo país, a banda formada em 1978 por David Coverdale, ex-cantor do Deep Purple, se apresenta em Manaus (3), Belo Horizonte (06), Rio de Janeiro (07), São Paulo (09), Curitiba (10) e Porto Alegre (11).

Desde o início, a música do Whitesnake notabilizou-se pela mistura de rock pesado e e r&b. Coverdale é o único remanescente do grupo original e já foi acompanhado por inúmeras formações, com as quais gravou álbuns importantes da discoteca básica do rock pesado como "Lovehunter" (1979) e "Ready An' Willing" (1980), "Come an' Get It" (1981) e "Slide it In" (1984), entre outros.

Seu principal parceiro na atual encarnação do grupo é o guitarrista Doug Aldrich. Junto ao líder, o músico é também responsável pela identidade sonora do Whitesnake hoje e, em entrevista ao UOL, Aldrich falou sobre a excursão brasileira e temas relacionados a "Good To be Bad".

O guitarrista deu uma pista do que o grupo apresentará no Brasil desta vez. "Vamos tocar algumas canções do novo álbum, mas também alguns clássicos que nossos fãs esperam ouvir -- além de provavelmente improvisarmos algumas coisas que nunca apresentamos antes. David ama o Brasil e dou uma dica: ele adora quando a audiência interage conosco", declarou.

De acordo com Aldrich, no que depender da resposta da audiência brasileira, a atual passagem pelo país tende a ser tão memorável quanto às incursões anteriores do grupo -- a última em 2005, em turnê junto ao Judas Priest. O guitarrista endossa o ponto-de-vista sobre a interação do público brasileiro. "Vocês são insanos, barulhentos e muito amigáveis. Antes de eu acompanhar a banda ao país em 2005, David já falava sobre o quão incrível eram nossos fãs daí. E foi uma experiência muito boa excursionarmos pelo país naquela ocasião."

A interação entre a platéia local e o grupo remonta a 1985, época em que o Whitesnake se apresentou no país pela primeira vez, no festival Rock In Rio. O grupo substituiu de última hora o Def Leppard e fez uma apresentação memorável, tornando-se grande influência para uma geração de músicos do segmento de rock pesado no país. Aldrich ainda não fazia parte da banda na época, mas tem noção do quanto o evento foi importante para a popularidade do Whitesnake entre os brasileiros até hoje. "Já assisti na Internet a trechos do show do grupo no Rock In Rio e realmente foi incrível. Que grande noite deve ter sido aquela! Era uma multidão muito grande e sei que todos na banda estavam muito nervosos", comentou.

Essência preservada
Além de Coverdale e Aldrich, integram a atual formação do Whitesnake os músicos Reb Beach (guitarra), Uriah Duffy (baixo), Timothy Drury (teclados) e Chris Frazier (bateria). Segundo o guitarrista, a essência do Whitesnake clássico foi preservada em "Good To Be Bad", apesar do entra-e-sai de músicos. "Em se tratando de uma banda com história como a nossa, é muito difícil agradar a todos. Então o mais importante é você satisfazer a si próprio, e nossa música apresenta diferentes tipos de ânimo e sonoridades. Demonstramos respeito ao velho Whitesnake, mas equilibramos o blues e agressividade de diferentes formações da banda com riffs contemporâneos e modernidade na produção", destacou.

"Good To Be Bad" revisita a faceta pesada de blues dos primórdios da banda em temas como "Best Years" e "A Fool in Love", dialoga com referências contemporâneas do hard rock em "Can You Hear the Wind Blow" e "Call on Me", mas também apresenta baladas, como a predominantemente acústica "'Till The End of Time" e "All I Want All I Need" - essa última na linha de "Is This Love", de seu álbum epônimo (1987) e um dos grandes sucessos da banda.

No novo álbum, o Whitesnake retoma a criatividade de que carecia em seus mais recentes lançamentos. Aldrich falou de sua elaboração e destacou sua importância para a discografia da banda. "'Good to Be Bad' foi apenas o nosso próximo passo, mas foi muito legal elaborá-lo. Não tentávamos mudar nosso som ou fazer um álbum que fosse melhor ou pior do que éramos. Apenas tentamos escrever canções que gostássemos e com as quais nos divertíssemos. Foi importante esquecermos todas as nossas músicas antigas, a fim de expressarmos devidamente o que se passava em nossos corações. Com isso em mente, David e eu nos reunimos e, com violões, começamos a trabalhar em rascunhos de canções. E foi muito bacana ouvir este material ser aprimorado até finalmente termos sete ou oito canções e decidirmos que tínhamos praticamente um álbum em nossas mãos."

O guitarrista explicou que a atual formação motivou-se a colocar sua própria estampa no som da banda, mantendo respeito em relação ao Whitesnake clássico. "Acho que esta é uma formação muito significativa para a história do grupo e fizemos o novo álbum como se estivéssemos famintos por música. Estávamos muito animados para gravar 'Good to Be Bad' e esperançosos de que as pessoas percebam isso ao ouvi-lo. David é realmente o coração e alma do conjunto -- não importa quem esteja tocando, se ele está envolvido no processo de composição, então sempre vai soar como o Whitesnake. Mas acho que essa formação é bastante forte e já adicionamos nossa contribuição ao som do grupo", disse.

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ENTREVISTÃO XXI: "Temos bons amigos no Brasil e faremos uma grande festa", diz baixista do Helloween

2008-10-24T03:21:00.000-07:00

16/04/2008 - 15h38
MARCUS MARÇAL
http://musica.uol.com.br/ultnot/2008/04/16/ult89u8931.jhtm

A banda alemã de heavy metal melódico Helloween volta ao Brasil para promover seu mais recente álbum de inéditas "Gambling With the Devil" (2007). O grupo fez show na terça-feira (15) em Curitiba e segue em turnê para o Rio de Janeiro (17), Belo Horizonte (18), São Paulo (20), Porto Alegre (22), Manaus (24), Fortaleza (26) e Recife (27).

O Helloween é formado atualmente por Michael Weikath (guitarra), Markus Grosskopf (baixo), Andi Deris (voz), Sascha Gerstner (guitarra) e Dani Löble (bateria). De Curitiba, o baixista Markus Grosskopf falou ao UOL sobre o que o grupo apresenta na atual excursão pelo país. "Temos bons amigos aqui e faremos uma grande festa. O repertório mistura material de nossos 13 álbuns e adianto que não é fácil selecionar os números que iremos apresentar. É uma bagunça quando conversamos a esse respeito durante os ensaios, pois temos muitas músicas para tocar e nunca poderíamos satisfazer a todos. O mais importante é apresentarmos um repertório diferente da turnê anterior", antecipa.

A primeira vinda do Helloween ao país foi durante a turnê do álbum "The Time of the Oath" (1996). Desde então, o grupo voltou em outras ocasiões, como em 2001, 2003 e 2006. "É legal voltarmos sempre, pois nossos fãs não nos esquecem. Além de muito gratos, eles são bastante emocionais e isso é o que mais gosto quando tocamos por aqui. Nosso público é formado por pessoas muito bacanas que retornam aos nossos shows e isso também faz com que sempre voltemos", avalia.

Grosskopf também falou da importância de "Gambling With the Devil" na discografia do Helloween. "Cada um de nossos álbuns é diferente, pois representa uma pequena parte do que somos. Nós colocamos nossos corações em cada um deles, por meio de nossos pensamentos e emoções. De modo geral, o conceito do álbum novo aborda todo tipo de jogo. É sobre você apostar no bem ou no mal, questões presentes em todo canto, pois todos nós temos o poder de escolher por qual destes caminhos seguiremos", explica o baixista.

Na atual turnê pela América do Sul, a banda excursiona com o Gamma Ray, grupo liderado por Kai Hansen, ex-integrante do Helloween. Markus comentou sobre as primeiras participações do ex-companheiro de Helloween desde sua saída em 1989. "Hansen já se juntou a nós no palco por algumas vezes e tem sido muito legal. Para nós, é bastante confortável. Já nos reunimos em alguns festivais europeus, então agora não é nada novo para nós. Além disso, vivemos em Hamburgo e freqüentamos os mesmos bares para bebermos cerveja eventualmente. É bacana ter o Gamma Ray excursionando conosco! Começamos com uma turnê de aproximadamente oito semanas pela Europa, depois seguimos para Ásia e agora estamos na América do Sul. Tudo corre bem, estamos bastante acostumados uns com os outros, pois passamos bastante tempo juntos", declarou.

Em se tratando de o Helloween ser um dos principais nomes da vertente melódica do heavy metal, responsável por uma renovação da popularidade do gênero a partir do final dos anos 90, o baixista Markus Grosskopf fala da contribuição do grupo para a evolução do estilo. "Nós criamos e desenvolvemos nosso próprio som, pois não tentamos copiar outras bandas. É importante encontrar uma própria identidade que se ajuste à sua música, seu caráter ou à mensagem que se queira transmitir --e não é uma tarefa fácil chegar a esse ponto", explicou.

O músico também falou sobre os álbuns mais importantes do Helloween para a linhagem melódica do heavy metal. "Isso é algo bem difícil de avaliar, mas as duas partes de 'Keeper of the Seven Keys' (1987 e 1988) são obviamente muito importantes. E também não poderia deixar de mencionar trabalhos como 'Walls of Jericho' (1986), o mini-LP homônimo (1985) e 'Masters of the Rings' (1994). Este último é muito importante, pois registra nossos primeiros capítulos após termos passado por muitos problemas internamente. Gravar um disco como esse depois das turbulências que passamos na época foi uma forma notável de voltarmos à nossa jornada".

Já as predileções musicais de Grosskopf não se restringem a excelência técnica do heavy metal, com destaque para material de outros subgêneros de som pesado, conforme declarou. "Sou grande fã do Testament. É brilhante o que Chuck Billy e seus músicos fizeram em seu último álbum, "The Formation of Damnation" (2008). Mas ainda gosto muito de punk rock e de bandas como Sex Pistols e The Ramones, o que é um som bem diferente do que fazemos. Atualmente, um de meus discos preferidos é "Figure Number Five" (2003), da banda Soilwork, mas também gosto do novo álbum do Nightwish. E posso dizer que aprecio muitos estilos musicais diferentes, apesar de achar que nosso tipo de som é o que sei fazer de melhor".

O Helloween foi formado em 1984 e comemora 25 anos em 2009, mas a banda ainda não tem planos para comemorar a data. "Não sei ainda, talvez apareçamos por aqui novamente e eu tentarei beber 25 caipirinhas. É provável que preparemos alguma coisa, pois excursionamos muito e mal tivemos tempo para pensar nisso até o momento, mas em breve certamente falaremos a esse respeito", brinca Markus.

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ENTREVISTÃO XX: Adriana Calcanhotto lança "Maré", 2º álbum de sua trilogia marítima; leia entrevista

2008-10-24T03:20:00.000-07:00

16/04/2008 - 23h52
MARCUS MARÇAL
Enviado especial ao Rio
http://musica.uol.com.br/ultnot/2008/04/16/ult89u8933.jhtm

A cantora Adriana Calcanhotto acaba de lançar o álbum "Maré", seu oitavo trabalho autoral. A artista o define como a segunda etapa de uma trilogia iniciada em "Maritimo" (1998). Também baseado em temas do mar, "Maré" (2008) é um trabalho coeso, cujas faixas fluem homogeneamente no decorrer dos aproximadamente 35 minutos de seus 11 temas.

A artista recebeu a imprensa em um hotel da zona sul carioca nesta quarta-feira (16) para falar sobre o disco, que definiu metaforicamente como um espécime entre mulher e peixe. Para a cantora, sua música representa o canto da sereia, devido à posição intermediária dentre as demais etapas da trilogia.

Este perfil híbrido também abrange a sonoridade do disco, que oscila entre a tradição e a modernidade da música popular brasileira - por meio de reverências a luminares como Jards Macalé, Dorival Caymmi, Caetano Veloso, Cazuza e Péricles Cavalcanti, ao mesmo tempo em que Calcanhotto dialoga com expoentes mais recentes, como Rodrigo Amarante (ex-Los Hermanos), Moreno Veloso e Kassin, entre outros.

A cantora comentou que a idéia para a segunda etapa da trilogia surgiu durante a própria elaboração do disco. "Eu não pensei em fazer três álbuns correlatos quando concebi 'Maritimo'. Nunca paro para selecionar previamente o repertório dos discos, mas notei que a maioria das canções do novo álbum era novamente ligada ao mar. A partir desta observação, o conceito se revelou. O primeiro disco é mais explícito e aponta para um número maior de referências musicais. A meu ver, 'Maré' é um álbum mais condensado", compara.

Destacam-se no disco temas como "Para Lá" (de Arnaldo Antunes), "Sem Saída" (do concretista Augusto de Campos e seu filho Cid), "Teu Nome Mais Secreto" (poema de Waly Salomão musicado por Adriana) e "Porto Alegre", composição de Péricles Cavalcanti composta especialmente para a cantora. Calcanhotto ressaltou conexões da canção com a obra clássica "Odisséia", de Homero. "Essa música lida com coisas distintas. Pedi ao Péricles uma música e ele chamou-a de 'Porto Alegre' por minha causa, pois sou de lá. E a letra da música fala da chegada de Ulisses à ilha da ninfa Calypso no livro 'Odisséia', mas também cita o gênero musical calipso na levada do Kassin. Gosto muito de promover interseção entre ritmos", explica.

No disco, Calcanhotto é acompanhada por músicos veteranos como Bruno Medina (teclados), Alberto Continentino (baixo, guitarra e vocais), Domenico Lancellotti (bateria) e Marcelo Costa (bateria). O repertório que será apresentado na turnê do álbum não se restringe ao material do novo. Além de canções de seus demais lançamentos -- como "Vai Saber?" e uma versão diferente de "Asas" -- a cantora também incluirá dois temas que ainda não foram registrados em disco: "Nunca Se Esqueça" (composição de sua autoria) e "Poética do Eremita", um poema de Fiama Hasse Pais Brandão (1938-2007), artista ligada ao movimento surrealista.

A capa do disco traz um retrato da cantora, maquiada por Fúlvia Farolfi, italiana radicada em Nova York e profissional do ramo de moda.

"Maré" foi produzido por Arto Lindsay (ex-DNA e Ambitious Lovers) e pela própria Adriana Calcanhotto, que falou do processo de produção do disco. "Antes de tudo, sou fã da guitarra de Arto. Mas como produtor, sua abordagem é praticamente invisível. Isso é um talento dele, pois Lindsay finge não estar conosco em estúdio e isso nos permite que esqueçamos de sua presença e isso se reflete no trabalho."

O álbum também mostra sua faceta de intérprete, nas releituras que promove de material alheio com a mesma personalidade que imprime a seus temas autorais. Assim como acontece em "Maritimo", a cantora relê canções de Caymmi e Cazuza, "Sargaço do Mar" e "Mulher Sem Razão", respectivamente -- mas também atenta a uma inusitada parceria de Caetano Veloso e o poeta Ferreira Goulart ("Onde Andarás"). Calcanhotto falou de seus critérios para essas escolhas. "Eu não escolho autor e sim as canções. Acontece de eu ouvi-las no rádio e só depois vou saber quem é o autor. Eu lido, sobretudo, com as canções e meu desejo de interpretá-las. Por exemplo, só resolvi gravar 'Mulher sem Razão' depois de ouvir uma versão demo da música na voz de Bebel Gilberto. Coisas assim também aconteceram com as próprias releituras que fiz no primeiro álbum da trilogia -- em 'Mais Feliz' e 'Quem vem pra beira do mar'."

Outro indício da predileção da cantora pela ambiência marítima coincide com as apresentações em Portugal logo no início da turnê do novo álbum, assim como aconteceu na turnê de promoção de "Maritimo" e "Adriana Partimpim" (2004). Após uma rápida passagem pela Argentina no início de maio, a cantora segue para Portugal, onde fará nove shows antes de estrear o novo espetáculo em São Paulo, em temporada de 13 a 15 de junho. Ela falou de seu intercâmbio direto com a cultura portuguesa. "Gosto muito do país e sempre me sinto muito bem em terras lusitanas. Aprecio os poetas em língua portuguesa e sempre volto de lá com novidades literárias na bagagem, pois minha apreciação musical sempre esteve ligada ao bom uso do idioma. Acho que começar as turnês por lá, de alguma forma, me ajuda a entender melhor os discos. E foi muito boa essa conjunção de fatores novamente ter acontecido", arrematou.

(O jornalista Marcus Marçal viajou ao Rio a convite da gravadora Sony BMG)

Contatos pelo email marcus.marcal@uol.com.br

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